Откройте свой Мир!

Кастинг
http://vkontakte.ru/club268...

Приглашаю принять участие в моём опросе "Что для Вас ТВОРЧЕСТВО?" Пригласите своих друзей поучаствовать в этом опросе. http://blogs.mail.ru/mail/k...

Свершилось! Действительно, только этого сюжета и не хватало французским мюзиклам для полного нашего счастья.

«Тысяча чертей! Каналья!»,- воскликнул бы Михаил Боярский. Но мы можем быть спокойны. Сравнивать наш культовый мюзикл и новую французскую постановку бессмысленно – это совершенно разные вещи.

Премьера намечена на ноябрь 2010 года в Парижском Дворце Конгрессов, а сейчас полным ходом идут кастинги, в которых можете принять участие и Вы! Но все по порядку.

Серж Тепирман и МС Продюксьон (Serge Tapierman, MC Productions) запускают этот театральный проект.

Музыку к спектаклю написали Кристоф Беше и Эммануэль Муар (исполнитель роли Луи XIV в мюзикле «Король-Солнце»). Они работали вместе над первым альбомом Эммануэля.

Слова к песням написали Мари Жо Зар (автор песен для Тины Арены, Наташи Сан-Пьер, Тьерри Амиль) и Ян Гийон (автор некоторых песен Эммануэля Муара).

Режиссер и хореограф спектакля в одном лице – Жанна Дешо. За ее плечами постановки мюзиклов «Бриолин», «Нонсенс» и «Скрипач на Крыше».

Синопсис.

Париж. 1625 год. Первый год Грации. Нищета царит над народом Франции.

Между тем, король Франции Луи XIII, утопая в роскоши, организовывает бал в честь Анны Австрийской, королевы Франции.
Он не ведает о заговоре за его спиной, который затевает кардинал Ришелье. Власть кардинала превосходит королевскую власть. Он желает уничтожить команду мушкетеров, ответственных за защиту короля.
Среди наиболее смелых как и нетрудно догадаться –Атос, Портос, Арамис и Д’Артаньян. Они, рискуя своей жизнью, готовы защищать честь короля и королевы.

И у этих смелых бойцов есть единственный боевой клич….

ОДИН ЗА ВСЕХ И ВСЕ ЗА ОДНОГО!

Роли, на которые вы можете претендовать.

Д’Артаньян. Храбрый гордый молодой человек.
Атос. Он скрывает тяжелую тайну, всегда готов помочь Д’Артаньяну.
Портос. Самый жизнерадостный член команды. Любит жизнь и хорошую еду.
Арамис. Вечно разрывается между любовью к женщинам и верой.
Ришелье. Интриган. Разрывается между пороком и добродетелью.
Анна Австрийская. Жертва политических интриг. Ей предстоит нелегкий выбор между любовью к Франции и своими личными чувствами. Она внушает отвагу и жажду к подвигам.
Миледи. Роковая женщина. Бывшая супруга Атоса.

А также Констанция (интриганка Буанасье), герцог Бекингем, Рошфор.

Ваши действия.

После того как вы мечтательно, в финале поклонились четырхтысячному залу Парижского Дворца Конгрессов, крикнули «спасибо frenchmusicals.ru” и счастливый (ая) отправились на банкет по случаю премьеры – хлопните себя по щекам. Вы еще дома, в России. Для того, чтобы эта мечта стала реальностью вам необходимо:

1. Написать свое резюме на французском (в крайнем случае на английском)
2. Приложить к нему две фото.
3. Найти/записать свою «демку» в mp3
4. Отправить все это по адресу: musical3m@gmail.com

Если ваше резюме и записи понравятся – вам ответят и пригласят на дальнейший кастинг. Не тяните! Прием заявок началось еще в марте!

И помните, герцог Бекингем уже в Париже!

Взято с www.frenchmusicals.ru

Представляю вашему вниманию песню, не вошедшую в фильм, но написанную специально для него... Почему в окончательном варианте эту композицию мы так и не услышали - загадка, как и то. где именно она звучит. Название No One Would Listen.
P.S. пишите в комменты, где по вашему мнению ента песенка должна быть)

Около двух лет назад известный канадский певец и актер, исполнитель роли Гренгуара в мюзикле «Собор Парижской Богоматери» Брюно Пеллетье пришел в известную канадскую продюсерскую фирму с предложением поставить мюзикл по книге Брэма Стокера «Дракула».

Компания согласилась при одном условии: Брюно Пеллетье будет играть роль Дракулы. Так все и началось. Композитор Симон Леклерк приступил к написанию музыки, Ричард Озунян - либретто, а Роже Табра - слов. Непростая это была задача: кроме книги уже существовал фильм «Дракула» режиссера Фрэнсиса Форда Копполы со звездным составом артистов: Гэри Олдман, Вайнона Райдер, Киану Ривз, Энтони Хопкинс, а во Франции шел одноименный мюзикл.
Но работа была завершена и 31 января сего года в Монреале состоялась премьера нового мюзикла «Дракула. Между любовью и смертью».
Театр Сен-Дени расположен на улице Сен-Дени – типичной для этого города улице, где старинные невысокие дома прошлого века соседствуют со зданиями офисов, решенными в стиле модерн. Мелкими наборными буквами, как в кинотеатрах, наряду с другими названиями представлений, которые идут в других залах, написано DRACULA. Никаких афиш, как и никакой наружной рекламы в городе. Первые афиши повесили на дверях театра за полчаса до спектакля, когда уже начали собираться зрители. Тем не менее, зрительный зал, вмещающий около двух тысяч человек, заполнен полностью.На сцене – большой экран, на котором то ли размытое кровавое пятно, то ли стилизованный огонь. Атмосфера ожидания.
  
В 20.05 спектакль начался. На сцене появилась кукла-рассказчик Гранд-Луи, первые слова которой были: «Любовь и смерть». Именно, на русском языке! Представьте себе! Потом на сцене появился Дракула – Брюно Пеллетье со словами «Любовь моя, любовь моя» тоже на русском! В первой сцене – венчание Дракулы и Мины – звучит песня на украинском языке (народная украинская песня, которая часто поется на свадьбах – «Куст терновника»). После спектакля я спросила Брюно, зачем вставили русские слова и песню на украинском. Оказалось, что режиссер-постановщик спектакля, выходец с Украины Григорий Гладий, решил не использовать в постановке румынский язык, а взять более знакомый ему украинский, как некий условный язык народов Восточной Европы. Он и научил артистов произносить русские и украинские слова.
 
- Я знал, что ты обязательно об этом спросишь. Мы это сделали специально. Хотели придать «восточный колорит», показать, что действие происходит где-то в восточной Европе. Мы хотели создать впечатление, что находимся в Валакии.
Брюно очень этой находкой гордится. Хотя музыкальным критикам и представителям прессы она показалась несколько сомнительной.
 
Весь мюзикл – это около двух часов прекрасной музыки. Очень много запоминающихся мелодий, которые сразу начинаешь напевать, как будто знал их давно. Потрясающая ария Дракулы « Между любовью и смертью», энергичный квинтет «Ce que je vois» («Все что я вижу»).
 
Мюзикл «Дракула» - это 12 человек на сцене, из них 9 – поющие, один рассказчик, двое «живых» музыкантов (гитарист и клавишник). Никого больше. Нет «подтанцовки». Как практически нет группового танца, но потрясающая пластика движений! Какое танго исполняют Дракула с Миной под арию Мины «Mysterieux personage» (« Таинственный персонаж»)! Просто восторг! Видимо, сказать «танцуют» можно только про трех вампиресс. Хотя пресса почему-то их раскритиковала, мол, совсем не сексуальны. Но ведь надо же к чему-то придраться.
Конечно, Брюно – фантастически хорош в созданном им образе Дракулы. Нет, это не трафарет сего известного героя. Это совершенно новое прочтение роли. Спрашиваю: трудно было создавать такой отличный от поэта-романтика Гренгуара образ?
- Трудно. Чтобы играть Дракулу надо все самое плохое из себя вытащить на сцену, для зрителя. И еще что-то – несвойственное тебе, отрицательное добавить. А это очень нелегко.
Наверное, «плохого» в Брюно Пеллетье не так уж и много, потому что в целом Дракула в его трактовке не воспринимается как злодей. Зритель видит на сцене не «ужасного» Влада Цепеша, а гениального исполнителя Дракулы – артиста и певца. На мой взгляд, по сложности образ Дракулы ничуть не уступает созданному им образу Гренгуара, а в каком-то смысле даже его превосходит. Непростая задача стояла перед Пеллетье при постановке мюзикла «Собор Парижской Богоматери» потому, что в книге Виктора Гюго именно поэт Гренгуар практически не описан и Брюно пришлось самому «додумывать» своего героя, исходя из задач мюзикла, его либретто. В «Дракуле» - все наоборот. В книге Брэма Стокера образ Влада Цепеша выписан необыкновенно тщательно. Именно такой герой предстает перед нами и в фильме «Дракула». Этот же образ взят в основу и французского мюзикла, а здесь – совсем другой герой. То ли потому, что постановщики не хотели повторяться, то ли потому, что Брюно «придумал» такой образ, но либретто имеет мало общего и с книгой. И с фильмом. Наверное, только имена героев, основная тема (укушенный вампиром, сам становится вампиром), и главная линия романа - любовная линия Дракулы и Мины - и остались. Я, конечно, поинтересовалась почему так вольно либреттист обошелся с первоисточником.
  
