Откройте свой Мир!

ШОПЕН, ФРИДЕРИК ФРАНЦИШЕК (фр. Chopin, Frderic Franois;
польск. Szopen, Fryderyk Franciszek) (1810–1849), польский композитор и
пианист, долгое время живший и работавший во Франции (поэтому
закрепилась французская транскрипция его имени). Шопен – один из
немногих композиторов, сочинявших практически только для фортепиано. Он
не написал ни оперы, ни симфонии, его не привлекал хор, в его наследии
нет ни одного струнного квартета. Но его многочисленные фортепианные
пьесы в самых разных формах – мазурки, полонезы, баллады, ноктюрны,
этюды, скерцо, вальсы и прочее – это всеми признанные шедевры. Шопен был
настоящим новатором, часто отходившим от классических правил и норм. Он
создал новый гармонический язык и открыл формы, призванные вместить в
себя новое, романтическое содержание.

Жизнь Шопена. Фридерик Шопен родился в 1810, вероятно, 22
февраля, в Желязовой Воле под Варшавой. Его отец Никол (Миколай) Шопен,
французский эмигрант, служил гувернером и школьным учителем; мать
воспитывалась в дворянской семье. Уже ребенком Шопен проявил яркие
музыкальные способности; в 7 лет его начали учить игре на фортепиано, и в
том же году был издан сочиненный им маленький полонез соль минор.
Вскоре он стал баловнем всех аристократических салонов Варшавы. В
богатых домах польской знати он приобрел вкус к роскоши и подчеркнутую
изысканность манер.

В 1823 Шопен поступил в Варшавский лицей, продолжая заниматься
музыкой частным образом с Иосифом Эльснером, директором Варшавской
консерватории. В 1825 его пригласили выступить перед российским
императором Александром I, и после концерта он получил награду –
бриллиантовый перстень. В 16 лет Шопен был принят в консерваторию; ее
окончание в 1829 формально завершило музыкальное образование Шопена. В
том же году, стремясь познакомить со своим искусством издателей и
публику, Шопен дал два концерта в Вене, где критики высоко оценили его
произведения, а дамы – превосходные манеры. В 1830 Шопен сыграл три
концерта в Варшаве, а затем отправился в поездку по Западной Европе.
Находясь в Штутгарте, Шопен узнал о подавлении польского восстания.
Считается, что падение Варшавы стало поводом для сочинения до-минорного
этюда, который иногда называют «революционным». Это произошло в 1831, и
после этого Шопен никогда не возвращался на родину.

В 1831 Шопен поселился в Париже. Он любил выступать в домах своих
друзей и покровителей, хотя нередко отзывался о них с иронией. Его очень
ценили как пианиста, особенно когда он исполнял собственную музыку в
небольших домашних собраниях. За всю свою жизнь он дал не более трех
десятков публичных концертов. Его исполнительский стиль был весьма
своеобразен: по отзывам современников, этот стиль отличала необычайная
ритмическая свобода – Шопен был, если можно так выразиться, пионером
рубато, он с большим вкусом артикулировал музыкальную фразу, продлевая
одни звуки за счет сокращения других.

В 1836 Шопен направился в Чехию повидаться с родителями. Находясь в
Мариенбаде, он увлекся юной полькой Марией Водзиньской. Однако их
помолвка была вскоре расторгнута. Осенью того же года в Париже он
познакомился с выдающейся женщиной – баронессой Дюдеван, о жизни которой
в Париже ходило немало сплетен и которая приобрела к тому времени
широкую литературную известность под псевдонимом Жорж Санд. Шопену было
тогда 28 лет, мадам Санд – 34. Их союз продолжался восемь лет, причем
большую часть этого времени они провели в семейном поместье писательницы
в Ноане. Кошмаром для Шопена, который никогда не отличался крепким
здоровьем, стала зима 1838–1839, прожитая с Жорж Санд на Майорке
(Балеарские острова). Сочетание плохой погоды с беспорядком в домашнем
хозяйстве, по-видимому, губительным образом подействовало на его уже
затронутые туберкулезом легкие. В 1847 отношения Шопена с Жорж Санд
окончательно испортились в результате вмешательства музыканта в
отношения его подруги со своими детьми от первого брака. Это
обстоятельство, вместе с прогрессирующей болезнью, повергло Шопена в
состояние черной меланхолии. Последний раз он выступил в Париже 16
февраля 1848. Через восемь дней разразилась революция, свергнувшая
короля Луи Филиппа. Друзья композитора отвезли его в Англию, где, уже
очень больной, он играл у королевы Виктории и дал несколько концертов –
последний из них состоялся 16 ноября 1848. Через неделю он вернулся в
Париж. Не в силах более давать уроки, Шопен вынужден был принять щедрую
помощь от своей шотландской почитательницы Джейн Стирлинг. Ухаживать за
больным приехала из Польши сестра композитора, Людвика; не оставляли его
вниманием и французские друзья. Шопен умер в своей парижской квартире
на Вандомской площади 17 октября 1849. В соответствии с его желанием на
отпевании в церкви св. Мадлен прозвучали фрагменты реквиема Моцарта.

Музыка Шопена. Композиторская техника Шопена весьма
нетрадиционна и во многом отступает от принятых в его эпоху правил и
приемов. Шопен был непревзойденным творцом мелодий, он одним из первых
привнес в западную музыку неизвестные ей дотоле славянские ладовые и
интонационные элементы и таким образом подорвал незыблемость
классической ладогармонической системы, сложившейся к концу 18 в. То же
касается ритма: используя формулы польских танцев, Шопен обогатил
западную музыку новыми ритмическими рисунками. Он разработал сугубо
индивидуальные – лаконичные, замкнутые в себе музыкальные формы, которые
наилучшим образом соответствовали природе его столь же самобытного
мелодического, гармонического, ритмического языка.

