Откройте свой Мир!

Направление в западноевропейском искусстве 16 в., отразившее кризис гуманистической культуры Возрождения. Внешне следуя мастерам Высокого Возрождения, маньеристы (в Италии живописцы Я. Понтормо, Ф. Пармиджанино, А. Бронзино, скульпторы Б. Челлини, Джамболонья ) утверждали неустойчивость, трагические диссонансы бытия, власть иррациональных сил, субъективность искусства. Произведения маньеристов отличаются усложненностью, напряженностью образов, манерной изощренностью формы, а нередко и остротой художественных решений (в портретах, рисунках и др.).

Эпоха в истории европейской культуры 13-16 вв., ознаменовавшая собой наступление Нового времени.
Роль искусства

Возрождение самоопределилось прежде всего в сфере художественного творчества. Как эпоха европейской истории оно отмечено множеством знаменательных вех — в том числе укреплением экономических и общественных вольностей городов, духовным брожением, приведшим в итоге к Реформации и Контрреформации, Крестьянской войне в Германии, формированием абсолютистской монархии (наиболее масштабной во Франции), началом эпохи Великих географических открытий, изобретением европейского книгопечатания, открытием гелиоцентрической системы в космологии и т. д. Однако первым его признаком, как казалось современникам, явился «расцвет искусств» после долгих веков средневекового «упадка», расцвет, «возродивший» античную художественную мудрость, именно в этом смысле впервые употребляет слово rinascita (от которого происходит французский Renaissance и все его европейские аналоги) Дж. Вазари.При этом художественное творчество и особенно изобразительное искусство понимается теперь как универсальный язык, позволяющий познать тайны «божественной Природы». Подражая природе, воспроизводя ее не по-средневековому условно, а именно натурально, художник вступает в соревнование с Верховным Творцом. Искусство предстает в равной мере и лабораторией, и храмом, где пути естественно-научного познания и богопознания (равно как и впервые формирующееся в своей окончательной самоценности эстетическое чувство, «чувство прекрасного») постоянно пересекаются.
Гуманизм

Задача воспитания «нового человека» осознается как главная задача эпохи. Греческое слово («воспитание») является самым четким аналогом латинского humanitas (откуда берет свое происхождение «гуманизм»).Humanitas в ренессансном представлении подразумевает не только овладение античной премудростью, чему придавалось огромное значение, но также самопознание и самосовершенствование. Гуманитарно-научное и человеческое, ученость и житейский опыт должны быть объединены в состоянии идеальной virtu (по-итальянски одновременно и «добродетель», и «доблесть» — благодаря чему слово несет в себе средневеково-рыцарский оттенок). Натуроподобно отражая эти идеалы, искусство Возрождения придает воспитательным чаяниям эпохи убедительно-чувственную наглядность. Древность (то есть античное наследие), Средние века (с их религиозностью, равно как и светским кодексом чести) и Новое время (поставившее человеческий ум, его творческую энергию в центре своих интересов) находятся здесь в состоянии чуткого и непрерывного диалога.
Периодизация и регионы

Периодизация Возрождения определяется верховной ролью изоискусства в его культуре. Этапы истории искусства Италии — родины Ренессанса — долгое время служили главной точкой отсчета. Специально выделяют: вводный период, Проторенессанс, («эпоха Данте иДжотто», ок.1260-1320), частично совпадающий с периодом дученто (13 в.), а также треченто (14 в.), кватроченто (15 в.) и чинквеченто (16 в.). Более общими периодами являются Раннее Возрождение (14-15 вв.), когда новые тенденции активно взаимодействуют с готикой, преодолевая и творчески преобразуя ее; а также Среднее (или Высокое ) и Позднее Возрождение, особой фазой которых стал маньеризм. Новая культура стран, расположенных к северу и западу от Альп (Франция, Нидерланды, германоязычные земли), совокупно именуется Северным Возрождением; здесь роль поздней готики(в том числе такого важнейшего ее, «средневеково-ренессансного» этапа как «интернациональная готика» или «мягкий стиль» конца 14-15 вв.) была особенно значительна. Характерные черты Ренессанса ярко проявились также в странах Восточной Европы (Чехия, Венгрия, Польша и др.), сказались в Скандинавии. Самобытная ренессансная культура сложилась в Испании, Португалии и Англии.

Люди эпохи

Закономерно, что время, придавшее центральное значение «богоравному» человеческому творчеству, выдвинуло в искусстве личностей, которые — при всем обилии тогдашних талантов — стали олицетворением целых эпох национальной культуры (личностей-«титанов», как их романтически именовали позднее). Олицетворением Проторенессанса сталДжотто, противоположные аспекты кватроченто — конструктивную строгость и задушевный лиризм — соответственно выразили Мазаччо и Анджелико с Боттичелли. «Титаны» Среднего (или «Высокого») Возрождения Леонардо да Винчи, Рафаэль и Микеланджело — это художники — символы великого рубежа Нового времени как такового. Важнейшие этапы итальянской ренессансной архитектуры — ранний, средний и поздний — монументально воплощены в творчестве Ф. Брунеллески, Д. Браманте и А. Палладио.Я. Ван Эйк, И. Босх иП. Брейгель Старший олицетворяют своим творчеством ранний, средний и поздний этапы живописи нидерландского Ренессанса.А. Дюрер, Грюневальд (М. Нитхардт), Л. Кранах Старший, Х. Хольбейн Младший утвердили принципы нового изоискусства в Германии. В литературе же Ф. Петрарка, Ф. Рабле, Сервантес и У. Шекспир — если назвать лишь крупнейшие имена — не только внесли исключительный, поистине эпохальный вклад в процесс формирования национальных литературных языков, но стали основоположниками современной лирики, романа и драмы как таковых.
Новые виды и жанры

Индивидуальное, авторское творчество теперь приходит на смену средневековой анонимности. Огромное практическое значение получает теория линейной и воздушной перспективы, пропорций , проблемы анатомии и светотеневой моделировки. Центром ренессансных новаций, художественным «зеркалом эпохи» явилась иллюзорно-натуроподобная живописная картина, в религиозном искусстве она вытесняет икону, а в искусстве светском порождает самостоятельные жанры пейзажа, бытовой живописи, портрета (последний сыграл первостепенную роль в наглядном утверждении идеалов гуманистической virtu). Окончательную самоценность получает искусство печатной гравюры на дереве и металле, в период Реформации ставшее поистине массовым. Рисунок из рабочего эскиза превращается в отдельный вид творчества; индивидуальная манера мазка, штриха, а также фактура и эффект незаконченности (нон-финито) начинают цениться как самостоятельные художественные эффекты. Картинной, иллюзорно-трехмерной становится и монументальная живопись, получающая все большую зрительную независимость от массива стены. Все виды изобразительного искусства теперь так или иначе нарушают монолитный средневековый синтез (где главенствовала архитектура), обретая сравнительную независимость. Формируются типы абсолютно круглой, требующей специального обхода статуи, конного монумента, портретного бюста (во многом возрождающие античную традицию), складывается совершенно новый тип торжественного скульптурно-архитектурного надгробия.Античная ордерная система предопределяет новую архитектуру, главными типами которой являются гармонически ясные в пропорциях и в то же время пластически-красноречивые дворец и храм (особенно увлекает зодчих идея центрического в плане храмового здания). Характерные для Ренессанса утопические мечты не находят полномасштабного воплощения в градостроительстве, но подспудно одухотворяют новые архитектурные ансамбли, чей размах акцентирует «земные», центрически-перспективно организованные горизонтали, а не готическую вертикальную устремленность ввысь.Различные виды декоративного искусства, а также моды обретают особую, по-своему «картинную» живописность. Среди орнаментов особо важную смысловую роль играет гротеск. В литературе любовь к латыни как универсальному языку гуманистической учености (который стремятся восстановить в ее античном выразительном богатст ве) соседствует со стилистическим совершенствованием национальных, народных языков. Городская новелла и плутовской роман наиболее ярко выражают живой и задорный универсализм ренессансной личности, которая как бы везде на своем месте. Характерны для эпохи также роман как таковой и героическая поэма (тесно связанные со средневековой авантюрно-рыцарской традицией), сатирическая поэзия и проза (образ мудрого шута обретает теперь центральное значение), разнообразная любовная лирика, пастораль как популярная межвидовая тема. В театре на фоне бурного развития разных форм драмы выделяются пышные придворные феерии и городские празднества, порождающие красочные синтезы искусств.Уже в период Раннего Возрождения достигает расцвета музыкальная полифония строгого стиля (см. Нидерландская школа ). Усложняются композиционные приемы, порождая ранние формы оперы, оратории, увертюры, сюиты, сонаты. Профессиональная светская музыкальная культура — тесно связанная с фольклором — играет все большую роль наряду с религиозной.Наследующее Возрождению барокко плотно сопряжено с поздними его фазами: ряд ключевых фигур европейской культуры — в том числе Сервантес и Шекспир — принадлежат в этом отношении как ренессансу, так и барокко.
Первый период Возрождения

В историческом развитии Возрождения можно выделить три периода. Первый (14 в.) — период размежевания со средневековой философией и рождения гуманизма. Показательно отличие философского стиля таких мыслителей, как Фома Аквинский, Иоанн Дунс Скот, Данте, которые принадлежат средневековью, от «нового пути» номиналистов-оккамистов 14 в. (Буридан, Орем, Николай из Отрекура), обосновывающих примат воли и субстанциальность индивидуума, от апологии светской власти у Марсилия Падуанского, от натурализма падуанской школы(Пьетро Д'Абано), от радикализма реформаторских идей Уиклифа и от гуманистического культа античной образованности и морали у Петрарки и Салютати. «Искусство жизни», разработанное Петраркой и противопоставившее средневековому идеалу жертвы и надежды на загробное воздаяние новые ценности духовного аристократизма и совершенствования земного бытия при помощи гуманитарной культуры, является самым очевидным знамением поворота к обновлению философии.
Второй период Возрождения