- Мы не хотели повторяться. Либретто сделано по мотивам книги, вдохновившись темой мы не хотели воспроизводить историю, рассказанную Стокером. Мы создали несколько другую версию.
- Но неподготовленному зрителю, который не читал книги, не смотрел фильма вообще сложно понять, что происходит на сцене!
- Вот для этого мы и ввели рассказчика. Он не только переводит то, что мы поем и говорим не на французском языке, но и рассказывает, что происходит на сцене.
Успех этого мюзикла во многом определен его исполнителями, вернее их подбором. Газета «Arts Spectacles» на следующий день писала: «Пришла пора Дракулы! Через полтора года после анонса о создании нового мюзикла и через 5 месяцев после выпуска альбома «Dracula. Entre l’amour et la mort» мы видим мюзикл в зале театра Сен-Дени… Конечно, поют очень хорошие голоса - Даниель Буше, Андрее Уоттерс, Сильвиан Коссетт, Брюно Пеллетье, Габриель Детруамэзон, Пьер Флинн. Несмотря на такое разнообразие состава, Франкенштейна не получилось, наоборот даже!».
На роль Мины была приглашена молодая и пока малоизвестная канадской публике певица Андрее Уоттерс. Несмотря на то, что образ Мины в ее исполнении также сильно отличается от книжного, можно с уверенностью сказать, что эта работа ей удалась. Два главных героя – Мина и Дракула очень гармонично сочетаются. Остальные герои уже «выстраиваются» под них.
Отдельно хочу остановиться на декорациях и костюмах. В общем, на сцене постоянно одна статичная декорация – дорога-мост, над которой на большом экране появляются изображения сводчатых залов замка графа Дракулы, или купола церкви, или нейтральные виды природы (круги по воде, капли дождя, летящие облака и т.п.), которые призваны усиливать впечатление от происходящего, в какие-то моменты – просто крупные планы лица героев. Временами через эти картинки проглядывают глаза Дракулы, который наблюдает за происходящим. С потолка спускаются большие полые сферы неправильной формы, которые подсвечиваются то красным, то белым. Многие зрители решили, что это капли крови или дождя. Такое же мнение высказали и критики. Но на самом деле это были яйца, из которых рождаются летучие мыши – будущие вампиры (идея явно позаимствована из фильма «Ван Хельсинг»). Так, в начале спектакля из такого яйца и появился на свет Дракула – Брюно. На авансцене – кровать-гроб-окно - некий плоскостной трансформер. За ним – два экрана, на которые проецируются то изображения Мины и Дракулы, то изображение горящего огня. Никаких других декораций нет. 
  
Словом, мюзикл не производит впечатление «высокобюджетного», но от этого он ничуть не становится хуже. Сценография, свет, компьютерная графика – все очень логично и грамотно обеспечивает то впечатление, которого постановщики хотели добиться – захватывающая история сегодняшнего дня. Именно поэтому герои одеты в современные кожаные одежды и даже профессии Ренфилда и Харкера изменены на современные: из агентов по продажи недвижимости они становятся соответственно фотографом-камероманом и журналистом. Кстати, когда по ходу действия Ренфильд фотографирует Дракулу камерой со вспышкой, а Дракула его предупреждает, чтобы он этого не делал, только здесь, как мне показалось, Брюно вполне искренне разделял эмоции своего героя: прикончил его с удовольствием и без сожаления. Похоже, недолюбливает «папарацци»…
В своем интервью Брюно рассказал, что, переодевая героев в современные одежды, они хотели провести две временные линии в спектакле. Первая – конец средних веков, когда и происходит история по замыслу Стокера, а вторая – наше время, может даже будущее. Наверное, «бессмертность» этой истории по мнению авторов мюзикла, приближает ее к шекспировской драме. 
 
Мюзикл заканчивается тем, что Мина все-таки выбирает Харкера и убегает с ним. Дракула остается один. Что с ним происходит дальше, умирает он от неразделенной любви и одиночества или нет – неясно. Пусть каждый как хочет «додумывает» конец. Мюзикл заканчивается арией Дракулы «Царствуй» («Regne»). На последней ноте голос его срывается. Больше звуков со сцены мы не слышим. Дальше – только аплодисменты благодарных зрителей.
Хочется надеяться, что (как планируют создатели мюзикла) будет сделана и английская версия, с которой артистам предстоит гастрольный тур за пределами Канады. Может, и в России мы когда-нибудь сможем встретиться с Владом Цепешем в исполнении «Золотого голоса Квебека» - Брюно Пеллетье. 

 
Что отличает этот мюзикл от других и что роднит? Думаю, что главная общая черта – профессиональное пение. Как и во всех западных мюзиклах. Все занятые в спектакле артисты – профессиональные певцы, а не драматические артисты «вдруг запевшие». Исполнители, теме не менее, стараются как можно эмоциональнее «подать» своего героя, сделать образ максимально ярким и многосторонним. Думаю, что «Дракула» по этим параметрам сможет занять достойное место в ряду таких шедевров этого жанра как «Призрак оперы», «Собор Парижской Богоматери», «Отверженные» и некоторые другие. Возможно, еще и потому, что в основе либретто, как и перечисленных выше мюзиклов, лежит качественный литературный материал. Есть драма, которая, в соответствии с законами сцены, зарождается, развивается и разрешается в конце. Это захватывает зрителя всегда больше, чем мюзиклы, в основе которых лежат некие придуманные истории о чем-то, пусть даже очень актуальном и захватывающе. 
Говоря об отличиях, наверное, можно сказать что есть два абсолютных новшества: это кукла-рассказчик, не поющая, а говорящая. И «живые» музыканты – гитарист и клавишник, которые присутствуют на сцене в некоторых номерах и являются действующими лицами. Такого ни в одном мюзикле пока не было. В новой манере решены и декорации. Пока только в новом мюзикле Э.Л.Вебера «Женщина в белом» какая-то часть декораций замещена статичным фоторядом, например, изображение вокзала, на фоне которого происходит действие. В более ранних мюзиклах всегда были яркие и запоминающиеся декорации. А если использовались фото- или видео материалы, то они, как правило, служили цели приближения изображения для зрителя (например, сцена распятия Иисуса Христа в мюзикле «Иисус Христос Суперзвезда»). В «Дракуле» на сцене вообще нет предметов (стулья, кровати, личные вещи и т.п.), а проецируемые изображения можно разделить на четыре типа: статичные, например, фотография фасада, объемные – трехмерное изображение купола храма или арочная галерея замка, видеоряд с движущимися объектами и компьютерная графика в виде изменяющихся изображений. Так, запоминающимся штрихом становится следующая сцена: в двух висящих рамах – компьютерные изображения Дракулы и Мины. Когда Харкер приходит и смотрит на портрет Мины, он начинает расплываться, размываться, как будто на краску налили растворитель. Вообще в этом мюзикле декорации выполняют роль катализатора эмоций, а не обеспечения действия. 
Думаю, что к отличительным особенностям можно отнести не только отсутствие массовых танцев, но и хора. В мюзикле есть только один номер, который исполняется пятью героями - Ce que je vois. 
Спецэффекты присутствуют в небольшом количестве и абсолютно ненавязчивы. Акробатические номера – «летание» над сценой на полотнах – тоже присутствуют как элемент действия – перемещения в пространстве. 
Отдельно хотелось бы остановиться на музыке. Она - прекрасна. Конечно музыка выигрывает при прослушивании полной версии мюзикла, чем аудиодиска с 14 ариями. По своему построению она сохраняет классические рамки: есть тема Дракулы, тема Мины, т.е. каждый выход героев сопровождает «их» музыка. Когда мы слышим ее, то понимаем, что сейчас появится тот или иной герой. Соответственно, есть сквозные темы, которые объединяют, пронизывая, весь мюзикл. Музыка очень органична происходящему действию, движениям, танцу. Она мелодична и певуча. Очень интересно, что в ней представлены разные стили: иногда это лирические баллады, иногда – роковые арии. Надо сказать, что это чередование любовной лирики, рока, танго и чего-то отдаленно напоминающего джаз придают движение и яркость всему действию. Стиль музыки по-своему подчеркивает и характер героев. 
Аранжировки сделаны очень профессионально, без «лишних» инструментов. 
Я уверена, что арии из этого мюзикла завоюют сердца людей и их будут и слушать, и петь. 

