Откройте свой Мир!

1) Yann Tiersen 
2) Ludovico Einaudi - Divenire
3) Yiruma- Rive flows in you
4) Carly Comando - every day
5) Yann Tiersen - Rue Des Cascades
6) Helen Jane Long - Expression
7) Back To Life - Giovanni Allevi
8) Wim Mertens - Struggle for pleasure
9) Dire straits - Tunnel of love (piano)
10 ) Linkin Park - Numb (Piano)

Летом 1986 года, впервые приземлившись в московском аэропорту, Пако де Лусия вышел к встречающим его московским гитаристам и официальным лицам в черной футболке, на которой белыми буквами было написано "flamenco". Да, герой настоящего рассказа - это гитарист фламенко. Но это слишком простое, "черно-белое" видение описываемого мастера. Пако - гитарист фламенко, который значительно перерос жанровые рамки, и, с некоторыми оговорками, может быть отнесен в своем нынешнем творчестве к стилю фьюжн. Особенно, если допустить такую параллель - как, к примеру, Джон Маклафлин соединил джаз-рок с индийскими мотивами, так и Пако де Лусия нашел синтез современной музыки с манерой игры фламенко и бразильскими ритмами.
В то же самое время, Пако де Лусия по-прежнему расценивает традиции фламенко с должным уважением, в том числе уважительно отзывается об исполнителях puro flamenco (то есть "чистого", почти народного фламенко) - Сабикасе, Нинье Рикардо, Серранито и др. Хотя сам он делает для популяризации этого жанра гораздо больше, чем те, кто широко не выступал на мировой эстраде. В течении многих поколений гитаристы фламенко были прежде всего аккомпаниаторы для певцов или танцовщиц. В первые послевоенные годы Карлос Монтойя впервые в истории жанра начал выступать как гитарист фламенко с сольными выступлениями. Это было замечательное новаторство. Но Монтойя продолжал играть в привычной технике фламенко - например, при воспроизведении многочисленных хроматических пассажей, характерных для музыки этого направления, он широко использовал извлечение звуков левой рукой - легато. На высокой скорости такие пассажи становились невнятными.
Одно из новаторств Пако де Лусия заключалось в том, что он не пошел по пути наименьшего сопротивления и стал играть арпеджио и пассажи, извлекая практически каждый звук пальцами правой рукой. Это стало самым сильным моментом в его технике - отдельные звуки в пассажах "сыпятся" из гитары как сухой горох в пустую кастрюлю - звучат четко, не сливаясь даже на феноменально высокой скорости. Впоследствии в восьмидесятые годы Пако сотрудничал с американскими гитаристами в двух проектах "супергруппы". Это были необычные концерты, на которых он играл с Элом ДиМеола, Джоном Маклафлином и Лэрри Кориеллом. И вот тогда стало очевидно - Пако играет пальцами (с не очень длинными ногтями) так же четко и быстро, как и его коллеги-виртуозы, игравшие медиатором.
То, что маленьким куском плекса нельзя сделать то, что можно сделать пальцами, было всем достаточно очевидно. А вот верно ли обратное - то, что правой рукой можно воспроизвезти то, что играется медиатором, было всегда вопросом. До упомянутого проекта "супергруппы", пожалуй.
Но я сильно забегаю вперед. Рассказ о каждом из выдающихся людей принято начинать с описания его детства и родины, молоком которой он вскормлен.
НАЧАЛО
Итак, музыка фламенко родилась в южной Испании - Андалусии. А Пако де Лусия родился в 1947 году в южной Андалусии - в городе Альхесирасе на Средиземноморье. (Темпераментные, надо сказать, места: считается, что откуда-то из этих мест, из соседней Малаги, еще в прошлом веке пошла гулять по всему миру поговорка "жечь свечу сразу с двух сторон").
Настоящее имя Пако де Лусия - Франциско Санчес Гомес. Но, наверное, еще ни один гитарист фламенко не выступал под фамилией, значащейся в его свидетельстве о рождении. Как правило, они берут сценическое имя, состоящее из своего уменьшительного прозвища и названия городка, откуда они родом - к примеру, Маноло Санлукар. Еще очень характерны имена с приставкой нинье (в переводе с испанского - "мальчик") - к примеру, один из учителей Пако де Лусия - Нинье Рикардо, который умер в довольно зрелом возрасте, продолжал оставаться для всей Испании "нинье".