Второй период (15 — нач. 16 вв.) — это этап созревания альтернативных мировозренческих моделей, вынужденных до определенного времени сосуществовать вместе и искать компромисса. В трудах Бруни, Браччолини, Альберти, Манетти, Валлы гуманистическая этика окончательно формируется как особый тип философского отношения к жизни и творчеству, топика гуманизма расширяется до социальных и экономических проблем, предпринимается попытка гармонизации христианства и античной философии (что особенно заметно в развитии любимой гуманистической темы «добродетель и судьба»).К середине 15 в. формируется возрожденческий неоплатонизм, расцвет которого был отчасти обусловлен эмиграцией в Италию византийских ученых. В центре этого процесса — «платоновская школа » во Флоренции во главе с Фичино. В работах флорентийских платоников осуществлялся эклектический синтез неоплатонизма, герметизма, каббализма, арабской мистики. Пико делла Мирандола, один из лидеров школы, создает знаменитую «Речь о достоинстве человека», признаваемую манифестом зрелого гуманизма. В 16 в. традицию школы продолжает Патрици. Развивается и аристотелианская ветвь философии: Помпонацци, углубляя традиции падуанского аверроизма, делает шаг в сторону эмпиризма и сенсуализма.Параллельно с гуманистической мыслью, стремящейся христианизировать язычество, существует тенденция обновления собственно христианства. Она более свойственна северному Возрождению. В Нидерландах направление представлено девентерской школой «Нового благочестия» (Грооте, Фома Кемпийский). В Германии — Николаем Кузанским, Р. Агриколой, Цельтисом. Мыслителям этого направления свойственна большая заинтересованность в очищенном от схоластики морально-религиозном практицизме, в анализе психологических глубин религиозной жизни. Аналогом движения в Италии можно считать протест Савонаролы против языческих крайностей гуманизма (к нему примыкает поздний Пико делла Мирандола). В атмосфере этого движения происходит становление будущей Реформации.Особняком стоит в 15 в. философия Николая Кузанского, выделяющаяся своей масштабностью и глубиной. Кузанец осуществил единственный в своем роде синтез ортодоксальной христианской философии, неоплатонизма и новейших тенденций гуманистической мысли. В этом отношении он — последний средневековый и первый нововоевропейский философ. Кузанец в своей теории «ученого незнания» утверждает богоподобность конечного разума и его способность познать абсолютное не только через явления, но через саму его непознаваемость, которая каждый раз дана уму особым образом. На этом принципе строится изощренная диалектика относительного и абсолютного, «максимума» и «минимума». Предвосхищая Бэкона и Декарта, он выдвигает программу тотальной реформы наук и религий. Однако в культурной ситуации Возрождения философия Николая Кузанского оказалась невостребованной.
Третий период Возрождения

Третий, последний период философии Возрождения (16 — нач. 17 вв.) знаменуется началом общеевропейской религиозной революции — Реформации, которая стимулировала ряд дискуссий с далеко идущими для европейской философии последствиями. Прежде всего это спор о свободе воли между Лютером и Эразмом Роттердамским. Эразм, утверждая свободу воли, призывает перейти от нагромождений схоластической культуры на «путь Христа», каковым он считал милосердие, веру и простую жизненную мудрость. При этом роль философии, разоблачающей претензии любого мнимого знания, оказывалась весьма значительной. Лютер разрабатывает теорию предопределения и спасения только верой, в силу чего традиционная философия оказывается излишней, если не вредной. Но на деле лютеровское углубление понятия веры не порывает с основными мотивами Возрождения и способствует прояснению роли самосознания в структуре личности: в этом отношении Лютер — предшественник Декарта. Лютер и его интеллектуальные соратники (Цвингли, Меланхтон, Кальвин) подготовили почву для перехода от возрожденческого идеала совершенной личности к новоевропейскому идеалу рационально-активного и этически-ответственного субъекта. В рамки Возрождения вписывается также реформаторская мистика Себастьяна Франка и Беме. Поэтическая натурфилософия последнего сыграла большую роль в развитии классической немецкой философии.
Итоги Возрождения

Но мысль Реформации не была единственным итогом Возрождения Утонченный меланхоличный скептицизм Монтеня сохраняет в эту эпоху этические импульсы классического гуманизма. Натурфилософия развивается в трудах Бруно, превратившего ее в радикальный пантеизм, и Телезио, существенно приблизившего ее к будущему новому естествознанию введением в привычный пантеистический гилозоизм нового метода изучения натуры «из своих собственных принципов». Бурно развивается мысль Контрреформации, в рамках которой осуществляются социальные, психологические и педагогические новации Лойолы, предложившего свою, антилютеровскую концепцию личности. Переживает неожиданный расцвет «вторая схоластика», раскрывшая в томизме новые ресурсы. Результаты, достигнутые при этом в онтологии Фомой де Вио (Каэтаном) и Ф. Суаресом по-настоящему оценили только в 20 в. Рабле, Мор, Кампанелла создают яркие утопические мифы о совершенном обществе. Одновременно Макиавелли формулирует свои жесткие рекомендации по управлению реальным обществом, закладывая основы современной социологии, а Боден создает теорию правового государства, веротерпимости и суверенитета, начиная эпоху современной юридической мысли. Все это говорит о подспудных поисках философской методологии, каковую найдет следующее поколение мыслителей. Исторический драматизм этого века и его разочарование в гуманистической программе в известной мере стимулировал возвращение к собственно философским установкам. Таким образом, 16 в. можно парадоксально назвать периодом плодотворного распада философии Возрождения и высвобождения из нее жизнеспособных и адекватных времени моделей мышленияВ целом же эпоха Возрождения не слишком благоприятствовала философии и не породила великих результатов, за исключением доктрины Кузанца. Философия Возрождения развивалась в косвенных формах эстетической, этической, политической и натурфилософской мысли. Но для культурного поворота Европы к новому времени интуиции и схемы мысли, опробованные в ходе Возрождения, имели колоссальное значение.

Экспрессионизм ( от фр. expression - выразительность) - модернистское течение в западноевропейском искусстве, главным образом в Германии, первой трети 20 века, сложившееся в определенный исторический период – в преддверие первой мировой войны. Мировоззренческой основой экспрессионизма стал индивидуалистический протест против уродливого мира, все большее отчуждение человека от мира, чувства бесприютности, крушения, распада тех начал, на которых, казалось, так прочно покоилась европейская культура. Экспрессионистам свойственны тяготение к мистике и пессимизм. Художественные приемы, характерные для экспрессионизма: отказ от иллюзорного пространства, стремление к плоскостной трактовке предметов, деформация предметов, любовь к резким красочным диссонансам, особый колорит, заключающий в себе апокалиптический драматизм. Художники воспринимали творчество как способ выражения эмоций. 
Предшественниками экспрессионизма считаются Венсент Ван Гог - голландец, развивший свою особую художественную манеру на почве французской школы, постимпрессионист, Джеймс Энсор – бельгийский художник – символист, Эдвард Мунк – норвежский художник – символист, чье творчество некоторые исследователи склонны относить к экспрессионистскому течению.
В экспрессионизме выделяют два периода: до первой мировой войны и после. 
Первый период
К первому периоду относят творчество немецких художников Пауля Клее, Альфреда Кубина и Оскара Кокошки, объединений “Мост”, “Синий всадник”. 
Ранний экспресионизм. Германия. Художники обеднения “Мост” (1905-1912гг.).
Основатели – студенты архитектурного факультета города Дрездена: Эрнст Людвиг Кирхнер , Фриц Блейль, Эрих Хеккель и Карл Шмидт-Ротлуфф. Они сознательно противопоставляли себя реализму, импрессионизму и стилю “модерн” (югендстиль). Впоследствии к ним присоединились Эмиль Нольде, Макс Пехштейн, швейцарец Куно Амье, финн Аксель Галлен – Калола и другие. Первая выставка “Моста” состоялась в 1906 году в Дрездене, в магазине ламп, но вопреки обилию вокруг осветительных приборов оказалась замеченной. Скандал разгорелся через шесть лет на большой выставке “Моста” в Кельне, когда новое течение отвергли и академические художники и импрессионисты. 

Художественный язык был обусловлен установкой на своеобразную интуитивную “варварскую” непосредственность: тяжелые массы пастозных мазков, положенные на крупнозернистые холсты в черных рамах. В картинах выражено предчувствие какого-то ужаса через деформацию предметов, природных форм, как бы разрушается и дискредитируется все, что казалось незыблемым. Художники обращаются к литературным темам, иллюстрируют романы Ф.М. Достоевского. ( Э.Хеккель “Двое мужчин за столом", 1912г. Литературная подоснова: “Идиот”, сцена первого визита князя Мышкина в дом Рогожина.)




Художники объединения “Синий всадник” 
Предыстория возникновения объединения такова: в 1909 году В.Кандинским и А.Явленским было основано “Новое художественное объединение” в противовес отказавшемуся принимать произведения “авангардистских” художников “Мюнхенскому Сецессиону”. Вскоре В.Кандинский и Франц Марк основали альмонах “Синий всадник”. В одном из интервью 1930 года Кандинский рассказал навязчивому журналисту, почему возникло такое название: оба основателя любили синий цвет, кроме того, Марк любил лошадей, а Кандинский всадников.
В конце 1911 года редакция альманаха открыла в одной из галерей выставку картин В. Кандинского, Ф.Марка, А. Макке и др., которая положила начало объединению “Синий всадник”. 
Для “Синего всадника”, в противоположность объединению “Мост”, было характерно тяготение к абстрактному искусству, к отказу от передачи видимого окружающего мира. Их творчество было призвано выражать чувства, раскрывая трансцендентную сущность вещей.

Скульптура экспрессионизма. Скульпторы Эрнст Барлах, тяготевший к реалистичной манере и Вильгельм Лембрук, создававший пластические образы “надломленной, как бы смертельно раненой грации” (А. Тихомирова), в которых были преувеличенно удлинены пропорции.

Второй период: экспрессионизм периода первой мировой войны и в послевоенные годы
К началу нового периода объединения “Мост” и “Синий всадник” распались, Франц Марк (в 36 лет) и Август Макке (в возрасте 27 лет) погибли во время мировой войны. Герман Бар писал об этом периоде: “Вопль искусства в темноту, оно вопит о помощи, зовет дух: это экспрессионизм”.
Экспрессионистические тенденции этого периода выразились в творчестве Макса Бекмана ( офорты “Ночь”, “Морг” и др.), Карла Хофера и Отто Дикса.