P.S.фотки в альбоме

Господа фаны мюзиклов, вы наверняка знакомы со Стивом Бартоном, самым потрясающим мюзикловым актером и обладателем невероятного, завораживающего голоса.Теперь вы можете скачать мюзиклы с ним и его песни на одной страничке:
http://stevebarton.narod.ru/

Ну что, раз уж пошла такая тема с обоями, решила и я сказать свое веское слово))))
  ООО... обойки из клипа))) Это так, для любителей Сесилии Кары

Приветствую все сообщество))) Хочу рассказать вам о новом мюзикле, который я для себя открыла)). Он называется "Дон Жуан", производства, разумеется, французского)))) Композитором и автором либретто является Феликс Грей. Ну а теперь, собственно, о самом мюзикле))). Могу охарактеризовать его только одним словом: потрясающий!! Весь спектаклю пропитан испанской страстью, потрясающие танцевальные номера в стиле фламенко, и вокальные данные солистов впечатляют))) НО! необходимо отметить, что этот мюзикл, как и многие другие, "на любителя", кому-то нравятся, кому-то нет. Но я просто в восторге))

Приветствую всех членов этого замечательного сообщества. Я, как и все вы обожаю мюзиклы) И (сама не знаю, почему на меня нашел такой приступ благотворительности и помощи) хочу сделать предложение: кому нужны МР3 композиции из всевозможных мюзиклов - могу кинуть))) кто заинтересовался, или испытывает острую потребность в какй-нибудь песне - пишите мне, буду рада помочь)

 

 

 

 

ИСТВИКСКИЕ ВЕДЬМЫ





Музыкальная комедия по роману Джона Апдайка и кинофильму телекомпании "Warner bros."



Пьеса и либретто - Джон Демпси

Музыка - Дана П. Роу

Оркестровка - Уильям Дэвид Брон

Перевод: диалоги - Павел Санаев, литературная обработка - Александр Бачило, стихи - Алексей Кортнев



Режиссер-постановщик, хореограф - Януш Юзефович

Музыкальный руководитель постановки - Януш Стоклоса

Музыкальный руководитель, дирижер - Армен Погосян

Художники-сценографы - Анжей Ворон, Марек Хованец

Художник по костюмам - Ярослава Рафикова





Ансамбль, балет, живой оркестр, суперзвук, суперсвет и много других неожиданностей!

Подлинная лондонская постановка Кэмерона Макинтоша




Мюзикл Иствикские ведьмы особенно хорошо смотреть весной. Летом, осенью и зимой, наверное, тоже неплохо, но весна это особый случай. Во-первых, авитаминоз. Организм ослаблен. А Иствикские ведьмы это комедия. Связь самая прямая: в журналах пишут, что когда человек смеется, выделяются разные полезные вещества, которые помогают бороться с простудами, меланхолией, гастритом и маразмом.


Во-вторых, хочется любви. Любви в Иствикских ведьмах много, причем без меланхолии. Аксиому Любовь никогда не бывает без грусти здесь, в общем-то, признают, но грусть получается гротескная. В зале она вызывает радостный смех, который тоже лечит. Любовь, поданная под таким соусом, будоражит и бодрит, и уже в первом акте у зрителей начинают румяниться щеки и блестеть глаза. Одна дама лет 50-ти рассказывала: Уговаривала мужа пойти, уговаривала, еле согласился. А потом ему так понравилось он всю обратную дорогу меня целовал!


И действительно, на сцене кипят страсти. Молодые люди в кожаных шортах танцуют стриптиз во главе с Ван Хорном, которого по очереди исполняют Дмитрий Певцов и Алексей Кортнев. В кульминационный момент из-за кулис выезжает бассейн с легко одетыми барышнями, и молодежь начинает отплясывать парами прямо в бассейне. В порыве вдохновения Ван Хорн летает вместе с роялем, кувыркаясь в воздухе, а потом под потолком оказываются и сами ведьмы. Со сцены выпархивают в зрительный зал и парят в белых пеньюарах прямо над головами зрителей.


О ведьмах стоит сказать отдельно. В английской и австралийской версиях Алекс, Джейн и Сьюки играют взрослые тетки, которые поют невыносимо пронзительными голосами и никаких сексуальных ощущений не вызывают. Наши Нонна Гришаева, Анна Большова и Анна Невская настоящие нимфы с русалочьими голосами и стройными ногами. Их и послушать приятно, и смотреть на них особое удовольствие, несмотря на то, что зрелищ в этом мюзикле хватает. Эротичный флер спектакля создают не только красавицы в нижнем белье, но в первую очередь соответствующие шутки. Ими изобилует оригинал, и русские переводчики Павел Санаев и Александр Бачило сделали все возможное, чтобы сохранить в шутках нужный подтекст. Перевод стихов принадлежит Алексею Кортневу. И здесь зрителей, особенно тех, кто слышал оригинальную версию, ждет сюрприз: русский текст песен лучше оригинала! К примеру, в английской версии есть фраза: You are just women, and I m a man! Что переводится как Вы только женщины, а я мужчина! Русский вариант этой фразы звучит так: Вы просто бабы, а я самец! И действительно, Кортнев и Певцов самцы. На сцене они, по всей видимости, используют весь арсенал наработанных за долгую мужскую жизнь приемов обольщения. В итоге соблазненными оказываются не только три ведьмы, но и все жительницы Иствика, и вся женская половина зала. К концу спектакля хочется пойти в актрисы, купить красный плащ и завести нового любовника.


КРАТКОЕ СОДЕРЖАНИЕ МЮЗИКЛА:
Тусклую и однообразную жизнь провинциального американского городка, с его сплетнями, вялотекущими романами и мелкими происшествиями, нарушает приезд таинственного незнакомца Дэррила Ван Хорна. На самом деле этот любитель старинных домов и маленьких городков – не кто иной, как сам Дьявол.

Три разведенные, уже не первой молодости подруги – Александра Споффорд, Джейн Смарт и Сьюки Ружмонт – мечтающие о более интересной, полной жизни, падают жертвами демонического обаяния Дэррила, который сумел найти свой ключ к каждой из них. Вначале женщины не в восторге от того, что им приходится делить друг с другом наконец-то обретенного настоящего мужчину, но потом примиряются с этим положением вещей, сообща постигая под руководством Ван Хорна не только головокружительные секреты собственной чувственности, но и зловещие тайны черной магии.

Двигателем сюжета является другая, более невинная любовная история – роман между Майклом, сыном Александры, и Дженнифер, дочерью самой влиятельной дамы в городе, Фелиции Габриэль. Дэррил ухитряется вмешаться и в их отношения – и даже собирается жениться на Дженнифер, предварительно соблазнив ее. Разобиженные дамы обращают дьявольскую науку, которой они овладели благодаря Ван Хорну, против самого Ван Хорна, и с помощью магического ритуала изгоняют его из города.


 

Ни для кого не секрет, что театральные постановки с музыкальной тематикой пользуются большим успехом и очень распространены во всём мире. Наша страна не исключение. За последние несколько лет наши театры пополнили свой репертуар различными музыкальными постановками, а в театральных труппах появилось ещё больше талантливых вокалистов, танцоров и актёров.

Мюзиклы оказали своё влияние на нас и не оставили зрителей равнодушными к музыкальному искусству. Сам же мюзикл по программе должен состоять из двух частей: вокальной и хореографической.

Но, мне кажется, стоит немного затронуть историю возникновения сего жанра. Совмещение музыки с другими видами искусств всегда было актуально, и каждый делал это по-разному, с каждой эпохой по-своему. С появлением кинематографа и телевидения открылись новые возможности для совмещения и воплощения в жизнь смешания искусств. Музыкальный театр получил новое веяние и дал жизнь новому музыкальному жанру. Так и началось появление различных мюзиклов. У знаменитого же композитора Эндрю Ллойда Вебера это действо называлось рок-оперой, соединяющей в себе различные виды искусств, а так же абсолютно разные направления в музыке. Первые опыты экранизации оперы были произведены в 20-30 годы, тогда же и появился жанр мюзикла.