Фортепианные пьесы малых форм. Эти пьесы могут быть условно
разделены на две группы: преимущественно «европейские» по мелодике,
гармонии, ритму и отчетливо «польские» по колориту. К первой группе
относится большинство этюдов, прелюдий, скерцо, ноктюрнов, баллад,
экспромтов, рондо и вальсов. Специфически польскими являются мазурки и
полонезы.

Шопен сочинил около трех десятков этюдов, цель которых – помочь
пианисту в преодолении специфических художественных или технических
трудностей (например, в исполнении пассажей параллельными октавами или
терциями). Эти упражнения принадлежат к высшим достижениям композитора:
подобно баховскому Хорошо темперированному клавиру, этюды Шопена –
прежде всего гениальная музыка, притом блестяще раскрывающая возможности
инструмента; дидактические задачи уходят здесь на второй план, часто о
них и не вспоминают.

Хотя Шопен сначала освоил жанры фортепианной миниатюры, он ими не
ограничился. Так, в течение зимы, проведенной на Майорке, им был создан
цикл из 24 прелюдий во всех мажорных и минорных тональностях. Цикл
построен по принципу «от малого к большому»: первые прелюдии –
лаконичные виньетки, последние – настоящие драмы, диапазон настроений –
от полной безмятежности до яростных порывов. Шопен написал 4 скерцо: эти
масштабные пьесы, исполненные мужества и энергии, занимают почетное
место среди шедевров мировой фортепианной литературы. Его перу
принадлежит более двадцати ноктюрнов – прекрасных, мечтательных,
поэтичных, глубоко лирических откровений. Шопен – автор нескольких
баллад (это единственный у него жанр программного характера), в его
творчестве представлены также экспромты, рондо; особой популярностью
пользуются его вальсы.

«Польские» жанры. Шопен поразил Париж своими оригинальными
мазурками и полонезами – жанрами, в которых нашли отражение славянские
танцевальные ритмы и гармонический язык, типичный для польского
фольклора. Эти очаровательные, красочные пьесы впервые привнесли в
западноевропейскую музыку славянский элемент, что постепенно, но
неотвратимо изменило те гармонические, ритмические и мелодические схемы,
которые великие классики 18 в. оставили своим последователям. Шопен
сочинил более полусотни мазурок (их прототип – польский танец с
трехдольным ритмом, похожий на вальс) – небольших пьес, в которых
типичные мелодические и гармонические обороты звучат по-славянски, а
иной раз в них слышится и нечто восточное. Как почти все написанное
Шопеном, мазурки весьма пианистичны и требуют от исполнителя большого
искусства – даже если не содержат явных технических трудностей. Полонезы
крупнее мазурок и по протяженности, и по фактуре. Полонеза-фантазии и
полонеза, известного под названием «военного», вполне хватило бы, чтобы
обеспечить Шопену одно из первых мест в ряду самых оригинальных и
искусных авторов фортепианной музыки.

Крупные формы. Время от времени Шопен обращался к крупным
музыкальным формам. Возможно, наивысшим его достижением в этой области
следует считать отлично выстроенную и очень убедительную по драматургии
фантазию фа минор, сочиненную в 1840–1841. В этом сочинении Шопен нашел
модель формы, полностью отвечавшую характеру избранного им тематического
материала, и таким образом разрешил задачу, которая оказывалась не под
силу многим его современникам. Вместо того чтобы следовать классическим
образцам сонатной формы, он позволяет замыслу сочинения, мелодическим,
гармоническим, ритмическим особенностям материала определять структуру
целого и способы развития. В баркароле, единственном шопеновском
произведении данного жанра (1845–1846), прихотливая, гибкая мелодия в
размере 6/8, характерном для песен венецианских гондольеров, варьируется
на фоне неизменной фигуры сопровождения (в левой руке).

Шопен создал три фортепианных сонаты. Первая, до минор (1827), –
юношеское произведение, которое ныне редко исполняется. Вторая, си
минор, появилась десятилетие спустя. Ее третья часть – известный во всем
мире похоронный марш, а финал – вихрь октав, подобный «ветру, воющему
над могилами». Считавшаяся неудачной по форме, Вторая соната в
исполнении великих пианистов предстает как поразительно цельное
произведение. Последняя шопеновская соната, си-бемоль минор (1844),
имеет сквозную структуру, объединяющую ее четыре части, и является одним
из высших достижений Шопена.

Другие сочинения. Шопену принадлежит также ряд произведений
для фортепиано с оркестром и немногочисленные камерные пьесы. Для
фортепиано с оркестром им созданы Andante spianato и полонез ми-бемоль
мажор, два концерта (ми минор и фа минор), фантазия на польскую тему,
рондо-краковяк, а также вариации на тему Моцарта La ci darem la mano
(ария из оперы Дон Жуан). Вместе с виолончелистом О.Ж.Франшоммом он
сочинил Большой концертный дуэт для виолончели и фортепиано на темы из
оперы Мейербера Роберт-дьявол, сонату соль минор, интродукцию и полонез
для того же состава, а также трио соль минор для фортепиано, скрипки и
виолончели. Шопеном создан ряд песен для голоса с фортепиано на польские
тексты. Во всех сочинениях с оркестром сказывается неопытность автора в
области инструментовки, и почти всегда при исполнении в партитуры
вносятся изменения.

АНТОНИО ВИВАЛЬДИ (Vivaldi, Antonio) (1678–1741), итальянский
композитор и скрипач; широкой известностью пользуются его виртуозные и
мелодичные концерты. Родился в Венеции 4 марта 1678. Первым учителем
Вивальди был его отец, скрипач собора св. Марка. В 1703 Вивальди принял
сан священника, с 1704 по 1740 был директором музыки в Оспедале делла
Пьета в Венеции – доме призрения сирот, который славился как лучшая в
городе музыкальная школа для девочек. В Венеции главной его обязанностью
было сочинение музыки, и он сочинял с редкой легкостью и быстротой. В
огромном наследии Вивальди – множество опер, а также духовных сочинений.
Однако как современники, так и следующие поколения выше всего ставили
инструментальные сочинения Вивальди, прежде всего концерты. В 1740
Вивальди уехал из Венеции в Вену, где скончался 28 июля 1741.