Пуантилизм является одним из интереснейших и необычных направлений живописи.



Пуанты – такое красивое слово, по-настоящему французское. Когда слышишь его, почему-то сразу перед глазами возникает образ воздушной балерины, которая парит над сценой в очередном художественном образе, заставляя зрителя в немом восторге восхищаться грацией, гибкостью тела, стройностью ножек, едва касаясь пола носками балетных туфелек – пуантами. 



Именно поэтому слово «пуанты» в первую очередь ассоциируется с балетом. И если человек впервые сталкивается с таким понятием как «художник-пуантилист», то совершенно естественно, что оно вызывает у него улыбку и легкое недоумение: неужели эти художники ходили на пуантах?! 

На самом деле художники в балетках не ходили, а рисовали картины в стиле пуантилизма (от французского pointiller – «писать точками», пуантилизм – от французского pointel – «письмо точками»). 

«Пасмурная погода» Ж. Сера
Пуантилизм является одним из интереснейших и необычных направлений живописи. Это такая манера письма картин раздельными мазками правильной, точечной или прямоугольной формы. Художники, нанося на холст чистые краски, рассчитывали на оптическое смешение цветов в глазу зрителя, и им это удавалось.

«Воскресный день на острове Гранд-Жатт» Ж. Сера
Жорж-Пьер Сера (1859-1891) разработал оригинальную живописную технику письма мелкими точечными мазками с включением контрастных (дополнительных) цветов, что предполагало их слияние на сетчатке глаза – то есть так, как происходит это при восприятии солнечного света и цвета в природе. В картинах пуантилистов синий цвет находится по соседству с желтым, красный – рядом с зеленым, желтый цвет – возле синего. 

«Гавань в Сан-Тропе» П. Синьяк
Целью всех живописных экспериментов было создание живописного аналога световоздушной среды. При небольшом отходе от картины цвета смешиваются у зрителя на сетчатке глаза, вызывая ощущения вибрирующего воздуха и изменчивого света. 

В одном из главных произведений Сера – картине «Воскресный день на острове Гранд-Жатт» изображены парижане, отдыхающие на берегу Сены в воскресный день. 

Художник создал живое, словно колеблющееся от движения теплого воздуха пространство, в котором обобщенные силуэты не кажутся плоскими, а резкая грань между пространственными зонами, созданная густой тенью на переднем плане, не позволяет изображению стать обыкновенным узором на плоскости.

«После полудня» Анри Эдмон Кросс
А вот на картинах пуантилиста Поля Синьяка (1863-1935) мозаика точечных мазков приобретает энергию, отличную от замедленного ритма живописных изображений Сера. Мазки то сближены, то чуть удалены друг от друга, создавая эффект цветовой массы, которая словно рождается на глазах у зрителя. И картины просто завораживают своей красотой и необыкновенностью. 

Многие критики того времени считали, что новый метод письма сводил на нет творческую индивидуальность художника и превращал его работу в скучное механическое нанесение мазков. Но как видно из этих картин, это было совершенно не так. Пуантилистическая техника помогла создать яркие, контрастные и очень красивые картины.

«Сосна в Сан-Тропе» П. Синьяк
Картины художников-пуантилистов привлекают своей необычностью, заставляют зрителя восхищаться ими уже только потому, что они «написаны точками». 

Доброго времени суток!
В этот пост добавляйте свои вопросы, интересующие вас, по теме сообщества!

Добавляйте сюда свои жалобы и предложения касающиеся нашего сообщества)

Уголь- мягкий материал, используется в рисовании. Не имею представления, как его делают для продажи, но знаю, каким образом можно приготовить уголь в домашних условиях. Для этого используются нестарые ветви березы толщиной в диаметре 1- 1,5 сантиметра. Берем веточки, очищаем от кожуры. Делаем заготовки длиной до 10 сантиметров. Дальше берем жестяную банку, Залаживаем туда вертикально подготовленные веточки и засыпаем промежутки и сверху песком, очень плотно, чтобы небыло зазоров. После этого плотно прижимаем крышкой от банки. Дальше выпаливаем банку в костре, поставив ее вертикально. Время обжига может варьироваться от 3 до 6 часов. Это зависит от желаемой мягкости угля и температурного режима костра. Советую заложить сразу банки 3-4, Чтобы иметь различную мягкость угля и не жечь костер каждую неделю. После того, как вынете банку из костра дайте ей остыть естественным способом. После чего можно приступать к рисованию.P.S.После того как вы закончите работу нарисованную углем, нужно обрабатывать ее фиксатором или обычным лаком для волос. Это обусловлено тем, что уголь может стираться и сыпаться. Чтобы этого не допустить нужно проделывать такую процедуру. После закрепления работа будет защищена от подобных неприятностей. 

Мольберт является неотъемлемой частью в формировании рабочей среды художника. Это нужный инвентарь, с помощью которого достигается удобство в выполнении художественного произведения. Работая за мольбертом, художник правильно оценивает рабочую область- не искажается восприятие пропорциональных соотношений и многие другие детали, которые можно оценить только тогда когда вы почувствуете разницу между работой на мольберте и работой устроившись"кое-как". Во всех учебных художественных учреждениях учащиеся работают на мольбертах.
Как самостоятельно сделать мольбертМольберт вы можете заказать столяру или сделать сами по прилагаемому чертежу:



Стандартная высота мольберта 1100мм., но можно делать немного повыше, если ваш рост довольно большой. Но не более 1300мм.

 

На этой странице мы разберем важные аспекты правильного использования карандаша. Узнаем как правильно затачивать карандаш, как правильно держать его в руке при выполнении работы, как правильно ложить штрих, научимся ложить штрих по форме предмета.Как правильно заточить карандашИтак, мы начнем с рассмотрения того, как правильно заточить карандаш. Никаких точилок использовать нельзя! Только лезвие или канцелярский нож. Для рисунка и для живописи применяются разные виды затачивания, сильно отличающиеся между собой:



Вверху показано, как затачивается карандаш для рисунка. Снизу- для рисунка под живопись. Почему-же так отличается вид карандаша для рисунка под живопись? Этот вопрос мы затронем на странице уроки живописи.Как правильно держать карандашВернее всего делать это так: 



В основном вы должны работать за мольбертов и это очень удобное положение руки, при котором вы можете видеть работу с расстояния. К тому-же, сама работа не будет затираться тыльной стороной руки. Для проработки деталей и большего удобства можно слегка опираться на мизинец, отставив его в сторону. В первое время будет сложновато так держать карандаш, но если вы уж решили учится рисовать, уметь это необходимо. И если вы уж начали рисовать правильно, больше нельзя держать карандаш как обычно. Запомните это. Уже через месяц вы усвоите эту практику и почувствуете ее преимущества. Редким случаем является выполнение работы на маленьком листе бумаги сидя за столом или рисунки тушью-пером.Как правильно ложить штриховкуСадимся за мольберт, крепим к нему лист бумаги и начинаем учиться штриховать, при этом, руку держа правильно. Вот так штриховать нельзя:

Вот так штриховать можно:



Так-же можно поучиться выполнять штриховку с разным нажимом:



Как только вы сможете ложить уверенно штрих на поверхность листа, можно себе усложнять задачу и учиться ложить штрих по форме предмета. Свет на форме предмета распределяется по полутонам:



Пусть вначале рисунок будет неуклюжий:



Прорисовывайте линии построения. В процессе у вас будет получаться следующее:



Кто хочет еще потренироваться, ОК, могу предложить следующее упражнение:Дополнительное упражнениеУпражнение на заполнение пространства листа декоративным штрихом:



Придумайте сами вариант штриховки, заполняйте лист равномерно. Потом можно применить такую штриховку для передачи объема геометрических фигур, например вот так:



Параллельно ко всему этому необходимо каждодневно делать наброски.

Какую бумагу выбратьКогда мы хотим что-то нарисовать, мы задумываемся над тем, какую бумагу выбрать для художественной работы. И зачастую, бумага из первого попавшегося нам на глаза магазина не совсем подходит- то-ли по качеству, то-ли по ее техническим характеристикам. Начинающему художнику важно знать, какая бумага для чего годится. Конечно, все познается на практике, но знаю на своем опыте- мне удалось бы избежать немало неприятных ситуаций знай бы я раньше все то, что написано ниже. Именно по этому предлагаю вашему вниманию нехитрые советы и рекомендации:
Бумага для рисунка
Вобще-то, выбрать бумагу для рисунка не так сложно. Все зависит от того, насколько опытен человек на ней рисующий. Можно рисовать практически на всем, даже на оберточной бумаге. И она будет придавать шарм работе, благодаря присутствующему тону. Все зависит от вашего мастерства и практики. Если вы уверены в своих силах, а тон бумаги вам даже нужен- действуйте, экспериментируйте! Но для начинающих лучше рисовать на белой, лучше хорошего качества бумаге. Для хорошего рисунка используется ватман, желательно не тонкий. Бумага плотная, прочная, не рыхлая. Бывает встречается бумага плотная, но она не годится. Пока вы не научились определять качество бумаги "на глазок", купите один лист и проверьте ее. Потрите ее ластиком- если в том месте появляются ворсинки, сильно повреждается верхний слой бумаги- она не годится. Намочите бумагу- если появляются пятна, вода сильно проникает вглубь бумаги, делая ее "мраморной"-то-есть появляются пятна и разводы- такая бумага для работы не годится, для живописи тем более. Бумага прочная, с голубизной- вот то, на чем получится чистый хороший рисунок. 
Бумага для живописи
Для акварельной живописи лучше подойдет торшон- белоснежная плотная рельефная бумага. Вообще-то, дешевого хорошего торшона не бывает. Такая бумага впринцыпе дорогая. По этому, для эскизов, цветовых поисков целесообразнее использовать обычный ватман, предпочтительнее хороший. Для обычных, рядовых работ можно тоже использовать ватман, предварительно проверив поведение краски на ней. Если краска сильно впитывается вглубь бумаги, оставляет пятна, ложится неравномерно- такая бумага не годится. Если взять мочалку и смыть краску- при этом останутся мраморные пятна, а то и вообще, верхний слой будет скатываться- такая бумага не годиться. Пока вы не научитесь определять качество бумаги визуально, вам прийдется проверять ее. Не покупайте сразу слишком много листов. Замечайте, в каком магазине продается хорошая. Для живописи подойдет та бумага, которая для рисунка считается очень хорошей. Ну а если сделаете ошибку, могу вас успокоить- вся бумага пойдет в ход. То-ли для эскизов, набросков, для графических работ, макетов.
Мелованая бумага
Бумага с глянцевой поверхностью, бывает плотная и не очень, продается редко. Используется, главным образом, для графических работ или для выполнения работ чернилами и тушью. Когда-то, по незнанию, родители купили мне целую упаковку такой бумаги форматом А1. Могу сказать, использовалась она очень медленно, и главным образом потому, что не было особой нужды в ее применении. Вот основные виды бумаги, с остальной вы будете знакомиться в процессе работы. 
Бумага должна хорошо сочитаться с графическими материалами и в тоне и в цвете, не быть препятствием для технических приемов. Например: на более рыхлой, быстро и легко впитывающей акварель, трудно писать тушью- пером. Шероховатая бумага хороша для акварели, но не годиться для работы пером. На гладкой лощеной мелованой бумаге бессмысленно рисовать мягкими материалами- пастелью и сангиной, но зато она хороша для работы тушью. 