Как ни странно, но именно в жанре мюзикла нашли свое предназначения многие предположения и идеи современных композиторов об идеальном будущем всего искусства, музыки. Многие считали мюзикл достаточно своеобразным искусством. Это своеобразие мюзикла заключалось в объединении вокального и танцевального мастерства. В свою очередь, людям понравилось новое веянье музыкальной моды. Это было чётким показателем успеха нововведения). Музыка при этом стала играть новую роль - она стала обложкой новой волны.
Однако наиболее значимым художественным результатом развития мюзикла стало появление рок-оперы. Самый же, наверное, большой плюс - это то, что вокалисты не используют фонограмму и поют вживую, показывая свой великолепный голос.

Множество музыкальных постановок было сделано известнейшим композитором Эндрю Ллойдом Вебером. Из его работ можно выделить несколько самых известных: «Призрак Оперы», «Иисус Христос – суперзвезда», «Кошки», «Эвита». Его дар создавать прекрасную музыку к бессмертным произведениям начался ещё со школы, когда в своём докладе про будущую карьеру он описал жизненный путь композитора и указал возможность сделать музыкальную постановку по книге «Призрак Оперы». Его музыка до сих пор вызывает мурашки, электрическим током проходит по телу и не может оставить равнодушным ни одного человека.

Второй потрясающий композитор родом из Франции, его имя Жерар Пресгурвик. Он написал музыку для таких популярных мюзиклов, как «Нотр-Дам де Пари» и «Ромео и Джульетта».
Мюзикл «Нотр-Дам» показал миру таких французских звёзд, как Гару и Элен Сегара, солистов оригинальной французской версии. Мюзикл же «Ромео и Джульетта» подарил нам таких прекрасных вокалистов, как Дамьен Сарг и Сесилия Кара. Во Франции идёт постановка «Унесённые ветром». Может вскоре её сможем посмотреть и мы.

Французы делают мюзиклы, и мир не отстаёт от них, повторяя постановки вплоть до костюмов. В Москве любовь к жанру началась с постановки Ленкома «Юнона и Авось».
Баронесса Катерина Фон Гечмен Вальдек сделала всё, чтобы поставить и новые музыкальные спектакли в Театре Московской Оперетты. Там-то и были поставлены мюзиклы «Метро», «Нотр», «РиДж». Она сделала всё, чтобы в Т.О.(театр Оперетты) заиграла музыка Жерара Пресгурвика. Премьерные спектакли прошли на ура, хотя многие критики отзывались о нововведении не совсем благосклонно. Москвичам понравилось новое веянье театральной моды, и после года показа на сцене московской Оперетты мюзикла "Нотр-Дам" людям стало интересно, что же будет дальше, и на смену пришло новое творение – "Ромео и Джульетта".

Я была на обеих постановках. Игра актёров потрясает, завораживает, музыка проникает в каждую клеточку тела и заставляет вас сопереживать, чувствовать. Вскоре актёры становятся «родными» людьми, а мы, поклонники мюзиклов, общаемся, называя артистов по именам, а привычные названия сокращаем до РиДж, Нотр, ТО, ПО)).

Так же нужно отдать должное мюзиклам, не «принадлежащим» Баронессе, например, чисто русские задумки: «Норд Ост», «12 стульев» и «Иствикские ведьмы». Или Бродвейские «Кошки» и «Чикаго».

Мюзикл - целое отделение искусства, заключающее в себя различные ответвления от хореографии до вокала + актёрское мастерство.
Я, как человек, влюбившийся в различные музыкальные постановки с первого посещения мюзикла, могу сразу сказать, что вы не останетесь равнодушным: либо вы станете ярым поклонником либо признаете этот жанр раздражительным и скучным для вашего эстетического восприятия и великолепного слуха.

Помните только одно: новое и необычное – не является плохим и бездарным.
 

Еще в мае под этим лозунгом в Московской оперетте состоялся первый показ русской постановки мюзикла "Ромео и Джульетта", но и по сей день зал театра в сеансы показа заполнен на все 100%. На днях и я побывала на нашумевшем представлении, 53 по счету. Вооружилась биноклем и все хорошенько рассмотрела))

Мюзикл "Ромео и Джульетта" - третий проект компании Metro Entertainmant (Александр Вайнштейн, Катерина фон Гечмен-Вальдек и директор Московского театра оперетты Владимир Тартаковский), следующий за "Метро" и "Нотр-Дам де Пари".

Композитор мюзикла, Жерар Пресгурвик, когда приезжал на премьеру в Россию, сказал: "Мои родители уехали из России 82 года назад. Они всегда рассказывали мне об этой стране с ностальгией и благодарностью. Мое настоящее имя Пресгурвик, просто мои бабушка с дедушкой поменяли имена, чтобы они звучали более по-французски". Вторила композитору и художник по костюмам Доминик Борг: "Рискуя быть банальной, я скажу, что мои родители также уехали из России. И потом я вышла за русского, поэтому здесь я чувствую себя просто как дома. Я испытала невероятное счастье, работая с артистами, которые просто великолепны".

Русский текст к песням написал Наум Олев (песни к «Мэри Поппинс, до свидания!», «Тресту, который лопнул» и «Острову сокровищ»), а к песне «Короли ночной Вероны» и «Тайна любви» текст написала оперный режиссер Санкт-Петербурга Сусанна Цирюк, прославившаяся знаменитой арией Belle в предыдущей постановке театра – «Соборе Парижской Богоматери».

Текст - не всегда гладкий, однако хорошо ложится на песни, и как заметили многие, от драмы шекспировской текст мюзикла все же отличается: смерть для Ромео пожалела яда, прикончив его самолично, Тибальт пылает к главной героине совершенно не братской любовью…

Но декорации потрясающие - условная Италия, заимствованная с полотен старых мастеров; легко узнаваемы отдельные силуэты, например падающая Пизанская башня, костюмы ослепительны (ни у одного из танцоров не повторяются – красно-синяя гамма с золотом и самоцветами), звукорежиссура выразительна и прозрачна (режиссер Филипп Пармантье), хореография просто фантастична: ставил Реда Бентэфор – мастер, работавший еще над музыкальной комедией «Девушки из Рошфора», фильмами Романа Полански и концертами таких звезд, как Элтон Джон и Ванесса Паради.… По его словам, в московской версии изменилось буквально все – от декораций до мизансцен. Хореография Бентэфора синтезирует актерское мастерство, танец и акробатику, каждая ария или дуэт выстроены предельно сложно, как бы полифонически. Действие постоянно перемещается с одного участка сцены на другой, с пола на балкон. За эффектными трюками не успеваешь следить, настолько плотен их поток. Танцоры один лучше другого – да еще и поют на уровне. Музыка великолепна, мне понравилась вступительная композиция – сильная и красивая песня. Некоторые считают мелодии привычными и попсовыми, но скажу вам – впечатление грандиозное, даже для ценителей классики. Хитов и правда не так уж много: мелодия мюзикла – «Короли ночной Вероны», тема, которой начинается и завершается спектакль, и другая мелодия - «Тайна любви». Однако, купив диск на выходе из театра, я прослушала его уже несколько раз и все больше влюбляюсь в каждую из мелодий, душа плачет и рвется ввысь.

В отличие от «Собора Парижской Богоматери» нам показали не копию французского спектакля, а совершенно самостоятельную новую версию; некоторые из журналистов, видевшие и тамошнюю, и здешнюю постановки, утверждают, что наша даже не в пример качественнее. Свет и звук – ничем не уступают американским или европейским постановкам. Другие декорации, другой образ Смерти (во французском варианте это Судьба-женщина, у нас же Смерть-мужчина), юные исполнители обладают сильными, звонкими голосами, безукоризненно пластичны. Всем трем Ромео, равно как всем Джульеттам – да и большинству танцоров кордебалета – лет восемнадцать отроду. Я видела спектакль, где выступал Андрей Александрин - красив, гибок, музыкален, но в резерве еще Эдуард Шульжевский (его, правда, упрекают в злоупотреблении эстрадной манерностью) и Алексей Франдетти. То же и с Джульеттами – в моей программе блистала София Нижарадзе, но критики отмечают также Евгению Рябцеву. Хороши большинство актеров второго плана – Александр Постоленко (все глаза изглядела на красавца) и Сергей Ли (оба играют Бенволио), граф Капулетти (Александр Маракулин), обе матери – Анастасия Сапожникова и Лика Рулла, обе кормилицы – Наталья Сидорцова и Наталья Трихлеб. В оригинальном варианте мюзикла Смерть — прекрасная, хотя несколько странная женщина в белом, парящая над героями, окутывающая их мягкими, нежными, ласковыми, но коварными движениями. Для российской сцены режиссер Реда Бентэфор придумал качественно новое решение: Смерть — мужчина. Его танец — нервный, конвульсивный, чрезвычайно агрессивный. В нашем спектакле роль Смерти играл Павел Бельков, но иногда выступает знаменитый танцовщик, ведущий солист балета Большого театра Николай Цискаридзе.