Начиная примерно с середины 18 в. в Италии главенствовала опера, но в
предшествующий период в течение ста лет пальма первенства принадлежала
музыке для скрипки как инструмента, в наибольшей степени приближающегося
к звучанию человеческого голоса. Среди предшественников Вивальди
выделяется А.Корелли (1653–1713); в его сочинениях часто используются
контрапунктические приемы, которые ко времени Вивальди уже считались
старомодными. Сам Вивальди в меньшей степени был связан с традициями
прошлого и стремился скорее к выразительности, нежели к выписыванию
деталей.

Долгое время наследие Вивальди было известно по ограниченному числу
напечатанных произведений, и только в 20 в. было предпринято издание
полного собрания его инструментальных опусов, а именно 73 трио-сонат и
447 концертов для самых разнообразных составов. Вдохновение Вивальди
нуждалось в оркестре; его сонаты вполне соответствуют стилю эпохи. Среди
концертов многие написаны для одной и более скрипок, но немало и для
духовых инструментов, в том числе 38 концертов для фагота; два концерта
написаны для двух мандолин и несколько – для необычных инструментальных
составов, например, для двух скрипок и двух органов. Иногда, особенно в
скрипичных концертах, Вивальди не может преодолеть искушения
продемонстрировать растущие технические возможности инструмента, и
музыкальное содержание таких сочинений не слишком богато. С другой
стороны, присущее композитору острое инструментальное чутье позволяет
достигать звуковых эффектов необычайной красоты, как, например, в
исключительно выразительной и оригинальной медленной части концерта для
четырех скрипок си минор из опуса 3 (впоследствии И.С.Бах переложил этот
концерт для четырех клавиров). Вивальди создал очаровательные и
блестящие по фактуре концерты для флейты; его концерты для фагота
требуют от исполнителя превосходной техники, раскрывая при этом и
лирические, кантиленные возможности инструмента. Часто начальные темы
концертов Вивальди – энергичные, моторные, но самая сильная и
привлекательная сторона его дарования – лирическая. Медленные части его
сочинений, особенно скрипичных концертов, по форме подобны небольшой
трехчастной оперной арии, где материал экспозиции повторяется в репризе;
великолепный пример – сицилиана из ре-минорного концерта (из опуса 3),
отмеченная также интересным гармоническим письмом. Следует упомянуть
также знаменитые четыре концерта Времена года (№ 1–4 из опуса 8).

Долгое время о Вивальди помнили только потому, что И.С.Бах сделал ряд
транскрипций сочинений своего предшественника. Однако исследования
творчества Вивальди позволили оценить его как крупного мастера, лучшие
произведения которого сохраняют силу воздействия на слушателя.

---

  ПЕТР ИЛЬИЧ ЧАЙКОВСКИЙ (Tchaikovsky, Petr Ilich)
(1840–1893), русский композитор, музыка которого отличается
красочностью, романтичностью и необычайным мелодическим богатством.
Родился 25 апреля (7 мая) 1840 в Воткинске (Вятская губерния), в семье
начальника Камско-Воткинского завода, горного инженера И.П.Чайковского и
Александры Ассиер. Чайковский рос очень нежным, чувствительным
ребенком, и его болезненность особенно обострилась после смерти любимой
матери (1854). В детстве получил домашнее воспитание, а затем, после
двух лет занятий в пансионе, поступил в петербургское Училище
правоведения (1852). Окончив его в 1859, стал чиновником Департамента
юстиции. С 14 лет начал проявлять склонности к композиции, в 1860 или
1861 опубликовал романс на итальянский текст и тогда же, совершив
путешествие по Западной Европе (1861), решил заняться музыкой, прежде
всего гармонией, под руководством Н.И.Зарембы. В 1862 он поступил в
только что открытую Петербургскую консерваторию и в следующем году
оставил государственную службу, чтобы полностью посвятить себя занятиям
музыкой. Он занимался композицией и оркестровкой у директора
консерватории А.Г.Рубинштейна и за время обучения создал несколько
произведений, в том числе увертюру Гроза по одноименной пьесе
А.Н.Островского и кантату К Радости на стихи Ф.Шиллера. В 1866, сразу
после окончания консерватории, был приглашен на должность профессора
гармонии в Московскую консерваторию, открытую в том же году братом
Антона Рубинштейна – Николаем Рубинштейном.

В течение первых двух лет в Москве Чайковский сочинил свою Первую
симфонию (Зимние грезы, 1866) и первую оперу Воевода, которая была
поставлена в Москве в 1869 (после премьеры уничтожена автором и
восстановлена через много лет после его смерти по сохранившимся
оркестровым партиям). Вторая опера, Ундина, была представлена в дирекцию
Императорских театров, но не дошла до сцены и впоследствии была
уничтожена автором (ее материал частично вошел в балет Лебединое озеро).
Оркестровая увертюра Ромео и Джульетта получила после премьеры довольно
жесткую оценку критики, но после значительной переработки в 1870 и 1880
это сочинение стало одним из самых популярных в оркестровом наследии
композитора. Удача начала поворачиваться лицом к музыканту в первые годы
следующего десятилетия, когда появились Вторая и Третья симфонии (1872,
1875), три струнных квартета (1871, 1874, 1876), Первый фортепианный
концерт си-бемоль минор, а затем оркестровая фантазия Франческа да
Римини (1876) и Вариации на тему рококо для виолончели с оркестром
(1877). Две следующие оперы Чайковского – Опричник и Кузнец Вакула
(вторая из них стала победительницей на конкурсе, объявленном дирекцией
Императорского русского музыкального общества) и балет Лебединое озеро
были поставлены соответственно в 1874, 1876 и 1877.