Планшет-удобство и сохранность работыПланшет нужен для удобства в выполнении работы. Рисунок будет в целости и сохранности, пока вы его с планшета не срежете. Так-же удобно просматривать работу на планшете и переносить ее. Словом, планшет нужен! А в живописи особенно. Потому-что от соприкосновения с водорастворимыми красками бумагу "ведет", а на планшете такого не произойдет. Конечно, вы можете купить планшет в художественных салонах, но не везде они есть такого размера как вам нужен. Проще его сделать самим или заказать, тем самым подогнать под нужный вам размер. Если вы студент, то вам обычно должны выдавать планшет под выполнение какой-то работы. Потом вы эти работы здаете и тем самым возвращаете планшет. Планшеты бывают размерами 30:40, 40:50, 40:60, 50:70, 80:80 сантиметров и так далее.

Натягиваем бумагу на планшетНамазываем края и углы планшета клеем ПВА. Лицевую сторону фанеры намазывать не надо. Подготовленный лист бумаги (если у вас планшет 30:40, то лист должен быть размером где-то 35:45) намачиваем водой с обеих сторон и даем немного стечь воде. Ложим лист бумаги на планшет, где смазанные клеем края немного подсохнут. Края бумаги будут выходить за края планшета. Чистыми руками, плавными движениями от центра к краям выганяем воздух, приглаживая бумагу к планшету. Приближаясь к краям постепенно загибаем бумагу за бортики планшета. Движения рук должны быть равномерны по всем направлениям от центра к краям. Когда бумага будет прихватываться, поправьте углы- обеими руками обхватите угол и бережно натяните на него бумагу.

Важные замечанияНе давите сильно ладонями на бумагу, не повредите верхний слой. Не используйте вместо клея ПВА кнопки или степлер- в этом случае бумага равномерно не натянется. Когда закончили натягивать плашет, для высыхания ложите его горизонтально. Не используйте обогревательные приборы. Естественным способом, в горизонтальном положении планшет высохнет равномерно, иначе минимум с одного угла планшета бумага слезет. Если с первого раза не получится, то с третьего раза точно. Конечно, совсем не обязательно делать новый планшет для каждой работы. Когда работа закончена, можно срезать ее канцелярским ножом и положить в папку. Все, планшет готов к следующему заданию. 

Наброски карандашомНаброски карандашом - надежный способ научиться рисовать. Наброски помагают развивать наблюдательность, умение остро и точно схватывать самое главние в натуре и отбрасывать второстепенное, несущественное. Острое чувство приходит не сразу, и именно наброски пробуждают способность воссоздавать увиденное как яркий зримый образ и долго удерживать его в памяти. Это качество крайне необходимо каждому художнику. 
Особенно труден для начинающих первый этап, когда ничего не получается, нет навыков быстрого рисования, линия не "живет" на бумаге, трудно передать объем и пространство малыми средствами. Неудачи закономерны, но преодолимы. Начинать делать наброски лучше с неподвижной или малоподвижной натуры. Старайтесь целиком охватить ее, сразу почувствовать движение формы и хорошо закомпоновать изображение на листе. Наброски карандашом нужно рисовать постоянно, каждый день. Когда вы рисуете наброски развивается глазомер, рука начинает рисовать на "автопилоте". Т.е. линии и формы со временем становятся более четкими и правильными. Вы все меньше будете использовать ластик, разве что для того, чтобы подчистить свет. Рисуйте все что увидите, что вам покажется интересным- растения, дома, животных, птиц, людей. 



Делайте, так назовем, репортажные наброски. Когда рисуете растения важно передать движение линий, присутствие воздуха, то-есть плановость, чтобы рисунок не был плоским, был наполнен объема. Очень полезно рисовать по памяти и с натуры сухое дерево, где видны все ветви. Когда рисуете животных и птиц передайте движение, пропорции. Пусть набросок будет незаконченым, на то он и набросок. Главное здесь развивать мышление, руку и глаз. Когда рисуете человека передайте не только движение, но и поворот, форму, объем, вес, пропорции. Когда рисуете архитектуру, то-ли просто сельский пейзаж передайте настроение, (то-ли сейчас пасмурная погода, толи зима или лето). Постарайтесь передать перспективу. Еще раз повторяю, здесь не важно прорисовывать, здесь важно "ловить". Ну а если у вас получаются приличные наброски, к тому-же, вы потрудились прорисовать пару деталей, то не стесняйтесь брать эти наброски на собеседование. Такие наброски дорогого стоят, и зачастую, показывают ваш потенциал и мастерство не хуже многочасовых работ.Дополнительные упражнения:Берете книгу Готтфрида Бамеса "Изображение фигуры человека" и делаете копии рисунков в размере иллюстрации. Используйте карадаш, тушь-перо. Выбирайте рисунки по мере подготовленности. От более простых- голова, детали к более сложным- фигура статичная, в движении. 

Делайте рисунок на характер предметов домашнего быта. Делайте аналитический рисунок, например, швейной машинки, старой мясорубки. Делайте рисунок на листе половинки ватмана. 

Рисуйте гипсовую голову, анализируя форму и основные конструктивные точки. 

Рисуйте мятый лист бумаги- ведите конструктивный разбор. Делайте наброски головы человека с натуры. Передайте поворот, движение, ловите пропорции. 

Делайте зарисовки головы человека по фотографии. Дело в том, что в фотографии только присутствуют намеки на объем, ощущение пространства. Вам-же нужно все это воплотить на листе, анализируя форму. 

Развивайте чувство композиции. Делайте зарисовки с словесного описания, рассказа. Делайте иллюстрации к прочитанной книге. Можно делать как цветные, так и черно-белые. 

Делайте рисунок натюрморта из больших предметов- табурет, ведро, тряпка... Рисунки упаковочных ящиков с объемно- пространственным анализом и анализом пропорционального соотношения. 

Рисуйте портрет по представлению. 

Делайте копии фотографий с фигуры и головы человека. Копии нужно делать через кальку- копируйте контуры.


Опытные рисовальщики используют великое множество графических приемов и средств, разнообразные линии, штрихи, пятна, стараясь как можно полнее задействовать возможности материала. Применяют смешанные техники двух и трех материалов для получения большей выразительности. 
Имеет значение и подбор бумаги. С успехом идет тонированная, цвет которой должен быть таким, чтобы на нем не пропадал тон основного рисующего материала. Годится и белая, и слегка подцвеченная тонкая бумага. Для некоторых видов набросков подойдет и крафт (коричневая бумага), и обычная оберточная. Обычно художники подбирают бумагу различного качества. Собираясь на наброски, подумайте, чем и на какой бумаге вы будете их делать.
Выбор материала, графического языка и способов исполнения часто подсказывает сама натура. Например, рисунки животных хорошо получаются мягкими материалами. Можно делать наброски прямо кистью, цветом, без предварительного контура карандаша. Если животные и птицы интересно окрашены и это важно подчеркнуть, постарайтесь изобретательнее передать фактуру шерсти, оперения любыми средствами, какие подскажет интуиция, лишь-бы достичь главной цели- выразительности. 
Каждый графический материал обладает своими специфическими изобразительными свойствами. Пером- тушью делают небольшие изящные наброски с тонкой и лаконичной линией и малым количеством тона, в нем как- бы любование этим изяществом, в первом наброске, как и в карандашном, особенно хороша линия. В наброске кистью лучше работает пятно. Мягкие материалы, дающие широкую линию, лучше подойдут для крупных, обобщенных набросков, здесь могут быть использованы и хорошо смотрятся и линия и пятно. Для небольших размеров такие материалы не годятся. 

Заключение

Часто на пленэре мы стесняемся прохожих, невольных, иногда назойливых зрителей. Конечно, в мастерской, рядом с единомышленниками трудиться удобнее, но, чтобы ощутить живое дыхание окружающего мира, придется идти на улицу, рынок, зоопарк, на завод, где раздолье сюжетов. Привычка работать на людях рано или поздно придет, и вы перестанете замечать любопытные взгляды и болезненно реагировать на всевозможные реплики. А вот собранный материал и памятные впечатления, тем более добытые навыки сослужат великую службу в дальнейшем. 