Вообще вся команда в «Ромео» – новая; в конце прошлого года в Москве был проведен кастинг, показавший, что в России за последние два-три года успело сформироваться новое талантливое поколение мастеров мюзикла. Спектакль идет под фонограмму; живой оркестр (а для него, по словам композитора, потребовалось бы 80 музыкантов) обошелся бы чересчур дорого; в английской версии «Ромео» попробовали использовать ансамбль из десяти исполнителей – в результате не хватило напора и плотности звучания.

Премьера оригинальной версии мюзикла прошла достаточно давно – в январе 2001 года. Новинка быстро стала бестселлером – только во франкоязычных странах было распродано более четырех миллионов альбомов с записью саундтрека мюзикла. «Мне кажется, – утверждает Жерар Пресгурвик, – что только произведения Шекспира способны бросить вызов времени. В «Ромео и Джульетте» есть любовь, ненависть, смелость, ревность, грусть… Эта трагедия могла случиться и в наши дни…»

Подводя итоги, скажу, что нынешняя публика приходит в театр за развлечением, с ожиданием узнать интересную историю. Молодежной аудитории, заполнившей зал, несмотря на высокую стоимость билетов (от 600 до 3000 рублей), интересны именно динамика и сюжет – музыка, движение, свет, костюмы, танцевальные рисунки (бал здесь трактуется как нынешняя дискотека), на первом плане – вражда, ненависть, драки, поединки, кровь, трупы павших бойцов, столкновение кланов – синих Капулетти и алых Монтекки. А любовная линия, переживания героев, высокие чувства - все это отодвинуто на второй план. Искусство бывает разным, и нам представлен именно мюзикл, а не на что иное, поэтому не требуется искать граней строгой классики, а просто наслаждаться представлением, современным, но все же искусством...
Еще в мае под этим лозунгом в Московской оперетте состоялся первый показ русской постановки мюзикла "Ромео и Джульетта", но и по сей день зал театра в сеансы показа заполнен на все 100%. На днях и я побывала на нашумевшем представлении, 53 по счету. Вооружилась биноклем и все хорошенько рассмотрела))
Мюзикл "Ромео и Джульетта" - третий проект компании Metro Entertainmant (Александр Вайнштейн, Катерина фон Гечмен-Вальдек и директор Московского театра оперетты Владимир Тартаковский), следующий за "Метро" и "Нотр-Дам де Пари".
Композитор мюзикла, Жерар Пресгурвик, когда приезжал на премьеру в Россию, сказал: "Мои родители уехали из России 82 года назад. Они всегда рассказывали мне об этой стране с ностальгией и благодарностью. Мое настоящее имя Пресгурвик, просто мои бабушка с дедушкой поменяли имена, чтобы они звучали более по-французски". Вторила композитору и художник по костюмам Доминик Борг: "Рискуя быть банальной, я скажу, что мои родители также уехали из России. И потом я вышла за русского, поэтому здесь я чувствую себя просто как дома. Я испытала невероятное счастье, работая с артистами, которые просто великолепны".
Русский текст к песням написал Наум Олев (песни к «Мэри Поппинс, до свидания!», «Тресту, который лопнул» и «Острову сокровищ»), а к песне «Короли ночной Вероны» и «Тайна любви» текст написала оперный режиссер Санкт-Петербурга Сусанна Цирюк, прославившаяся знаменитой арией Belle в предыдущей постановке театра – «Соборе Парижской Богоматери».
Текст - не всегда гладкий, однако хорошо ложится на песни, и как заметили многие, от драмы шекспировской текст мюзикла все же отличается: смерть для Ромео пожалела яда, прикончив его самолично, Тибальт пылает к главной героине совершенно не братской любовью…
Но декорации потрясающие - условная Италия, заимствованная с полотен старых мастеров; легко узнаваемы отдельные силуэты, например падающая Пизанская башня, костюмы ослепительны (ни у одного из танцоров не повторяются – красно-синяя гамма с золотом и самоцветами), звукорежиссура выразительна и прозрачна (режиссер Филипп Пармантье), хореография просто фантастична: ставил Реда Бентэфор – мастер, работавший еще над музыкальной комедией «Девушки из Рошфора», фильмами Романа Полански и концертами таких звезд, как Элтон Джон и Ванесса Паради.… По его словам, в московской версии изменилось буквально все – от декораций до мизансцен. Хореография Бентэфора синтезирует актерское мастерство, танец и акробатику, каждая ария или дуэт выстроены предельно сложно, как бы полифонически. Действие постоянно перемещается с одного участка сцены на другой, с пола на балкон. За эффектными трюками не успеваешь следить, настолько плотен их поток. Танцоры один лучше другого – да еще и поют на уровне. Музыка великолепна, мне понравилась вступительная композиция – сильная и красивая песня. Некоторые считают мелодии привычными и попсовыми, но скажу вам – впечатление грандиозное, даже для ценителей классики. Хитов и правда не так уж много: мелодия мюзикла – «Короли ночной Вероны», тема, которой начинается и завершается спектакль, и другая мелодия - «Тайна любви». Однако, купив диск на выходе из театра, я прослушала его уже несколько раз и все больше влюбляюсь в каждую из мелодий, душа плачет и рвется ввысь.
В отличие от «Собора Парижской Богоматери» нам показали не копию французского спектакля, а совершенно самостоятельную новую версию; некоторые из журналистов, видевшие и тамошнюю, и здешнюю постановки, утверждают, что наша даже не в пример качественнее. Свет и звук – ничем не уступают американским или европейским постановкам. Другие декорации, другой образ Смерти (во французском варианте это Судьба-женщина, у нас же Смерть-мужчина), юные исполнители обладают сильными, звонкими голосами, безукоризненно пластичны. Всем трем Ромео, равно как всем Джульеттам – да и большинству танцоров кордебалета – лет восемнадцать отроду. Я видела спектакль, где выступал Андрей Александрин - красив, гибок, музыкален, но в резерве еще Эдуард Шульжевский (его, правда, упрекают в злоупотреблении эстрадной манерностью) и Алексей Франдетти. То же и с Джульеттами – в моей программе блистала София Нижарадзе, но критики отмечают также Евгению Рябцеву. Хороши большинство актеров второго плана – Александр Постоленко (все глаза изглядела на красавца) и Сергей Ли (оба играют Бенволио), граф Капулетти (Александр Маракулин), обе матери – Анастасия Сапожникова и Лика Рулла, обе кормилицы – Наталья Сидорцова и Наталья Трихлеб. В оригинальном варианте мюзикла Смерть — прекрасная, хотя несколько странная женщина в белом, парящая над героями, окутывающая их мягкими, нежными, ласковыми, но коварными движениями. Для российской сцены режиссер Реда Бентэфор придумал качественно новое решение: Смерть — мужчина. Его танец — нервный, конвульсивный, чрезвычайно агрессивный. В нашем спектакле роль Смерти играл Павел Бельков, но иногда выступает знаменитый танцовщик, ведущий солист балета Большого театра Николай Цискаридзе.
Вообще вся команда в «Ромео» – новая; в конце прошлого года в Москве был проведен кастинг, показавший, что в России за последние два-три года успело сформироваться новое талантливое поколение мастеров мюзикла. Спектакль идет под фонограмму; живой оркестр (а для него, по словам композитора, потребовалось бы 80 музыкантов) обошелся бы чересчур дорого; в английской версии «Ромео» попробовали использовать ансамбль из десяти исполнителей – в результате не хватило напора и плотности звучания.
Премьера оригинальной версии мюзикла прошла достаточно давно – в январе 2001 года. Новинка быстро стала бестселлером – только во франкоязычных странах было распродано более четырех миллионов альбомов с записью саундтрека мюзикла. «Мне кажется, – утверждает Жерар Пресгурвик, – что только произведения Шекспира способны бросить вызов времени. В «Ромео и Джульетте» есть любовь, ненависть, смелость, ревность, грусть… Эта трагедия могла случиться и в наши дни…»
Подводя итоги, скажу, что нынешняя публика приходит в театр за развлечением, с ожиданием узнать интересную историю. Молодежной аудитории, заполнившей зал, несмотря на высокую стоимость билетов (от 600 до 3000 рублей), интересны именно динамика и сюжет – музыка, движение, свет, костюмы, танцевальные рисунки (бал здесь трактуется как нынешняя дискотека), на первом плане – вражда, ненависть, драки, поединки, кровь, трупы павших бойцов, столкновение кланов – синих Капулетти и алых Монтекки. А любовная линия, переживания героев, высокие чувства - все это отодвинуто на второй план. Искусство бывает разным, и нам представлен именно мюзикл, а не на что иное, поэтому не требуется искать граней строгой классики, а просто наслаждаться представлением, современным, но все же искусством...