К перечню его работ этого периода можно прибавить заграничные поездки
– в Швейцарию, Италию, в Париж и Байройт. Но в 1877 произошли два очень
важных события. Первое – начало загадочной дружбы Чайковского с
Надеждой фон Мекк, вдовой, обладательницей огромного состояния,
обожавшей музыку вообще и в особенности музыку Чайковского, в течении
многих лет поддерживавшей композитора, но не желавшей с ним встречаться.
Второе – женитьба Чайковского на Антонине Милюковой. Чайковский имел
гомосексуальные наклонности, причем испытывал по этому поводу глубокое
чувство вины; в 1876 он говорит в письме к брату о своем решении
жениться или вступить в открытую связь с женщиной и тем самым заткнуть
рты сплетникам. Последствия оказались ужасными: Чайковский попытался
покончить с собой, но так и не сумев сделать этого, срочно уехал от
жены. Чайковский много лет обеспечивал Милюкову, но никогда более не
встречался с ней; она умерла в 1917, последние два десятилетия своей
жизни провела в приюте для умалишенных. Зиму 1877/1878 Чайковский прожил
с братом Модестом в Швейцарии и Италии, где завершил два шедевра –
Четвертую симфонию и оперу Евгений Онегин. Надежда фон Мекк назначила
композитору стипендию в размере 6000 рублей в год (ее выплата была
прервана внезапно в 1890), что позволило ему оставить педагогическую
деятельность и сосредоточиться исключительно на творчестве.

После описанных событий жизнь Чайковского потекла по прежнему руслу. В
1885 он устроил себе постоянное жилище в Майданове под Клином, затем в
1888 перебрался в соседнее Фроловское и незадолго до смерти наконец
приобрел собственный дом на окраине Клина. Он всегда проводил много
времени за границей, подолгу жил в поместьях своих родных (особенно в
украинском имении Каменка, принадлежавшем семье сестры Чайковского –
Александры) и друзей. В этот период появляются три оперы – Орлеанская
дева (поставлена в 1881), Мазепа (поставлена в 1884) и Чародейка
(поставлена в 1887), а также скрипичный концерт ре мажор (1878), Второй
фортепианный концерт соль мажор (1880), торжественная увертюра 1812 год
(1881), трио Памяти великого художника (1882), посвященное
Н.Г.Рубинштейну, три оркестровые сюиты (1879, 1883 и 1884), симфония
Манфред по поэме Байрона (1885). В 1888 году Чайковский вступил на новое
поприще. Он преодолел отвращение к публичным выступлениям и постепенно
начал дирижировать своими произведениями в Петербурге и Москве. С января
по март 1888 он совершил большое зарубежное турне и успешно провел
концерты в Лейпциге, Гамбурге, Берлине, Праге, Париже и Лондоне. Год
спустя состоялась вторая зарубежная концертная поездка Чайковского. В
промежутке были сочинены Пятая симфония ми минор (1888),
увертюра-фантазия Гамлет (1888) и вчерне завершен балет Спящая
красавица. Оркестрован он был в течение лета 1889 и поставлен в начале
следующего года. В 1890 появилась лучшая опера Чайковского – Пиковая
дама.

Весной 1891 Чайковский совершил свою первую (и единственную) поездку в
Соединенные Штаты, где выступал в Нью-Йорке, Балтиморе и Филадельфии,
причем обнаружил, что в Америке он известен гораздо больше, чем в
Европе. Вернувшись в Россию, он посвятил летние месяцы сочинению баллады
для голоса с оркестром Воевода, одноактной оперы Иоланта и балета
Щелкунчик. И опера и балет были поставлены в 1891, но имели на премьере
столь скромный успех, что огорченный композитор даже прервал работу над
почти законченной Шестой симфонией ми бемоль мажор. Три части из этой
симфонии (по авторскому подзаголовку – симфония Жизнь) впоследствии были
превращены автором в Третий фортепианный концерт, оставшийся после
смерти композитора незавершенным: первая часть была издана учеником
Чайковского С.И.Танеевым как Третий концерт ми бемоль мажор, ор. 75, а
две других части Танеев отредактировал и опубликовал под названием
Анданте и Финал для фортепиано с оркестром, ор. 79 (фактически оба опуса
представляют собой одно произведение, и в последнее время именно так
исполняются некоторыми пианистами). В начале 1893 Чайковский начал
работу над «настоящей» Шестой симфонией си минор. Сочинение было
прервано поездкой в Англию, куда Чайковский отправился для получения
присужденной ему степени почетного доктора музыки в Кембриджском
университете. Симфония была закончена в августе, а исполнена впервые под
управлением автора в Петербурге 28 октября. Буквально накануне премьеры
композитор дал симфонии подзаголовок Патетическая. Через пять дней
Чайковский заболел холерой, которой, как считали, он заразился, выпив
стакан сырой воды. Умер Чайковский в Петербурге 25 октября (6 ноября)
1893.

НАСЛЕДИЕ ЧАЙКОВСКОГО
И в России и за ее рубежами Чайковского принято считать «величайшим»
русским композитором. Подобные определения всегда спорны. Наследие
Чайковского очень велико и неровно по качеству, и даже лучшие из его
произведений имеют особенности, не вызывающие симпатий у музыкантов.
Однако богатство лирической мелодики Чайковского, его мастерское
владение практически всеми музыкальными жанрами, его блестящая
композиторская техника (в особенности оркестровая), глубоко оригинальный
характер его творчества (которое, по мнению многих, отражает
захватывающую тайну личности композитора) – все это действительно делает
Чайковского выдающейся фигурой не только русской, но и мировой
музыкальной культуры.