Рисунок под акварель- ставите натюрморт, для начала не сложный. В нем должны присутствовать два- три предмета и драппировка без рисунка. Планшет нужно использовать обязательно.Делаем рисунок. Для этого берете карандаш Т-ТМ, заструженный и, легонько, не надавливая на бумагу начинаете рисовать. Находите границы натюрморта в листе. Находите место каждого предмета в листе. Без нажимов, еле заметно, рисуете очертания предметов с элементами построения. Все линии построения должны быть еле видны. Вы должны быть предельно осторожны, чтобы не повредить верхний слой бумаги. Рисунок под акварель отличается от обычного рисунка. С помощью легкого штриха нужно отделять свет от тени, ложа штрих по форме. Начинайте штриховать с излома формы, где свет переходит в полутон и продолжайте вести штриховку в сторону теней. Это важно, чтобы определить место света и тени, и уловить распределение полутонов по форме. Рисунок под акварель должен быть таким:


Поближе это будет выглядеть вот так:

Организация рабочего пространстваПосле того, как рисунок под акварель будет готов, определимся с организацией рабочего пространства. На полу не должно быть ничего, чтобы не запачкать краской. Кисти готовы (беличьи, круглые), краски тоже (краски типа "Нева", на худой конец медовые, в идеальном варианте именно "Нева"). Места для работы у вас должно быть достаточно. Водой тоже запаслись, поговорим о палитре. Палитра представляет собой небольшой клочек бумаги с гладкой поверхностью, например, четверт листа обычной почтовой открытки. Никаких пластмассовых, стеклянных палитр лучше не использовать. Дело в том, что на пластмассовой поверхности замешанная краска будет скатываться в каплю, по этому, определить цвет замеса будет трудно. Палитра с поверхностью как у почтовой открытки имеет другие свойства. При этом, в процессе работы вы будете держать ее постоянно в руке, сможете определить цвет каждого замеса. С рабочим пространством мы решили, следующим шагом будет цветовой эскиз.Цветовой эскизИспользуйте круглые беличьи кисти. Номерами большими можно заливать большие области, номерами поменьше- прорабатывать детали. Универсальный номер- тройка, четверка.
Берем четверть альбомного листа, крепим к мольберту и приступаем к работе. Намечаем расположение предметов в натюрморте. В этом эскизе мы определим цветовое решение нашей композиции. В ней присутствуют предметы, один из них будет доминантен. Его вы выбираете сами- то-ли по размеру, то-ли по активному цвету, то-ли по величине пятна. Назовем его "генералом". Все остальные предметы (пятна) будут строиться по рангу за доминантным, с которого и будем начинать. Замешиваем цвет нашего предмета, при этом замечу, что в этом замесе должны присутствовать цвет света, локальный цвет, цвет гаммы. И заливаем наш доминант. После чего, в этот-же замес добавляете (по рангу) цвет следующего предмета (пятна). Таким образом, в цвете второго пятна будут присутствовать цвет света, цвет гаммы, локальный цвет и цвет доминантного пятна. Нашли цвет на палитре и заливаете второе пятно. Между ними будет существовать связь. Они уже будут частью одной композиции. Потом, в тот-же замес на палитре (лишний замес можно слить, смахнуть кистью, оставьте столько, сколько нужно) замешиваете цвет третьего пятна и по аналогии заливаете все пятна. В самом последнем пятне, например в фоне, будут присутствовать все цвета композиции.
Следующим шагом будет решение теней в композиции. Замешиваем тень нашего генерала, заливаем, и по аналогии заливаем все остальные тени, замешивая цвет на одной палитре.
Замечание: если палитра пропиталась краской, то берем чистый листик, переносим часть замеса на него и продолжаем работать.
Вот два примера цветового решения эскиза. Когда свет теплый а тени холодные: 


Когда свет холодный а тени теплые:


Выполнение работыПосле того, как мы определились с цветовым решением композиции, крепим готовый эскиз в верхний угол мольберта и ставим планшет с подготовленным рисунком. Приступая к работе на планшете берем мокрую губку или мочалку и осторожно смываем планшет. Это делается для того, чтобы смыть с бумаги остатки жира- краска не будет скатываться. Подождите пока высохнет и продолжаем дальше. Мы определили наши действия в эскизе, теперь можем проделать то-же самое на планшете. Заливаем свет, тени, прорабатываем основные полутона по рисунку, где определили место каждому из них. 

Замечание: акварельная живопись требует осторожности, в одном месте должно быть не более трех мазков, иначе бумага не будет просвечиваться (в чем и заключается красота акварели). В результате многократного наложения цветовых пятен получится грязь. Такое высказывание, как- больше грязи-больше связи нам не подойдет. 
Как в рисунке мы прорабатываем форму штрихом, так в живописи мы прорабатываем форму мазками, цветом. Кисть выполняет функцию карандаша. При выполнении работы вы должны помнить девиз: Не вижу, а знаю! И делаю так, как знаю!

Чтобы усвоить материал, нужно будет написать не один натюрмотр- самое легкое, где вы можете применить свои знания. Посложнее пойдет с портретом, фигурой, пейзажем. Но законы остаются те-же самые, и никогда не меняются. Только на первый взгляд это кажется сложным, но начав работать вы увидите, что это захватывающе интересно. Вот пример выполнения акварели. Попробуйте сделать лучше. У вас получится! Писать акварель нужно исключительно при дневном освещении. Поначалу не стремитесь заканьчивать работу, если лимит наложения мазков исчерпан, оставьте все как есть- не наделаете грязи. Незаконченая чистая работа лучше затертой и грязной законченной. 



Посмотрите теперь на следующую работу, выполненную акварелью. Чтобы не быть голословным, заметьте, что работа написана с использованием всех законов, которые мы изучали на уроке цветоведение. Посмотрите, как играет холодный свет на шлеме, подчеркивая материал, из которого он сделан. И как решил художник тени- бархатные, теплые. Посмотрите на красную драппировку- на переднем плане она имеет холодный оттенок, но удаляясь- теплеет, по цвету гаснет, приобретая коричневатые оттенки, а в тени ее цвет зажигается. Свет шлема решен в холодной гамме, а уже свет щита (за шлемом)- имеет теплые нотки, хотя сделан из такого- же материала. Доминирующее пятно- шлем, за ним идет красная драппировка, а потом по убыванию другие пятна. Попробуйте найти дома предметы из дерева, керамики, металла, ткани и пишите, стараясь передать материал. Не старайтесь писать очень аккуратно, пусть краска течет, растикается. Пусть работа будет "сочной". Такая аккуратность, как в этой работе достигается не сразу, а по результату долгого периода кропотливого труда. 

 

Основы цветоведенияВажным моментом в живописи является изучение цвета в пространстве. Мы не будем останавливаться на физических характеристиках цвета, не будем разбирать принципы аддативного и субстрактивного синтеза и углубляться в изучение синтеза цветовых потоков. Не будем сравнивать оптический синтез и синтез красок. Это не является нашей задачей. Она заключается в том, чтобы выделить все основное, первостепенное, не углубляясь в научные исследования. Единственным замечанием будет то, что для работы над изучением материала нам нужны будут хорошие краски. Для изучения цветоведения нужна гуашь хорошего качества.НачалоСчитается, что основных цветов есть три, и все остальные цвета можно получить путем смешения основных при различном пропорциональном соотношении. Красками вы этого скорее всего не сможете зделать. Проще считать, что основных цветов спектра есть двенадцать:

Все спектральные цвета называются хроматическими. Все остальные цвета получаются путем смешения основных.
Серый белый и черный называются ахроматическими:

Взаимодополнительными цветами являются противоположно расположенные цвета в спектре. Они друг-друга дополняют, то-есть, когда взаимодополнительные цвета расположены рядом, то они усиливают друг друга, "зажигают". Но при смешении таких цветов всегда получается серый.Основные характеристики цвета:1.Название цвета- так называемый цветовой тон.
2.Светлота- тон.
3.Насыщенность- напряжение, чистота.
4.Теплохолодность.
Эти все понятия разные и исключительно в каждом цвете они присутствуют. Например:
Посмотрите вокруг себя, найдите любой предмет. Он будет какогото определенного цвета, допустим, желтого. Давайте подумаем- цветовой тон будет желтый, а по светлоте может оказаться разным, то-ли желтый светлый, то-ли желтый темный, с примесями других цветов. Вот теперь нужно определить его насыщенность- сколько именно желтого присутствует в данном цвете? Много желтого- сильное напряжение, желтый с примесями- слабое напряжение, низкая чистота. И последнее- теплохолодность. Наш желтый цвет может быть как с прохладной ноткой, так и с теплой. Проще будет это понять, когда сравнить несколько разных предметов одного цветового тона, в данном случае- желтого. Найдите несколько желтых предметов и сравните их по нижеперечисленным характеристикам. Вам все станет ясно. 

Если вы еще не переключились в то русло, по которому я вас веду- предлагаю одно развлечение:
Цвет- это выражение качества энергии, какую несет среда. Иными словами, любой предмет несет в себе энергию определенного качества, в нашем случае цвет. Как вы, наверно, знаете, каждый цвет по разному нами воспринимается. Желтый повышает внимание, где-то раздражает. Синий- спокойный цвет, пассивный. Красный повышает чувствительность, внимание. Фиолетовый- настолько влияет на наше внутреннее Я, что может даже угнетать. Так мы чувствуем цвета. А теперь попробуем связать их с любыми предметами, допустим, с едой:
Я задам вам вопрос: какого цвета вкус картошки? Что? Белого? Нет!!! Вы должны прочувствовать, какие ощущения вызывает у вас вкус картошки, а не какого она цвета. У меня она вызывает ощущение, которое можно отнести к характеристике зеленого цвета. Еще вопрос:
Какого цвета вкус мяса? Конечно красного! Красный- сила, жизнь, движение- что дает нам кусок вкусного бифштекса, например. А какого цвета вкус клубники? Для меня это розовый.
Давайте перейдем к музыке. Если вы слышите звук органа, какие ощущения вызывют у вас эти звуки? У меня они вызывают ощущения, которые характеризируют фиолетовый цвет. А если слышите звук балалайки? Какого "цвета" эта музыка?Цветовая гаммаНу что, развлеклись? Попали на нужную волну? Тогда едем дальше.
Все цвета, учавствующие в композиции, должны быть подчинены какому-то одному цвету, который всегда зависит от:
1.Цвета света (то-ли сейчас утро, то-ли вечер, ясный день или дождливый, то-ли у вас на окне висят оранжевые шторы, которые будут пропускать в комнату неповторимый теплый свет)
2.От цветов, учавствующих в композиции. 
3.От площади пятен, учавствующих в композиции. Допустим, самое большое пятно вашей композиции будет зеленым- то этот цвет будет внесен в гамму. И именно гамма определяет цельность композиции.
В каждом мазке должно присутствовать три цвета- локальный цвет, цвет гаммы и цвет света.Конструктивное начало формыКонструктивное начало формы: свет, полутон, тень