  Русская труппа

NOTRE DAME DE PARIS - самый нашумевший в Европе мюзикл, поставленный за последние пять лет. Премьера постановки состоялась в 1998 году в Париже и с тех пор "NOTRE DAME" путешествует по миру. В каждой стране, где идет мюзикл, его постановкой занималась та же команда авторов, режиссеров, хореографов, сделавшая оригинальную версию в Париже.



В 2000 году в Лондоне состоялась премьера английской версии "NOTRE DAME DE PARIS", в 2001 году вышла испанская версия в Барселоне, а в марте 2002 года "NOTRE DAME" покоряет Рим, ну а за Римом "NOTRE DAME" приходит в Россию.



Постановки "NOTRE DAME DE PARIS" характеризует ультрасовременное сценическое решение, демонстрирующее сегодня тенденцию европейского театрального искусства.



Авторами "NOTRE DAME DE PARIS" являются поэт Люк Пламондон и композитор Ришар Коччианте. Люк Пламондон, имеющий огромную популярность в Канаде и во Франции, широко известен во всем мире как автор текстов песен Селин Дион, а также как автор либретто знаменитого мюзикла "Starmania". Ричард Кочанте, автор музыки, невероятно популярен в мире не только как композитор, но и как певец, исполняющий свои произведения на четырех языках.



Идея создания мюзикла зародилась у Люка Пламондона. В 1993 года он занялся поиском во французской литературе сюжета для нового музыкального спектакля и остановил свой выбор на романе "NOTRE DAME DE PARIS" ("Собор Парижской Богоматери"). Перечитывая роман, Пламондон сделал наброски 30 песен. Затем к работе подключается композитор Ричард Кочанте. "Можно сказать, что история мюзикла началась с песни "Belle". Именно этот сингл, на протяжении 8 месяцев занимавший верхнюю строчку хит-парада, а затем и вышедший альбом "NOTRE DAME DE PARIS" задолго до премьеры обеспечили успех мюзиклу и впервые в истории создали такую ситуацию, что билеты на еще не вышедший спектакль были раскуплены на полгода вперед.



"NOTRE DAME DE PARIS" был занесен в книгу рекордов Гиннеса как самый продаваемый мюзикл за первый год проката. Только во франкоязычных странах на спектакли "NOTRE DAME DE PARIS" продано более 3.000.000 билетов, а в мире распродано более 7.000.000 альбомов с записью "саундтрека". Песни с альбома вошли в репертуар Celine Dion.








 

Чикаго является Кандер и Эбб музыкальный набор в эпоху запрета Чикаго. Эта книга является Эбб и Bob Fosse.
История является сатира о коррупции в сфере уголовного правосудия, и концепции "знаменитости преступника.
" Музыкальный основан в 1926 одноименной пьесе на репортера Маурине Даллас Уоткинс об истинных преступников
и преступлений, она сообщила о.
Первоначальная 1975 Бродвей производства побежал в общей сложности 936 спектаклей. Bob Fosse хореографии
первоначального производства, и его стиль сильно ассоциируется с шоу. Чикаго "с 1996 Бродвей возрождения считает,
что регистрация в затяжных музыкального возрождения на Бродвее (не подсчета revue Oh! Калькутта!), и по состоянию
на 2 марта 2008 года, она сыграла более 4684 спектаклей. Возрождение было проведено производства по лондонского
Вест-Энда и несколько поездок и международных постановках. В Академии Награда за фильм версии мюзикла был освобожден
в 2002 году.


История
Музыкальный Чикаго основана на одноименной пьесе на репортера Маурине Даллас Уоткинс, который был переведен на
покрытие в 1924 году испытания murderesses Beulah Аннан и Бельва Гаертнер для Chicago Tribune.
Аннан, модель характер Роксие Харт, было 23, когда она была обвинена в убийстве Гарри Калстедт. В трибюн "сообщила

мужчину, который" пытался сделать любовь к ней. " Она была найдена "не виновен" на 25 мая 1924 года. Velma основан
на Гаертнер, который был кабаре певец. Тело Вальтер Закон был обнаружен slumped за рулем Гаертнер в брошенных
автомобилей на 12 марта 1924 года. Два сотрудника полиции свидетельствует о том, что они видели женщину попадание в
автомобиль, а вскоре после этого услышали выстрелы. А бутылка джин и автоматического пистолета были обнаружены на
пол автомобиля. Гаертнер был оправдан по 6 июня 1924 года. В двух адвокатов, Уильям Скотт Стюарт и WW О'Брайен, были
моделями для составного характера в Чикаго, "Билли Флинн."
- Даллас Уоткинс "сенсационные колонки документирования этих испытаний оказалось настолько популярным, что она решила
написать пьесу на их основе. Спектакль получил так популярны, и приветствовались, и даже сделал его на Бродвее в 1926 году,
работает по 172 спектаклей. В 1927 немого кино версия подготовленных Сесил B. DeMille звездным бывший Мак Сеннетт купания
красоты Филлис Хавер, как Роксие Харт был переделал как Роксие Харт, в 1942 году с Джинджер Роджерс в главной роли.
Гуэн Вердон прочитать играть, и попросил ее мужа, Bob Fosse, о возможности создания музыкальной на его основе. Fosse
приблизился Уоткинс несколько раз, чтобы спросить ее разрешения адаптировать играть как музыкальный, но он был отвергнут
в каждой инстанции. После ее смерти в 1969 году, однако, Уоткинс указание, что права на Чикагской быть проданы выбора и
Fosse. Джон Кандер и Эбб Фред начал работу над баллов, моделирование каждого номера на традиционных эстрадного номера
или эстрадного исполнителя. Этот формат четко шоу в сравнении между "справедливость", "шоу-бизнес", и современное общество.
Эбб и Fosse penned книге музыкальные, с Fosse также руководство и choreographing.


Original Broadway производства

Первоначальная регистрация Актеры
Чикаго: A Водевиль Музыкальный открыт 3 июня 1975 года, и бросился на общую сумму в 936 спектаклей, закрытие на 27 августа 1977 года.
Он избранные Чита Ривера, как Velma Kelly, Гуэн Вердон, как Роксие Харт, и Джерри Орбах, как Билли Флинн. Velma Kelly был сравнительно
незначительных характер во всех версиях Чикаго до музыкальных рендеринга. Роль была конкретизировать сбалансировать Чита Ривера "Роль
напротив Гуэн Вердон" ы Роксие Харт. Музыкальный получил смешанные отзывы, которые, как сообщается, что Fosse хотел. В Brechtian стиле
шоу, в котором часто сбросил четвертой стены, в аудитории неудобно. В нем приняли внимание на тот факт, что шоу было действительно о
мире, в котором мы живем, параллельно с glamorization преступников, в том, как общество само делает преступниками в знаменитостями.