Хотя он писал во всех жанрах (вплоть до церковных композиций),
главное в его творчестве – симфонические произведения, а также оперы и
балеты. Среди многочисленных романсов Чайковского шедевров не так уж
много, а остальное нуждается в переоценке. Его фортепианные пьесы редко
поднимаются выше уровня приличного салонного музицирования той эпохи. В
струнных квартетах встречаются прекрасные части, как, например,
знаменитое Andante cantabile из Первого квартета ре мажор, основанное на
мелодии народной песни, но многое в Фортепианном трио прозвучало бы
лучше в оркестре.

Оркестровые сочинения. Обращаясь к оркестру, Чайковский
становится совсем другим. Очевидно, оркестровые тембры особенно
возбуждали его фантазию. И дело не в том, что громкая и блестящая
звучность скрывает скудость тематического материала, а в том, что полные
чувства, широкие и гибкие мелодии, характерные для лучших творений
Чайковского – они появляются уже в раннем периоде: например, «темы
любви» из увертюры Ромео и Джульетта или из Бури (1873), первая тема
Первого фортепианного концерта, – нуждаются в теплой и насыщенной
инструментовке, которая в полной мере раскрывает их содержание. Фактура
музыки Чайковского чаще образуется не из тематической ткани или
изобретательной разработки тематизма, а из инструментальных фигураций на
более или менее простой основе: такова, например, ажурная партия флейты
в медленной части Первой симфонии. В некоторых проявлениях натуры
Чайковского, хотя бы в его преклонении перед современными ему
французскими композиторами – Ж.Бизе и Л.Делибом, ощущается, что он – на
четверть француз. Но все же на три четверти он – русский, и его
глубинная «русскость» особенно ярко заявляет о себе в ранних
произведениях: первых четырех симфониях, Буре, увертюре 1812 год,
серенаде для струнного оркестра, ор. 48 (1880), где повсюду в той или
иной мере используется фольклорный материал. В последующем оркестровом
творчестве Чайковского противоречивые элементы постепенно сливаются в
некое стилевое единство. Если раннее творчество Чайковского можно
охарактеризовать как «внешний романтизм», опирающийся либо на
литературные источники, либо на колоритные сюжеты, то музыка зрелого
периода (особенно созданная после пережитой им в 1877 году трагедии)
гораздо более личностна и в целом представляет собой музыкальную
автобиографию автора, с финалом-кульминацией в Шестой симфонии.

Произведения для театра. Французское начало натуры Чайковского
ярко сказалось в его балетах, а также в некоторых сценах его последней
оперы – Пиковой дамы. Но в остальном его оперы являются ярким выражением
русского духа – от раннего Воеводы, долгое время считавшегося
утраченным (большая часть тематизма этой оперы была использована автором
в других сочинениях), Опричника на сюжет из русской истории,
восхитительного Кузнеца Вакулы (впоследствии переделанного автором в
новую оперу на тот же сюжет – Черевички) до Мазепы и Чародейки. Даже в
Орлеанской деве (1878–1879, вторая редакция 1882) кое-что звучит
откровенно по-русски, противореча тем самым сюжету. Вообще, хотя в
операх Чайковского много прекрасной музыки, им свойствен общий
недостаток: этот композитор – по природе не драматург. Только в тех
случаях, когда Чайковский сочинял музыкальные характеристики героев,
которых сам любил (как в Евгении Онегине и Пиковой даме), когда он мог
отождествить себя с ними (например, с Жанной д'Арк, рассказывающей
королю о своих видниях), – его оперные персонажи оживали. Онегин потому и
стал такой популярной и любимой оперой, что в нем всего три основных
действующих лица и с каждым из них Чайковский мог отождествить себя: это
Онегин, его друг Ленский и Татьяна – «сцена письма» с ее участием
является центральной в опере. То же самое в Пиковой даме, где главный
герой – хотя и заблуждающийся, заслуживающий осуждения – мог тем не
менее вызвать в композиторе «теплое, живое чувство». Кроме того,
действие оперы, в отличие от повести Пушкина, происходит во второй
половине 18 в., что позволило ввести в нее стилизацию музыки рококо,
которой Чайковский всегда восхищался. (Такие стилизации имеются и в
некоторых его инструментальных произведениях, например, в виолончельных
вариациях на тему рококо и в сюите Моцартиана.) В принципе, и Онегин и
Пиковая дама – это камерные, лирические оперы, где душевная жизнь
главных героев раскрывается в тонких оттенках и любовно запечатлевается в
музыке.

Влияние Чайковского. Воздействие творчества Чайковского на
следующее поколение русских музыкантов было очень значительным.
С.В.Рахманинов, А.С.Аренский, А.К.Глазунов и С.И.Танеев могут быть
названы прямыми последователями Чайковского; его влияние нетрудно
заметить и в творчестве столь разных композиторов, как Н.Я.Мясковский и
И.Ф.Стравинский. В определенные десятилетия советского периода симфонизм
Чайковского официально трактовался как образец, которому должны
следовать современные композиторы. За пределами России Чайковский тоже
очень популярен, но влияние его гораздо слабее, за исключением сферы
оркестрового письма.

Биография
Бетховен Людвиг ван (Ludwig van Beethoven) (1770-1827)










  Людвиг ван Бетховен (Ludwig van Beethoven) (16.12.1770
года - 26.03.1827 года, Вена) - немецкий композитор, пианист и
дирижёр.Сын певчего и внук капельмейстера боннской придворной капеллы.
Бетховен приобщился к музыке в раннем возрасте. Музыкальными занятиями
первоначально руководил его отец. Подлинным учителем Бетховена стал К.
Г. Пефе, преподавший ему основы композиторского и исполнительского
мастерства.