Пластическое продолжение- полутон света, полутон тени, рефлекс и блик:

Блик показывает материал, из которого зделан предмет. Рефлекс- есть отраженный свет от рядом лежащей формы или плоскости. Группа света- свет, полутон света, блик. Группа тени- тень, полутон тени, рефлекс. Связывает эти две группы нолевой полутон. В нолевом полутоне локальный цвет, абсолютная величина, зависит она от общего светлотного тона.Изменение цвета по форме предмета.По названию, цветовому тону цвет не меняется. Интересный процесс происходит с светлотой. Светлый цвет удаляясь темнеет, темный- светлеет. По насыщенности цвет удаляясь гаснет, слабеет. По теплохолодности- холодные цвета удаляясь будут теплеть, теплые- холоднеть. На свету цвет светлее, в тени слабее и распределяется по полутонам:

По теплохолодности- если вы свет выбрали теплый, то тени будут холодными. Если свет холодный, то тени будут теплыми. Теплый свет удаляясь будет холоднеть, холодный- теплеть. Теплая тень удаляясь будет холоднеть, холодная теплеть. Цвет в тени по насыщенности зажигается.А теперь самое сложное:Самый темный полутон на свету светлее самого светлого полутона в тени. 

Самый безцветный полутон на свету цветнее самого цветного полутона в тени. 

Самый теплый полутон на холодном свету холоднее самого холодного полутона в тени. 

Все сложно и запутано? Так кажется с первого раза. Такие мысли развеятся, когда вы начнете рисовать. Я вам даю уже готовые законы, которые другие люди нарабатывают годами в процессе учебы. Здесь во времени все происходит намного быстрее. Вам нужно все это просто выучить, принять и воплотить на практике руководствуясь девизом:

Рисунок головы человека.Рисунок головы человека. Так как мы идем от простого к сложному, то для начала мы займемся подготовительным этапом. Пройдя упражнения, которые представлены ниже, вы сможете лучше понимать, что такое рисунок головы человека. Это не простое перечисление бровей, ресниц, локонов волос и родинок. Рисунок головы человека содержит целый набор правил и задач, при выполнении которых у вас и получится качественный рисунок головы человека. Итак, приступим!Начальный этап. Рисование головы в виде болванок.Как н арисовать портрет- так как мы идем от простого к сложному, то для начала потренируемся рисовать голову в виде болванок. Допустим, болванка яйцевидной формы. В ней, как и в настоящей голове есть оси, которые делят голову на определенные части.



1.Ось симметрии, делящяя голову на две равные половины.
2.Линия надбровных дуг- проходящая по линии надбровных дуг и нижней части затылка. Делит голову на верхнюю черепную часть и нижнюю лицевую
3.Линия определяющая нижнюю часть пирамиды носа
4.Линия делящая голову на лицевую часть и затылочную. Проходящая через самую высокую точку на черепе и ушные отверстия.
5.Линия трех-четвертного поворота. Проходящая в первую очередь через скуловую точку и височную точку. По этой линии мы будем определять поворот головы. Для начала пожалуй, достаточно. А теперь, как в наших упражнениях с кубиком, повращаем болванку:

А теперь выполним те-же упражнения с болванкой прямоугольной формы:

В этих упражнениях постарайтесь применить приемы перспективы. Можете делать легкую штриховку. Эти упражнения полезны для того, чтобы чувствовать себя увереннее, когда будете рисовать голову. 

Выполняйте упражнения как на небольших листах, так и на половинке ватмна. Материал используйте мягкий- уголь сангина, карандаш. При выполнении помните, как нужно держать карандаш.Голова человека. Построение головы как целого объема.При выполнении этого задания вам нужна будет гипсовая голова, которую можно купить в художественном магазине. Если по каким-то причинам вы ее не приобрели, можно рисовать с натуры. Но при выборе натурщика помните, что вам нужен человек в возрасте, у которого сформированы кости черепа. Если вам будет позировать девушка, попросите ее смыть с лица макияж- он не даст правильно оценить объем и светотень. Продолжаем узнавать- как нарисовать портрет. 

Берем половинку ватмана, крепим на мольберт, а еще лучше натянуть бумагу на планшет. Правильно устанавливаем освещение. Свет должен как можно лучше передавать светотень. При обычном освещении анализ формы трудно сделать из-за размытости теней и переменчивости солнечного света. Находим место нашей головы в листе, определяем пропорциональное соотношение высоты и ширины.


После того, как мы разместили общий объем в пространство листа, определяем, сколько места занимает сама голова, циллиндр шеи, и предметная плоскость-куб.



Дальше находим ось симметрии, которая делит голову на две равные части, и линию трех-четвертного поворота, которая будет проходить через скуловую кость и, как подсказкой для нас, будет поворот куба- предметной плоскости. Когда вы это зделаете, самое время наметить остальные осевые линии, которые мы намечали на болванках. Теперь добавим еще несколько важных точек построения:



Посмотрите, как объем шеи крепится к объему головы- чтобы не получилось так, что они существуют сами по себе. Нужно помнить, что шея- циллиндр, форма, которая входит в другую форму. Когда найдены все конструктивные точки, намечены все основные объемы, можно наметить объем волос на объеме головы. Дальше переходим к распределению света и тени. Затачиваем карандаш и намечаем тень. Ложим штриховку по бсему объему, намечаем тень (со всеми полутонами и падающими тенями), уже потом можно перейти к разбору светотени в отдельности,начиная с больших форм и заканчивая прорисовкой маленьких. Но постоянно помнить о том, что вы делаете рисунок одной цельной композиции.Только в самом конце можно прорабатывать брови, ресницы и подобные детали. Почаще отходите от работы и смотрите на нее со стороны. Делайте перерывы.Используйте навыки, которые мы нарабатывали.

Как нарисовать натюрмортМы подошли к изучению рисования натюрморта. Начнем с простого, скажем, с подготовительного этапа, и постепенно подойдем к рисованию самого натюрморта. На данном этапе, для лучшего понимания того, что мы делаем, предлагаю следующие упражнения:Развитие способностей пропорционального видения через сравнительный анализ объемовНаходите то-ли бутылки, то-ли банки- без разницы что, только не очень сложное. Выстраиваете их вряд штук четыре- шесть и тренируете глаз. Попытайтесь проанализировать высоту и ширину каждого предмета и их соотношение друг к другу. Поначалу можно рисовать только контуры. Все предметы рисуем на предметной плоскости.
Задание ещеДелаете рисунок мятого листа бумаги, картона, с анализом плоскостей излома. Заметьте, что каждая грань напоминает грань кубика. Когда вы это понимаете, задание не кажется сложным. Это упражнение очень полезно для развития глазомера.

Задание посложнееПоставьте несложный натюрморт. Так-же с помощью линий и дополнительной штриховки пытаетесь уловить пропорции предметов, расстояние между ними. Следуйте законам перспективы- все линии будут сходиться в точке схода- не рисуйте ее, делайте видимость. 
Если рисуете, например, табурет- находите сначала общую форму предмета. Ней является кубик. После того, как найдены все грани и стороны можете делать детальный разбор- перемычки и т.д., которые будут гармонично вписываться в наш кубик- табурет. Используйте в натюрморте драппировку. Заметьте, как она ложиться на предмет и повторяет его форму. На пересечениях форм делайте акценты.

Рисуем натюрмортРисуем натюрморт с учетом размещения композиции в листе. Характер натюрморта- то-ли он вытянут в длину, то-ли в ширину. Обязательно с учетом предметной плоскости, потому-что все предметы лежат на ней, а не висят в воздухе. Находим границы натюрморта в листе, отступая от верха листа сантиметров 10, по бокам по 7 сантиметров, снизу- 3см. Не спешите, главное- правильно начать, чтобы в последствии не "запороть" всю работу. Не спешите, ведь сейчас мы находим основные пропорциональные соотношения натюрморта.



Когда с учетом пропорций вы определили границы натюрморта в листе, самое время находить границы и пропорциональные соотношения каждого предмета в отдельности. Пропорции мы устанавливаем по трем точкам. Ни в коем случае не начинайте вырисовывать детали, ложить штриховку. Если в последствии вы заметите, что где-то не уловили пропорции, прийдется стирать все, что вы там подорисовывали. В результате, работа в самом начале будет затерта и неизвестно, какова будет вконце.

 

Если вы все сделали правильно, отдохните, попейте чаю, словом, делайте что-нибудь, чтобы не смотреть на работу и дать глазам отдохнуть. Поверьте, через 20-30 минут вы увидите то, чего не видели раньше. Если где-то обнаружили ошибку- исправьте, еще не поздно. Если все в порядке- едем дальше. Когда найдено место в листе каждому предмету, посмотрите на композицию: каждый предмет несет в себе геометрические формы или сочетание их. Прорисуйте четче каждый предмет, с учетом перспективы. Здесь не нужно переусердствовать с нажимом карандаша. Рисуйте карандашом графитным Т, ТМ, чтобы рисунок был прозрачный и чистый.Ложим штриховкуДальше приступим к штриховке.. Определим, где у нас в натюрморте свет и тень. Сейчас нам полутона не нужны. Свет не трогаем, а тень со всеми полутонами заштриховываем карандашом М, М2. Не черните, иначе для последних самых темных падающих теней у вас не хватит силы карандаша.



После того, как мы определили свет и тень, самое время вспомнить все упражнения, которые мы изучали в разделе основы рисунка. Ложим штриховку по предмету, где светотень будет распределяться по форме предмета. Предметы, удаляясь в перспективу будут прорисовываться мягче. Передний план выделен. Если сложно, то вернитесь на страницу основы рисунка и еще раз все повторите. В принцыпе, у вас должно получиться так:

 

Рисунок. НачалоЕсли вы начинающий художник, то вам сейчас нужны базовые знания. Не смотрите на работы великих художников, вы будете понимать их немного позже. Сконцентрируйтесь на себе. А начинать мы будем с понимания самого рисунка. 