Broadway возрождения

Барри и Fran Вайслер доведено концертной версии Чикаго, в настоящее время под названием Чикаго: Музыкальный прямо на Бродвее, где она
открыта 14 ноября 1996 года. В шоу установить рекорд для восстановления его первоначальные расходы быстрее, чем в любой другой
музыкальной истории. Это может быть вызвано тем, на осушенных вниз характер шоу: множество является не чем иным, как гигант bandstand
и костюмы минималистский и черный.
В отличие от своего предшественника Чикаго: A Музыкальные Водевиль, Чикаго: Музыкальный было встречено с похвалу от аудитории, так и критиков.
Общество изменилось в свете таких событий, как убийство OJ Симпсон дело, и зрители были более восприимчивы к уголовно-знаменитости, как-тема
выставки. [3] Чикаго: Музыкальный побед 6 Tonys, более чем какой-либо другой возрождения в Бродвей история, победы за лучший музыкальный
Возрождения, Лучшая актриса для Bebe Неувирт, за лучшую мужскую роль Джеймса Ногтон, Лучший дизайн освещения для Кен Биллингтон, Лучший
директор по Вальтер Bobbie и Лучшая Хореография для Энн Рейнкинг. Хотя еще в браке с выбора, Fosse также romanced Энн Рейнкинг, кто будет
позже хореографические возрождения, а также играть Роксие.
Чикаго: Музыкальный запустил более 4588 спектаклей, как в декабре 2007 года и считает, что запись для затяжных возрождения на Бродвее, второй
только на нудистском revue, Oh! Калькутта! (Хотя West End возрождение Blood Brothers стал более). Чикаго в настоящее время является восьмым
затяжных бродвейских шоу когда-либо. [4] В ходе запуска, шоу сыграла в трех бродвейских театров - Ричарда Роджерса театр, Шуберт в театр и
Театр посол.
Актерский регистрации возрождения получила премию Грэмми.



Фильм

В 1927 году немого кино версия оригинальной, не-музыкальных играть было сделано. В 1942 году в качестве "очищены вверх", версия 1926 года играть,
на этот раз называется Роксие Харт, был освобожден. Он был режиссер Уильям А. Веллман и избранные Джинджер Роджерс, как Роксие, Адольф Менжу,
как Билли Флинна, и весна Биингтон качестве репортера Мэри Саншайн. В этой версии, Velma сводится к небольшой роли, и Роксие это ошибочно
осужден за убийство.
А фильм вариант этого Кандер-Эбб музыкальных была подготовлена и выпущена в 2002 г. В ролях Рене Зельвегер, как Роксие Харт, Кэтрин Зета-Джонс,
как Velma Kelly, и Ричард Гир, как Билли Флинн. Рассказ о том, постановки на эстрадного действует как фантазии в Роксие Харт, устранить некоторые песни,
и молния характер Роксие. Первоначально тексты песен из "класса" были восстановлены в этой версии фильма, который, хотя и не в окончательном
освобождении печати, был включен в качестве бонус DVD особенность. В 2002 году фильм получил Оскара за лучшую фотографий, и Зета-Джонс победил
Лучшая поддержка Актриса.

"CATS" – пожалуй, не только самый известный мюзикл Эндрю Ллойд-Уэббера, но и один из самых известных мюзиклов мира, шоу-рекордсмен.
Премьера "CATS" состоялась 11 мая 1981 года в Уэст-Энде, в Новом Лондонском Театре (New London Theatre). До самого своего закрытия 11
мая 2002 года спектакль шел в Лондоне с большим успехом, заслужив звание самой "долгоиграющей" театральной постановки в истории
английского театра (более 6 400 представлений). Мюзикл "CATS" побил все мыслимые рекорды и в Соединенных Штатах. В 1997 году, после
6 138 представлений, мюзикл обошел по количеству сыгранных спектаклей другое популярное бродвейское шоу, "Кордебалет" ("A Chorus Line"),
и был признан бродвейским долгожителем номер один. Однако, к огорчению нью-йоркских фанатов, 10 сентября 2000, через восемнадцать лет
после премьеры, состоялось последнее представление этого феерического шоу. Мюзикл перестал приносить прибыль, и продюсеры приняли решение
о его закрытии. За это время спектакль посмотрело более 10 миллионов человек, а доходы составили около 400 000 000 долларов. После того, как
была определена дата закрытия — 25 июля 2000 года, интерес к мюзиклу снова необычайно возрос. Этим грех было не воспользоваться, и "Кошкам"
продлили жизнь еще на десять недель, в течение которых шоу игралось при практически полном зале, а сборы, благодаря наплыву поклонников и
туристов, составили $ 550 000.
За время своего существования мюзикл был поставлен более сорока раза, его посетило более 50 миллионов зрителей в тридцати странах, а общая
сумма сборов в настоящий момент перевалила за 2,2 миллиарда долларов. Среди наград "CATS" — премия Лоуренса Оливье (Lawrence Olivier Award)
и премия, вручаемая газетой "Ивнинг Стандарт" (Evening Standard Award) в номинации "Лучший мюзикл", семь премий Тони, французская премия
Мольера, семь канадских наград имени Доры Мейвор Мур (Dora Mavor Moore) и семь наград Японии. Записи и Лондонского, и Бродвейского оригинального
состава были удостоены Грэмми.


Цикл стихотворений Томаса Стернза Элиота «Книга Старого Опоссума о практичных кошках» («Old Possum's Book of Practical Cats»)
долгое время считался второстепенным на фоне серьезных, не всегда простых для восприятия философских сочинений поэта.
Однако именно благодаря этой книжке поэт-интеллектуал попал в историю мирового шоу-бизнеса и был удостоен, посмертно,
премии «Тони» в номинации «Лучшее либретто мюзикла».
Разумеется, писатель не взялся бы за «кошачью» тему, если бы не разделял известную во всем мире любовь англичан к кошкам.
Он не только держал их у себя дома, но и охотно придумывал, по просьбе друзей и знакомых, необычные клички их усатым
любимцам. Одни имена получались смешными и абсурдными, но звучными, другие — простыми, но все они соответствовали кошачьим
характерам.



«Книга Старого Опоссума о практичных кошках» вышла в свет 5 октября 1939 года тиражом 3 000 экземпляров, с рисунками Элиота на
суперобложке и на обложке. Поэта очень беспокоило, как публика отреагирует на сборник. Его пьеса в стихах «Воссоединение семьи»
была опубликована ранее в марте, а через три недели намечалась публикация «Идеи христианского общества». «Моя книга предназначена
для нового читателя, — делился поэт с Джеффри Фейбером, — и, боюсь, старый покупать ее не станет». Его волнение было напрасным.
«Кошки продаются вполне удовлетворительно», — отчитывался менеджер по продажам, а газета «Манчестер Гардиан» писала, что в них —
«безграничная пестрота человеческой натуры». И все-таки, несмотря на хорошие продажи, сборник не побил издательских рекордов
«Фейбера и Фейбера».
Когда от Уолта Диснея поступило предложение об экранизации, Элиот ответил отказом. Он весьма осторожно относился и к музыкальному
прочтению своих стихов, и, несмотря на их ироничный, полушутливый тон, воспринимал их очень серьезно.

Самый культовый мюзикл планеты. Мюзикл, на котором побывали более 50 миллионов зрителей! Легенда жанра, "Кошки", путешествуют по
миру уже более 20 лет. За это время мюзикл был показан более чем в 30 странах и переведен на 12 языков. Став в свое время визитной
карточкой Лондона и Нью-Йорка, мюзикл вновь приходит в Москву. Сюжет "Кошек" прост и актуален: кошки отображают собой жизнь социума,
где нужно стремиться подняться выше, верить в себя и обязательно всего добиться. Высокотехнологичные декорации и необычные спецэффекты
- каждый день, на русском языке, в Московском Дворце Молодежи!
2 часа 40 минут неповторимого зрелища, живой оркестр, блистательный актерский состав, утвержденный лондонским жюри, и отличный русский
текст Алексея Кортнева - такое пропустить невозможно!


А вот кстати сымые первые съёмки мюзикла!



Первая реклама мюзикла!

Мюзикл в России!