В 11 лет Бетховен - помощник органиста в боннской капелле, с 13 -
придворный органист с одновременным исполнением обязанностей
пианиста-концертмейстера боннского придворного театра. Самостоятельно и с
помощью старших друзей Бетховен восполнил пробелы своего образования и к
18 годам оказалсяподготовленным к поступлению на философский факультет
Боннского университета. В 1787 году во время пребывания в Вене, он
посетил Моцарта и привёл его в восхищение своим искусством. После
окончательного переезда в Вену Бетховен совершенствовался как композитор
у И. Гайдна. Концертные выступления молодого Бетховена в Вене, Праге,
Берлине, Дрездене и Буде проходили с огромным успехом. Бетховен
завоёвывает широкое признание как исполнитель и композитор. К началу
XVII в. он был автором многих произведений, преимущественно для
фортепиано (в т. ч. трёх концертов для фортепиано с оркестром) и
различных камерно-инструментальных составов. Среди них были соната для
фортепиано ор. 13 ("Патетическая") и др. В 1800 году им написана 1-я
симфония.

Прогрессирующая глухота (первые признаки которой проявляются с 1797)
заставила Бетховена со временем сократить концертную деятельность, а в
последние годы жизни совсем отказаться от выступлений. В период 1802-12
Бетховен написал семь симфоний (2-я -8-я), ряд увертюр, 4-й и 5-й
концерты для фортепиано с оркестром, концерт для скрипки с оркестром. В
тоже время он создал оперу "Фиделио", музыку к драме "Эгмонт" Гёте и
выдающиеся образцы камерной инструментальной музыки: сонаты для
фортепиано op.53 ("Аврора") и op.57 ("Aппассионата"), сонату для скрипки
и фортепиано ор. 47 ("Крейцерова"), квартеты ор. 50 (посв. А. К.
Разумовскому), ор. 95 и другие. В последний период жизни Бетховенсоздал
свои лучшие произведения, такие как 9-я симфония и Торжественная месса,
которая является одним из величайших созданий композитора.

Биография
Моцарт родился 27 января 1756 года в Зальцбурге, бывшем тогда столицей Зальцбургского архиепископства, теперь этот город находится на территории Австрии. На второй день после рождения он был крещён в соборе святого Руперта. Запись в книге крещений даёт его имя на латыни как Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus (Gottlieb) Mozart.
В этих именах первые два слова — имя святого Иоанна Златоуста, не
использующееся в повседневной жизни, а четвёртое при жизни Моцарта
варьировалось: лат. Amadeus, нем. Gottlieb, итал. Amadeo, что значит «возлюбленный Богом». Сам Моцарт предпочитал, чтобы его называли Вольфганг.


Леопольд Моцарт




Музыкальные способности Моцарта проявились в очень раннем возрасте, когда ему было около трёх лет. Его отец Леопольд был одним из ведущих европейских музыкальных педагогов. Его книга «Опыт основательной скрипичной школы» (нем. Versuch einer gründlichen Violinschule) была опубликована в 1756 году —
в год рождения Моцарта, выдержала много изданий и была переведена на
множество языков, в том числе и на русский. Отец обучил Вольфганга
основам игры на клавесине, скрипке и органе.

В Лондоне малолетний Моцарт был предметом научных исследований, а в
Голландии, где во время постов строго изгонялась музыка, для Моцарта
было сделано исключение, так как в его необычайном даровании духовенство
усматривало перст Божий.


В 1762 году отец Моцарта предпринял с сыном и дочерью Анной, также замечательной исполнительницей на клавесине, артистическое путешествие в Мюнхен и Вену, а затем и во многие другие города Германии: Париж, Лондон, Голландию, Швейцарию.
Всюду Моцарт возбуждал удивление и восторг, выходя победителем из
труднейших испытаний, которые ему предлагались людьми как сведущими в
музыке, так и дилетантами. В 1763 году изданы в Париже первые сонаты Моцарта для клавесина и скрипки. С 1766 по 1769 годы, живя в Зальцбурге и Вене, Моцарт изучал творчество Генделя, Страделла, Кариссими, Дуранте и других великих мастеров. По повелению императора Иосифа II Моцарт написал за несколько недель оперу «Мнимая простушка» (итал. La Finta semplice),
но члены итальянской труппы, в руки которых попало это произведение
12-летнего композитора, не пожелали исполнять музыку мальчика, и их
интриги были столь сильны, что его отец не решился настаивать на
исполнении оперы.

1770—1774 годы Моцарт провёл в Италии. В 1771 году в Милане, опять же при противодействии театральных импресарио, всё же была поставлена опера Моцарта «Митридат, царь Понтийский» (итал. Mitridate, Re di Ponto), которая была принята публикой с большим энтузиазмом. С таким же успехом была дана и вторая его опера, «Lucio Sulla» (Луций Сулла) (1772 год). Для Зальцбурга Моцарт написал «Сон Сципиона» (итал. Il sogno di Scipione), по поводу избрания нового архиепископа, 1772 год, для Мюнхена — оперу «La bella finta Giardiniera», 2 мессы, офферторий (1774 год).
Когда ему минуло 17 лет, среди его произведений насчитывались уже
4 оперы, несколько духовных стихотворений, 13 симфоний, 24 сонаты, не
говоря о массе более мелких композиций.

В 1775—1780 годах, несмотря на заботы о материальном обеспечении, бесплодную поездку в Мюнхен, Мангейм и Париж, потерю матери,
Моцарт написал, среди прочего, 6 клавирных сонат, концерт для флейты и
арфы, большую симфонию №  31 D-dur, прозванную Парижской, несколько
духовных хоров, 12 балетных номеров.