Все предметы находятся в пространстве, они окутаны им, гармонично в него вписываются и подчиняются его законам. В самом простеньком натюрморте нужно воспринимать не отдельные предметы, а целый ансамбль, созвучие линий и форм. Нужно смотреть на это как на непрерывный тондем линий, форм, света и тени. Рисунок это условное пространство листа, в котором есть предметная плоскость, пропорциональные соотношения всех предметов и свето-тень, распределяющаяся по форме предметов. Основные элементы изобразительной грамоты:

Плоские фигуры (двухмерные)



Объемные фигуры (трехмерные)
Все предметы, так или иначе имеют в себе, в своей основе построения эти фигуры.Куб- как основа трехмерного изображения в условном пространстве листа.Для начала я хочу вам рассказать небольшую историю о маленьком муравье. Представляете? Маленький муравей, лазил себе по травке и набрел на что-то... На что- неизвестно. Он незнал и сам. И захотелось ему узнать, что-же преградило ему дорогу. Муравей с трудом залез на это что- то, облазил со всех сторон, вдоль и поперек но так ничего и не понял. Непонял, потому- что сам-то он был очень маленький и видел только отдельные участки предмета и не мог составить о нем картину. Тогда он вскарабкался на высокое дерево, взглянул с высоты и увидел общую каритну.... Ну а что он увидел нам впринципе и не важно, зато смысл, думаю, ясен. Так и мы, чтобы было быстрее и яснее начнем с общей картины.

Продолжим. Куб является основой трехмерного изображения в условном пространстве листа. В нем есть вертикаль, горизонталь и глубина. В нем самом заложено понимание рисунка вообще. Вот для начала мы и поработаем с нашим кубом. Мы будем развивать логическое мышление на анализе реальной формы с помощью образно- логических построений.Упражнение 1Садимся за мольберт, крепим к нему половинку листа ватмана, можно использовать недорогую бумагу, даже обои. И рисуем кубик, прорисовывая и невидимые грани: 

Ближние углы и стороны будут выглядеть четче, те что уходят в глубину мы будем делать менее четко чтобы добиться ощущения пространства, ибо все, что уходит в перспективу имеет тенденцию к угасанию, из-за окружающего воздуха. Грани, уходящие в перспективу рисуем менее четко, и к тому-же их четкость будет угасать постепенно. Невидимые грани нужны для построения. Итак! Берем и выделяем то, что к нам ближе- углы, стороны, грани:



Вы можете рисовать не только карандашом, можете использовать сангину, пастель, уголь. Если карандаш- то мягкий. Теперь нарисуем за первым кубиком второй:



Что происходит? Первый кубик находится к нам ближе, значит он будет выглядеть четче. Второй слабее и все его грани будут слабее дальних граней первого кубика, так-как второй находится позади первого кубика. Это вы должны четко понимать, это основа пространственного видения, основа рисунка. А теперь возьмем и проделаем следующее: мы нарисуем еще один кубик, который будет находиться перед двумя первыми. Чтобы было видно что он впереди, его нужно выделить! Вот мы и выделяем его стороны и грани, чтобы они были четче сторон и граней кубиков на заднем плане:



В вашем листе кубики могут располагаться не только как солдатики, они могут летать как им вздумается. Выполняйте это упражнение до тех пор, пока не освоите его. Рисуйте за мольбертом любым материалом, рисуйте за столом на альбомном листе. Не используйте тетрадные листы. Вот несколько примеров выполнения задания:



Когда кубик располагается вот так:



ближний к нам угол и ребро будут активнее. Мы их должны выделить- все остальное угасает. Не важно, сколько вы потратите бумаги на это упражнение. Не используйте ластик, лучше лишний раз подумайте. Пока не усвоите это упражнение, ко второму переходить нельзя. Здесь вы будете учиться быстро, но если не усвоите азов- все труды пойдут на смарку. Не нужно сейчас добиваться красоты и чистоты в рисунке. Главное, чтобы вы сами не запутались в том, что рисуете. Главное сейчас научиться понимать что вы делаете.

Упражнение на заполнение объема:Представьте, что внутри нашего кубика- целый мир, который мы будем сейчас наполнять содержанием. Нарисуем внутри нашего кубика еще один:



А за ним следующий, а может какой-то кубик прирос к боковой стороне:



Можно построить внутри нашего кубика целый город. Рисуйте видимые и невидимые грани, чтобы четко видеть, где заканчивается один кубик и начинается другой. Для удобства можно какую-то из сторон кубика заштриховывать. Проделывайте это упражнение до тех пор, пока не сможете выстраивать внутри кубика городки.Упражнение на наращивание объема:Представим, что такой-же городок кубиков можно выстроить не внутри куба, а снаружи:



Четко показывайте разницу между ближними и дальними углами и гранями. Пространственное восприятие должно быть налицо.Упражнение на вычитание из объема:Нарисуем кубик и начнем отрезать от него по кусочку:



Выполняйте упражнения поочередно, отнеситесь к этому серьезно. Каждое упражнение на шаг сложнее предыдущего. "Схалтурите" на одном- второе будет освоить сложнее. А все это скажется на результате. Будьте упорны и трудолюбивы.Построение объемно- пространственной структуры во внутреннем объеме куба.Возьмем кубик и расположим внутри него лестничку. Нарисуем ее "от земли"



Потом от этой лестнички идет в сторону еще одна, третья, четвертая...



Заметьте, что все стороны и ступеньки лестниц будут поддерживать стороны куба. Движение ступенек лесенок порторяет движение ребер куба. Чем дальше линии- тем они будут слабее, чем ближе- четче. Ребро лесенки ближнее к нам будет четче, ребро дальнее будет выражено слабее. Повращайте кубик в пространстве и заметьте как будут строиться лесенки. Здесь спешка не нужна. Проделывайте все эти упражнения до тех пор, пока не будете уверены, что сделаете все и без того, чтобы не заглянуть на этот сайт. 

Изображение ракурса
Изображение ракурса во всевозможных его проявлениях вырабатывает умение смело и выразительно решать сложные пластические задачи.
Для того чтобы яснее стало понятие ракурса, приведу несколько примеров. Вероятно, многие видели по телевидению космонавтов в кабине космического корабля. В каких только неожиданных положениях не доводилось их наблюдать. То они плывут прямо на зрителя, то от него. При этом местоположение фигур в пространстве выявляет то одну, то другую форму более укрупненно или сокращенно. Необычно воспринимаются движения артистов под куполом цирка, когда мы смотрим на них снизу вверх. Также непривычно смотрятся одни и теже объекты при взгляде с балкона верхнего этажа. Сходное можно наблюдать при рисовании фигуры или головы человека в запрокинутом положении. 
Подобное сокращение формы предмета, приводящее к изменению его привычных очертаний, в изобразительном искусстве определяется термином "ракурс" Собственно, вне ракурса не существует никакое пространственное явление. Даже при самой обычной точке зрения на объект легко заметить незначительное сокращение форм.
Выбор точки зрения на объект прежде всего определяет отношение художника к изображающему. С этим связано ощущение местоположения горизонта, линии, находящейся на уровне глаз. Вот элементарный пример. Предметы расположены ниже линии горизонта, естественно, они воспринимаются сверху, и видна их верхняя часть. Другими словами, чем ниже предметы относительно горизонта, тем более открыта верхняя плоскость (если это кубическая форма), если циллиндрическая- то овал станет ближе к кругу. Человеку, работающему в композиции и рисунке, неизбежно приходится иметь дело с острым пространственным видоизменением форм уже на начальном этапе обучения, при рисовании натюрморта. Рисунки натюрморта с разных точек зрения, с изменением линии горизонта развивают воображение, укрепляют понимание ракурса. 
Большую пользу приносят зарисовки городского пейзажа, с так называемой "лягушачьей перспективы", то есть с низкого горизонта, или наброски пейзажа с верхнего этажа, зарисовки интерьеров под разными углами зрения, лестничных переходов. 



В рисунке для уяснения конструции предмета важно понять, как одна форма возникает из другой, переходит в третью. Так появляется возможность верно нарисовать предмет, проникнув в его суть, разгадав его устройство, не ограничиваясь внешними очертаниями. Здесь кроется ключ к постижению истинной формы предмета, к пониманию и чувству объема.

В наиболее сложном виде работа над ракурсом, придающим особую выразительность и красоту композиции, выявляется в изображении человеческой фигуры. Фигуру нужно рисовать целиком, насквозь, если она загорожена каким- либо предметом. Такой прием при рисовании фигуры, да и не только фигуры, позволяет лучше и точнее ее построить. При рисовании лежачей фигуры, если смотреть на нее сблизкого расстояния, скажем, со стороны головы, она может показаться огромной и пропорции в рисунке невероятными, искаженными. Когда вы увидите, что рисунок расползается, никак не удается выразить ракурс или убедительно увязать пропорции фигуры, есть смысл привести изображение к простейшим объемам, предельно обобщить сложную форму до элементарной геометрической, как бы наметить условный каркас, саму конструкцию фигуры. Такой подход облегчает понимание формы в сложном повороте. 

Ракурс в рисунке и композиции тесно связан с передачей движения. Всегда может появиться необходимость подать фигуру или любой предмет в неожиданном, иногда даже в невероятном повороте. Следует делать как можно больше набросков на движение, передачу резких поворотов фигуры, причем не только с натуры, но и по наблюдению и воображению.
 