Мюзикл в цифрах:
«CATS» в Великобритании
Премьера «CATS» состоялась 11 мая 1981 года на сцене Нового Лондонского театра (The New London Theatre).
В труппе 38 актеров, 23 из них задействовано в каждом спектакле.
Гардероб «CATS состоит из 450 костюмов из лайкры.
Ткани расписываются в ручную по эскизам Джона Нэйпьера.
Костюмы декорированы различными элементами из шерсти, шифона и органзы.
Девять «сиамских» костюмов расшиты вручную 4 000 блесток.
Самый трудоемкий костюм у Гризабеллы: пошив занимает три месяца, еще три уходит на его украшение 8 000 перламутровыми бусинами.
В спектакле около 100 париков ручной работы.
Все парики изготавливаются из шерсти яка.
В одном спектакле используются около 30 париков.
Для изготовления одного парика требуется около трех недель.
Чтобы превратить сцену в уличную помойку, было изготовлено 665 предметов огромного размера — банки из под кошачьего корма и колы,
бутылки из под коньяка, коробочки из под гуталина и упаковки риса, огромные бутылки из под молока и пива, сигаретные коробки, куриные
кости и яичная скорлупа.
Для оформления сцены были изготовлены гирлянды из 4000 лампочек.
Заглавная песня всего шоу — «Memory» — стала мировым хитом. К концу 1985 года соавторы песни Нанн и Ллойд-Уэббер стали миллионерами
только на одних продажах записей.
29 января 1996 года «CATS» стали самым долгоиграющим мюзиклом в истории Уэст-Энда (6 141 представление).
В апреле 1999 года общий доход от продажи билетов на уэст-эндских «CATS» составлял более ₤ 115 млн.
Лондонская постановка «CATS» закрылась 11 мая 2002 года — в свой 21-ый день рождения.
Статистика оригинальной лондонской постановки за 21 год существования:
Шоу посетили более 8 миллионов зрителей.
Спектакль был показан около 9 000 раз.
Мюзикл заработал ₤ 130 млн.
Гримерный цех использовал 72 упаковки теней для глаз, румян, помады и туши для ресниц в год.
Костюмерный цех заменял 5 пар обуви в неделю (это 5460 пар!), использовал 100 катушек ниток в месяц и 16 735 фунтов шерсти.
Звуковой цех использовал 50 батареек в неделю (всего 54600), 30 новых микрофонов и 50 антенн ежегодно.
Электрики и рабочие сцены заменили 32 432 электрические лампочки в зрительном зале Нового Лондонского театра и использовали 31 367
футов кабеля.
Рабочие заменили 8 573 сидения, использовали 498 галлонов лака для покрытия пола и 49 875 плакатов для сцены.
Билетная касса использовала 108 108 рулонов бумаги и 1791720 конвертов.
«CATS» в США
Премьера «CATS» на Бродвее состоялась 7 октября 1982 года на сцене Winter Garden Theatre.
В течение более шести лет после премьеры в Нью-Йорке, спектакли шли с полным аншлагом, принося $ 300 тыс. в неделю и около $ 45 тыс.
чистой прибыли.
19 июня 1997 года мюзикл «CATS» обошел знаменитый мюзикл «Кордебалет» (A Chorus Line) по количеству показов, став самым долгоиграющим
шоу в истории Бродвея.
Всего на Бродвее «CATS» посмотрели более 10 миллионов человек.
Прибыль от проката в США составила $ 400 млн.
На Бродвее мюзикл шел 18 лет, последний спектакль состоялся 10 сентября 2000 года.
Первоначально продюсеры собирались закрыть шоу в июне 2000 года, однако новость о закрытии мюзикла привела к росту продаж, и «CATS»
продлили жизнь еще на 10 недель.
Летом 2000 года «CATS» были одним из самых прибыльных шоу на Бродвее. Наплыв туристов и фанатов привел к тому, что в неделю мюзикл
приносил более $ 550 тыс.
Доход от постановок в США и Канаде превысил $ 400 млн.
За 18 лет в США через труппу «CATS», состоящую из 36 человек, прошло 245 актеров.
Всего в Америке прошло пять национальных турне «CATS».
Первый гастрольный тур, который длился с 1983 по 1987 гг., принес около $ 8 млн.
Пять трупп, демонстрирующих гастрольный вариант мюзикла, продали более 25 миллионов билетов только в США.
Мюзикл CATS фильм!

Название: Суини Тодд, демон-парикмахер с Флит-стрит
Оригинальное название: Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street
Год выхода: 2007Жанр: Tриллер, мюзикл, криминал
Режиссер: Тим БартонВ ролях: Джонни Депп , Хелена Бонем Картер, Алан Рикман, Тимоти Сполл, Саша Барон Коэн, Джэми Кэмпбелл Бауэн, Лаура Мишель Келли, Джэйн Вайзенер, Эд Сандерс
О фильме:
Оскар, 2008 год
Победитель (1):
Лучшие декорации
Номинации (2):Лучший актер (Джонни Депп)
Лучшие костюмы

Золотой глобус, 2008 год
Победитель (2):
Лучший фильм (комедия или мюзикл)
Лучшая мужская роль (комедия или мюзикл) (Джонни Депп)
Номинации (2):
Лучшая женская роль (комедия или мюзикл) (Хелена Бонем Картер)
Лучший режиссер (Тим Бёртон)

Британская академия, 2008 год Номинации (2):Лучшие костюмы
Лучший грим/прически


Когда-то в Лондоне жил молодой и наивный брадобрей Бенджамин Баркер. Он был женат на прелестной женщине по имени Люси,
которая родила ему такую же прелестную дочку. На его беду, прелесть его жены также оценил сластолюбивый судья Терпин — и
отправил Бенджамина Баркера на пожизенную каторгу, чтобы без помех овладеть его женой. Женщина, не выдержав позора,
отравилась мышьяком, а маленькую дочь Баркера, Джоанну, судья забрал к себе и удочерил — возможно, чтобы успокоить свою совесть.
Пятнадцать лет спустя Баркер бежал с каторги, под именем Суини Тодда добрался до Лондона — и не нашел у себя дома ни жены,
ни дочери. Миссис Ловвет, хозяйка маленькой пекарни этажом ниже, вначале не узнавшая его, рассказала ему его собственную историю.
Тодд был уничтожен и поклялся страшно отомстить своим обидчикам — судье Терпину и приставу Бэмфорду, который помогал судье в его
недостойных делах. По совету миссис Ловвет, не скрывающей своей привязанности к беглецу, он вернулся к своему прежнему ремеслу —

ПРИЗРАК ОПЕРЫ




Дата создания: 2004 год;

Страна: США/Великобритания;

Жанр: Фэнтези, мелодрама, драма, мюзикл;

Режиссер: Джоэль Шумахер;

Сценарий: Джоэль Шумахера, Гастон Леру, Эндрю Ллойд Веббер;

Композитор: Эндрю Ллойд Веббер;

Оператор: Джон Матисон;

Актеры: Джерард Батлер, Эмми Россум, Патрик Уилсон, Миранда Ричардсон, Минни Драйвер, Дженнифер Эллисон, Саймон Кэллоу, Хиндс, Мюррей Мелвин, Кевин МакНелли;

Сюжет: Голос тайного ангела пел песни Кристине. Только она не знала, что ее тайный ангел - всего лишь Призрак - гений, который жил в подвале театра и наводил ужас на всех артистов, которые там работали.

Инетерсно, что:
Этот фильм был номенирован на премию Оскар в трех номинациях;
Минни Драйвер (Карлотта) исполняла своим голосом только одну песню - "Learn to be lonly".
Джерард Батлер в гримерной проводил около четырех часов в день. Больше всего он там провел времени, когда снимался последний эпизод ("Подземелье/ Down once more... ").
Эмми Россум не поверила, что ее взяли на роль Кристины, и подумала, что это был розыгрыш.
Специально для съемок этого фильма была сделана люстра (ее вес - 2,2 тонны).
Первым актером, которого утвердили на роль, стал Патрик Уилсон.
Также соорудили театр, который в последней сцене (по-настоящему!) был сожжен.
Перед началом съемок Джерар Батлер и Эмми Россум поехали в Парижскую оперы.
Режиссер Джоель Шумахер нервничал перед встречей с Мирандой Ричардсон. Ему казалось, что не он берет ее на роль, а она его.
Лодка во время арии "The Phantom of the Opera" двигалась по специальным рельсам.
На крыше Парижского театра специально на снегу делали следы Ангела музыки.
Эмми Россум во время сьемок ела мороженое, так как корсет не давал возможности глотать другую пищу.
Зажагиющиеся свечи, которые поднимаются из воды, не видео-эффект: это специальные свечи, которые зажигаются при соприкосновении с воздухом. Но так как свечи больше не хотели работать, эту сцену проигрывали только один раз.
Первая сцена сьемок была "Point of No Return", которая снималась три дня.
Ни Джерар Батлер, ни Патрик Уилсон ненавидели сцены в воде. Но все же последний не пользовался услугами каскадеров.

"Призрак оперы" в цифрах:
2004 год - год выхода фильма в свет.
143 минуты длится фильм.
3 номинации на Оскар.
6350 фунтов - цена маски Ангела музыки на аукционе eBay.
2,2 тонны - вес люстры, а 1,3 миллона долларов - ее цена.
70 000 000 долларов - бюджет фильма.
103 380 072 долларов - сборы в мире.
51 268 815 долларов - сборы в США.
2 267 690 долларов - сборы в России.