В 1779 году Моцарт получил место придворного органиста в Зальцбурге (сотрудничал с Михаэлем Гайдном). 26 января 1781 года в Мюнхене с огромным успехом была поставлена опера «Идоменей». С «Идоменея» начинается реформа лирико-драматического искусства. В этой опере видны ещё следы староитальянской opera seria
(большое число колоратурных арий, партия Идаманта, написанная для
кастрата), но в речитативах и в особенности в хорах ощущается новое
веяние. Большой шаг вперёд замечается и в инструментовке. Во время
пребывания в Мюнхене Моцарт написал для мюнхенской капеллы офферторий «Misericordias Domini» — один из лучших образцов церковной музыки конца XVIII века. С каждой новой оперой творческая сила и новизна приёмов Моцарта проявлялись всё ярче и ярче. Опера «Похищение из сераля» (нем. Die Entführung aus dem Serail), написанная по поручению императора Иосифа II в 1782 году,
была принята с энтузиазмом и вскоре получила большое распространение в
Германии, где её стали считать первой национальной немецкой оперой. Она
была написана во время романтических отношений Моцарта с Констанцей
Вебер, которая впоследствии стала его женой.

Несмотря на успех Моцарта, его материальное положение было не
блестящим. Оставив место органиста в Зальцбурге и пользуясь скудными
щедротами венского двора, Моцарт для обеспечения своей семьи должен был
давать уроки, сочинять контрдансы, вальсы и даже пьесы для стенных часов
с музыкой, играть на вечерах венской аристократии (отсюда его
многочисленные концерты для фортепиано). Оперы «L’oca del Cairo» (1783 год) и «Lo sposo deluso» (1784 год) остались неоконченными.

В 1783—1785 годах созданы 6 знаменитых струнных квартетов, которые Моцарт посвятил Йозефу Гайдну, мастеру этого жанра, и которые тот принял с величайшим почтением. К этому же времени относится его оратория «Davide penitente» (Кающийся Давид).

С 1786 года
начинается необычайно плодовитая и неустанная деятельность Моцарта,
которая была главной причиной расстройства его здоровья. Примером
невероятной быстроты сочинения может служить опера «Женитьба Фигаро»,
написанная в 1786 году в 6 недель и, тем не менее, поражающая
мастерством формы, совершенством музыкальной характеристики,
неиссякаемым вдохновением. В Вене «Женитьба Фигаро» прошла почти
незамеченной, но в Праге она вызвала необычайный восторг. Не успел соавтор Моцарта Лоренцо да Понте
закончить либретто «Женитьбы Фигаро», как ему пришлось по требованию
композитора спешить с либретто «Дон-Жуана», которого Моцарт писал для
Праги. Это великое произведение, не имеющее аналогов в музыкальном
искусстве, увидело свет в 1787 году в Праге и имело ещё больший успех, чем «Женитьба Фигаро».

Гораздо меньший успех выпал на долю этой оперы в Вене, вообще
относившейся к Моцарту холоднее, чем другие центры музыкальной культуры.
Звание придворного композитора с содержанием в 800 флоринов (1787 год), было весьма скромной наградой за все труды Моцарта. Тем не менее, он был привязан к Вене, и когда в 1789 году, посетив Берлин, он получил приглашение стать во главе придворной капеллы Фридриха-Вильгельма II с содержанием в 3 тысячи талеров, то всё же не решился оставить Вену.

Однако множество исследователей жизни Моцарта утверждают, что ему не было предложено место при прусском дворе. Фридрих Вильгельм II
лишь сделал заказ на шесть простых фортепьянных сонат для своей дочери и
шесть струнных квартетов для него самого. Моцарт не хотел признавать,
что поездка в Пруссию провалилась, и сделал вид, будто Фридрих Вильгельм II пригласил его на службу, но из уважения к Иосифу II
он от места отказался. Заказ, полученный в Пруссии, придавал его словам
видимость правды. Денег, вырученных во время поездки, было мало. Их
едва хватило на уплату долга в 100 гульденов, которые были взяты у брата масона Гофмеделя на дорожные расходы.[2][3]

После «Дон-Жуана» Моцарт сочиняет 3 наиболее известные симфонии: № 39
ми-бемоль мажор (KV 543), № 40 соль минор (KV 550) и № 41 до мажор
«Юпитер» (KV 551), написанные в течение полутора месяцев в 1788 году; из них в особенности знамениты две последние. В 1789 году Моцарт посвятил прусскому королю струнный квартет с партией концертирующей виолончели (ре мажор).


После смерти императора Иосифа II (1790 год)
материальное положение Моцарта оказалось настолько безвыходным, что он
должен был уехать из Вены от преследований кредиторов и артистическим
путешествием хоть немного поправить свои дела. Последними операми
Моцарта были «Così fan tutte» (1790 год), «Милосердие Тита» (1791 год),
заключающая в себе чудные страницы, несмотря на то, что была написана в
18 дней для коронации императора Леопольда II, и наконец, «Волшебная флейта»
(1791 год), имевшая колоссальный успех, чрезвычайно быстро
распространившийся. Эта опера, в старых изданиях скромно названная
опереттой, вместе с «Похищением из Сераля» послужила основанием
самостоятельного развития национальной немецкой оперы. В обширной и
разнообразной деятельности Моцарта опера занимает самое видное место. В
мае 1791 года Моцарт поступил на неоплачиваемую должность ассистента капельмейстера Кафедрального собора Святого Стефана, рассчитывая занять место капельмейстера после смерти тяжелобольного Леопольда Хофмана; Хофман, однако, его пережил.

Мистик по натуре, Моцарт много работал для церкви, но великих образцов в этой области он оставил немного: кроме «Misericordias Domini» — «Ave verum corpus» (KV 618), (1791 год) и величественно-горестный Реквием (KV 626),
над которым Моцарт неустанно, с особенной любовью, работал в последние
дни жизни. Интересна история написания «Реквиема». Незадолго до смерти
Моцарта посетил некий таинственный незнакомец во всем черном и заказал
ему «Реквием»
(траурную заупокойную мессу). Как установили биографы композитора, это
был граф Франц фон Вальзегг-Штуппах, решивший выдать купленное сочинение
за собственное. Моцарт погрузился в работу, но недобрые предчувствия не
покинули его. Таинственный незнакомец в чёрной маске, «чёрный человек»
неотступно стоит перед его глазами. Композитору начинает казаться, что
эту заупокойную мессу он пишет для себя… Работу над незавершённым
«Реквиемом», по сегодняшний день потрясающим слушателей скорбным
лиризмом и трагической выразительностью, закончил его ученик Франц Ксавер Зюсмайер, ранее принимавший некоторое участие в сочинении оперы «Милосердие Тита».