 Для этого нужно:
1) освоить основы рисунка 
2) выучить базовые пропорции человеческого лица 
3) много-много практиковаться! 
Базовые пропорции человеческого лица такие:
расстояние от подбородка до глаз = расстоянию от глаз до макушки (не забудьте, что над макушкой есть еще и прическа:) 
расстояние от линии волос до бровей = расстоянию от бровей до кончика носа = расстоянию от кончика носа до подбородка 
расстояние между глазами = длине глаза 
ширина носа = расстоянию между глазами 
длина рта - расстоянию между зрачками 
длина ушей = расстоянию от бровей до линии рта 
в профиль расстояни от уровня глах до подбородка = расстоянию от внешнего уголка глаза до конца уха. 
Выше речь шла о классических пропорциях лица взрослого человека.
Наиболее часто встречающиеся ошибки в портрете связаны именно с несоблюдением вышеперечисленных пропорций:
усеченный череп 
слишком большие глаза 
слишком маленький нос 
слишком маленький рот 
слишком тонкая шея 
слишком маленькие уши 
Но давайте помнить, что каждый из нас индивидуален, и нарисовать похожий портрет - значит заметить и воспроизвести в портрете небольшие отклонения от классических пропорций. А что же тогда такое шарж? А это небольшое преувеличение этих отклонений, визуальный акцент на них.
Когда рисуете портрет, обратите внимание на такие подробности модели:
кончики губ наклонены вверх или вниз 
какая губа шире 
внешние или внутренние уголки глаз выше 
форму лица и скулы 
очень подробно проработайте пряди волос вокруг лица 
А теперь рисуйте то, что Вы ВИДИТЕ. Рисуйте и рисуйте. И Вы заметите, как Выши портреты будут становиться все более и более похожими на модель!

Настроение сегодня необычное. Тёплое, мягкое и спокойное. Вот и рисовать будем что-нибудь подобное. Решено: рисуем зайца карандашом! Будем совершенствовать умение рисовать животных!
Наш заяц будет не только тёплым и мягким, но и непоседливым. Давайте на рисуем зайца, скачущего по своим заячьим делам! Для начала рисуем овал-голову и туловище, состоящее из двух окружностей покрупнее. Намечаем лапы:

После чего принимаемся рисовать морду и длинные уши. Делаем лапы и хвост потолще и заяц начинает превращаться.. в зайца:

Теперь собираем участки рисунка в одно целое и избавляемся от лишних линий:

После чего можно приступать к детализации зайчишки и нанесению тени:

Добавляем рисунку зайца обьёмности и вуаля! Заяц готов!

Всем привет. На этом уроке мы будем рисовать животных волшебных, красивых, сильных, мистических и очаровывающих своей неповторимостью: рисуем драконов! Рисовать будем карандашом, так что всё, что нам понадобится, это простой карандаш, бумага и много-много фантазии. Вперёд, рисуем драконов карандашом!
Если хотите научиться рисовать драконов, нужно усвоить немного теории. Во-первых, это характер. Дракон без характера — не дракон, а так, ящерица. Ему вовсе не обязательно быть злым, брызгать во все стороны кровью зазевавшихся жертв с огромных зубов, иметь горящие злобные глаза и прочее. Главное — индивидуальность. Посмотрите на первого дракона: каков хитрец, а? А второй — ну типичный мечтатель! Характер складывается и из мелочей — формы носа, зубов, рог, чешуек. Посмотрите, как мы рисуем дракона карандашом, как обычная рептилия превращается в дракона, который кому-то завидует.
Воооот. И пускай пропорции не идеальны, в качестве примера — сгодится. Теперь давайте попробуем научиться рисовать головы драконов с разных углов:
1. В профиль;
2. В профиль с раскрытой пастью. Обратите внимание на прищуренные глаза, раздутые ноздри и язык;
3. Слева и снизу, с прикрытыми челюстями.

Теперь давайте о лапах и хвостах. Тут всё по аналогии. Единственное, что можно добавить, что земляной дракон может быть и без наконечника на хвосте, ведь это почти что динозавр.

Крылья. У драконов первый палец самый маленький, второй же — самый большой. Обязателен локтевой сустав и отрастающая от него кость, как будто, еще один палец.

Ну и под конец, немного о стилизованность. Это легко и просто, если «подучить» анатомию драконов. Взгляните на два примера: сидящего и летящего дракона.

Доброго дня, друзья. На этом уроке мы будемрисовать животных — колючих, хитрых, но таких милых! Сегодня мы с вами рисуем ежика, а рисовать будем карандашом. Рисунки ежей (ежиков) обычно у меня получаются не очень хорошо, но я буду стараться. Поехали!
Рисунки ежиков (ежей) должны начинаться с овала на палочках, который совсем скоро станет туловищем на ножках. После чего рисуется овал поменьше — голова ежа:

Далее принимаются за морду, которая у ёжиков, как известно, острая. Рисуем ухо, глаз, намечаем расположение игольчатой шубки и утолщаем лапы. Видите, как потихоньку на рисунке появляется силуэт ежика?

Теперь избавляемся от вспомогательных линий и начинаем детализировать рисунок ежа:

Подрисовываем животному иглы, делаем глаз похитрее и начинаем аккуратно раскрашивать:

Насыщаем рисунок, подрисовываем тени и рисунок ежика оживает! Чудо? Чудо.

Всем доброго дня. Сегодня выходной день, за окном отличная погода и мне страстно захотелось заняться рисованием. Значит, за работу: будем рисовать животных. А точнее, рисовать кота. А ещё точнее,рисовать кота пастелями. Рисование пастелью — это очень увлекательно и интересно, итоговые работы получаются просто прекрасными. Вперёд!
Итак, какие цвета нам понадобятся:
101 – White
176 – Van Dyke Brown
184 – Dark Naples Ochre
186 – Terracotta
191 – Pompeian Red
199 – Black


1. Начинаем рисовать животное с шерсти. Берём 101 пастель и прорисовываем шерсть с уха. Поверх 101 пастели ложится 184: так мы затемняем внутреннюю область, оставляя белыми края.


2. По верхним краям уха проходимся 186 пастелью поверх 184 и, при помощи бумаги или даже обычного пальца, смешиваем цвета. Постепенно переходя на 186, начинаем рисовать 191 и, в конце-концов, берём 176: так цветовая гамма получится очень глубокой. Осталось нарисовать коту светлые волоски, что отлично получится острыми краями 101 пастели. К глубоким же местам можно слегка применить 199 пастель.


3. После чего начинаем рисовать голову: верхушку — тёмной пастелью под номером 186, а мех посветлее — номером 101 (белым). Обратите внимание, как мы закрашиваем по направлению меха, чтобы добиться пущей реалистичности. Сверху 186 пастели используем 176 и 199 пастели, в светлые же зоны применяем 184, 186 и слегка 176.


4. В этом этапе мы рисуем нашему коту глаз. Основной карандаш — 101: нижняя часть глаза особенно ярка. Зрачок рисуем с помощью 186, им же наводим немного лёгких и аккуратных мазков вокруг зрачка. Верхняя же половина рисуется 184, перемешанная с главным белым цветом.


5. Берём 186 пастель и наносим её сверху 184 в районе всего глаза. После чего накладываем на 186 пастель 176 (в районе зрачка и вокруг глаза). Под конец же рисования глаза можно аккуратно пройтись 176 пастелью в верхней половинке глаза, а поверх неё — самую малость 199, в зрачке.


6. Теперь рисуем меховому красавцу носик. Кончик — номером 101, верхушку — 191. Добавляем 184 и 186, а после этого снова берем 101, чтобы очертить основные лёгкие участки. Тёмные же рисуем номерами 186, 176 и 199, накладывая их друг на друга.


7. Осталось потрудиться над фоном. Берём 184 и старательно протираем пальцем, после чего наносим поверх номер 186 и снова его растираем. Получается красивый и глубокий цвет.
8. После создания фона, возвращаемся к рисунку и создаём как можно более плавный переход от основного изображения к фону.


9. Ну и осталось нарисовать коту только «документы» – усы. Делаем это при помощи острых краев 101 и 176.

10. Ну и любуемся отличным котом.
Вот и всё. Сегодня мы нарисовали кота пастелями и, должен сказать, это было очень красиво.

Привет. Сегодня мы с вами учимся рисовать портрет. Так как это что-то вроде вводного урока,портрет рисуем карандашом, поэтапно – берём материалы попроще и растягиваем занятие на части, чтобы охватить каждый аспект рисования портрета. Ну да хватит разговоров, карандаш, бумагу наизготове, волю художника – в кулак и вперёд, к работе!
Этап 1.
Рисуем карандашом линейный контур (свободный, от руки). Излишки линий подтираем стёркой.
Этап 2.
С помощью механического карандаша 3В 0.5 начинаем накладывать штрихи в местах затемнения волос, шагая по основным направлениям

Этап 3.
Продолжаем штриховать тёмные места. Внимательно следите за их направлением: мы !учимся рисовать портрет! вдумчиво и аккуратно, чтобы не получить на рисунке сноп соломы вместо волос

Этап 4.
На этом этапе мы всё так же накладываем штрихи по направлению роста волос, возвращаясь и затемняя участки. Одновременно с этим удлинняем линии, зарождая стиль:

Этап 5.
Работаем со стилем волос, снова затемняем участки волос. На этом этапе рисования портрета стоит избегать бликов и штриховать очень аккуратно. Небольшой совет: чтобы штриховать было удобнее, можно поворачивать бумагу:

Этап 6.
Завершаем работу над причёской. Возвращаемся назад, затемняем слои волос:

Этап 7.
Теперь, с помощью растушевки (грязной или чистой – неважно) проходимся по причёске в направлении роста волос. Главное, не допускать, чтобы штрихи пересекались, иначе возникнут некрасивые загрязнения. Разглаживаем только по направлению!

Этап 8.
Учимся рисовать портрет далее. Теперь пришла пора поработать над бликами. Острой стёркой “вытягиваем” линии (не параллельные) в местах бликов, чтобы они перемешались со штрихами карандаша и осветлили нужные места:

Этап 9.
Возвращаемся и прорисовываем карандашом 3В (или мягче) тёмные участки. Добавляем прямые волосы к границам завитков, головы, лица. Само же лицо пока не трогаем. Штрихуя отдельные волосинки, применяя разные нажимы, получаем эффект индивидуальных волос

Этап 10.
!Учимся рисовать глаз портрета поэтапно!





Этап 11.
Вот такой вот результат:

Этап 12.
Теперь пора потрудиться над тонами кожи лица:

Этап 13.

Моя сестренка Олеся !!!

Привет Катенька ты не против если я свою фотку в своем испонении оставлю,как не как я тоже в сообществе!