Вена. Кенотаф Моцарта.





Умер Моцарт 5 декабря в 00-55 часов ночи 1791 года от неустановленной болезни. Тело его нашли вздутым, мягким и эластичным, как это бывает при отравлениях.
Этот факт, а также некоторые другие обстоятельства, связанные с
последними днями жизни великого композитора, дали основание некоторым
биографам отстаивать именно эту версию причины его смерти. В настоящее
время большинство исследователей считает её несостоятельной. Похоронен
Моцарт был в Вене, на кладбище Святого Марка
в общей могиле, так что само место захоронения осталось неизвестным. В
память о композиторе на девятый день после его смерти в Праге при
огромном стечении народа 120 музыкантами исполнялся «Реквием» Антонио Розетти.

Творчество
Отличительной чертой творчества Моцарта является удивительное
сочетание строгих, ясных форм с глубокой эмоциональностью. Уникальность
его творчества состоит в том, что он не только писал во всех
существовавших в его эпоху формах и жанрах, но и в каждом из них оставил
произведения непреходящего значения. Музыка Моцарта обнаруживает
множество связей с разными национальными культурами (особенно
итальянской), тем не менее она принадлежит национальной венской почве и
носит печать творческой индивидуальности великого композитора.

Моцарт — один из величайших мелодистов. Его мелодика сочетает черты
австрийской и немецкой народной песенности с певучестью итальянской
кантилены. Несмотря на то, что его произведения отличаются поэтичностью и
тонким изяществом, в них часто встречаются мелодии мужественного
характера, с большим драматическим пафосом и контрастными элементами[4].

Особое значение Моцарт придавал опере. Его оперы — целая эпоха в развитии этого вида музыкального искусства. Наряду с Глюком,
он был величайшим реформатором жанра оперы, но в отличие от него,
основой оперы считал музыку. Моцарт создал совершенно иной тип
музыкальной драматургии, где оперная музыка находится в полном единстве с
развитием сценического действия. Как следствие — в его операх нет
однозначно положительных и отрицательных персонажей, характеры живые и
многогранные, показаны взаимоотношения людей, их чувства и стремления.
Наиболее популярными стали оперы «Свадьба Фигаро», «Дон Жуан» и «Волшебная флейта».

Большое внимание Моцарт уделял симфонической музыке. Благодаря тому,
что на протяжении своей жизни он работал параллельно над операми и
симфониями, его инструментальная музыка отличается певучестью оперной
арии и драматической конфликтностью. Наиболее популярными стали три
последние симфонии — № 39, № 40 и № 41 («Юпитер»). Также Моцарт стал
одним из создателей жанра классического концерта[4].

Камерно-инструментальное творчество Моцарта представлено
разнообразными ансамблями (от дуэтов до квинтетов) и произведениями для фортепиано (сонаты, вариации, фантазии). Моцарт отказался от клавесина и клавикорда,
обладающих по сравнению с фортепиано более слабым звуком. Фортепианная
манера Моцарта отличается элегантностью, отчётливостью, тщательной
отделкой мелодии и аккомпанемента.

Композитором создано множество духовных произведений: мессы, кантаты, оратории, а также знаменитый Реквием.

Тематический каталог сочинений Моцарта, с примечаниями, составленный Кёхелем («Chronologisch-thematisches Verzeichniss sämmtlicher Tonwerke W. A. Mozart´s», Лейпциг, 1862),
представляет том в 550 страниц. По исчислению Кехеля, Моцарт написал 68
духовных произведений (мессы, оффертории, гимны и пр.), 23 произведения
для театра, 22 сонаты для клавесина, 45 сонат и вариаций для скрипки и
клавесина, 32 струнных квартета, около 50 симфоний, 55 концертов и пр., в
общей сложности 626 произведений.

Педагогическая деятельность
Моцарт также вошёл в историю как музыкальный педагог. Cреди его учеников был, в частности, английский музыкант Томас Аттвуд, который, по возвращении из Австрии в столицу Британской империи город Лондон, сразу занял должности придворного капельмейстера, органиста в Соборе Святого Павла, музыкального наставника герцогини Йоркской, и потом принцессы Уэльской.

О Моцарте

Пожалуй, в музыке нет имени, перед которым человечество так
благосклонно склонялось, так радовалось и умилялось. Моцарт — символ
самой музыки.

— Борис Асафьев

Невероятная гениальность возвысила его над всеми мастерами всех искусств и всех столетий.

— Рихард Вагнер

У Моцарта надрыва нет, потому что он выше надрыва.

— Иосиф Бродский

Его музыка безусловно не просто развлечение, в ней звучит вся трагедия человеческого бытия.[5]

— Бенеди

Нельзя:
  • писать не по теме сообщества;
  •
публиковать большие по объему тексты и большие (или много) картинки без
использования в простом режиме редактирования записи тега cut: [ читать дальше → ];
  • использовать нестандартный крупный или чрезмерно яркий шрифт.
  • рекламировать товари и услуги как частными, так и юридическими лицами.
  • писать несколько однотипных постов со ссылками вне сообщества;
  • рекламировать порнографические произведения;
  •
недопустимо использовать натурализм в описании физиологических
процессов, кроме случаев, когда это оправдано (тогда в начале поста
следует ставить предупреждение, а пост убирать под [ читать дальше → ]