Пако рос рядом со звучащей музыкой и попробовал играть на гитаре уже в возрасте пяти лет. Как только он достиг некоторого продвижения в технике, его родители и вообще каждый, кто его слышал, поняли, что он имеет исключительный талант и пристрастие к гитаре. Поэтому уже в начале жизненного пути отец Пако устанавливает для сына предельную цель - он хочет, чтобы Пако стал самым известным в мире гитаристом фламенко. В результате, закончить среднюю школу Пако не удалось - в десять-двенадцать лет он перестал там появляться, почти всё свое время посвящая гитаре.
Двое из братьев Пако также показали хорошие способности к музыке: Ramon (гитарист) и Pepe (певец). Рамон как старший брат взял себе "традиционное" сценическое имя - Рамон де Альхесирас, а Пако (это уменьшительное имя от Фрациско) оставалось выбрать что-нибудь еще. И он стал Пако де Лусия. Им он теперь и останется для всего гитарного мира.
В то время как у Пако, должно быть, имела место некоторая конкуренция со старшим братом, они как коллеги работали вместе многие годы и помогали друг другу в критических точках их карьеры. А сегодня три брата составляют половину состава секстета Paco de Lucia.
Пако впервые привлек к себе внимание любителей фламенко, когда он выступил на конкурсе в Хересе в 14 лет. По правилам конкурса, он был слишком молод для участия в нем, и сыграл как бы вне соревнования, получив специальную благодарственную грамоту за свои усилия.
Его профессиональная карьера реально началась год спустя, когда он был приглашен присоединиться к труппе танца Хосе Греко (Jose Greco). Вскоре стало очевидно, что Пако имел способности виртуоза. В возрасте 16 лет (в 1965 г ) он подписал контракт с Philips (ведущей европейской компания грамзаписи) и сделал запись своего первого альбома (впоследствии за свою карьеру Пако сделал на Philips более тридцати альбомов). Пако работал для Греко в течении трех сезонов, но затем решил начать сольную карьеру (как это сделал Sabicas десятью годами ранее).
АМЕРИКА
Между прочим, в тот день, когда состоялся американский дебют де Лусия - в Карнеги Холл в Нью-Йорке в 1970 году - Сабикас был в зале. Там Пако выступил дуэтом с братом Рамоном и имел успех, позволивший ему заключить контракт на туры по Америке, которые впоследствии стали регулярными. Однако, несмотря на их успешность, Пако не был широко известен в Соединенных Штатах в течение семидесятых. А его пластинки печатались главным образом в Европе и Японии.
Все решил для него по существу случай; когда в восьмидесятых годах Пако сотрудничал с американскими гитаристами в двух упоминавшихся выше проектах "супергруппы". Он также работал с клавишником из оркестра Чика Кориа (Chick Corea) и с другими видными музыкантами. Эти туры дали американской публике большее понимание музыки фламенко и акустической музыки вообще. А наибольшую известность получили записанные тогда альбомы "Passion, Grace and Fire" (студийная запись) и "Friday night in San Francisco" (концертная запись, действительно сделанная "в ночь на пятницу в Сан-Франциско"). В первом из этих альбомов участие Пако почти минимально - он блистает только в композиции, давшей название альбому. А вот во втором из них записана такая игра, что ее можно назвать ошеломительным взлетом Пако де Лусия, несмотря на жесткую критику музыкальных рецензентов по поводу его работы именно в этом проекте. Но критики оценивают знание джазовой гармонии или технику игры, а люди, которые увидели живую "смычку" джаз-рока и фламенко, вполне впечатлялись эпохальностью этого события. Недаром этот альбом (названный одним рецензентом "музыкальной пиротехникой") был сравнительно быстро издан даже отечественной фирмой грамзаписи "Мелодия", а один из подобных концертов "супергруппы" распространялся по всему миру на видео.
Кстати, надеюсь, что все понимают, что я имел в виду под выражением "живая смычка". В начале века Мануэль де Фалья перевел на язык европейской симфонической музыки напевы фламенко - и это была веха. В новые времена Чик Кориа в своем двойном альбоме "Мое испанское сердце" перевел на суперсовременный в то время язык джаз-рока испанские мотивы. (Это тоже была веха, хотя и не такая огромная, как появление "Болеро" Равеля или "Любви-Колдуньи" де Фальи). Но в описываемых турне происходило взаимопроникновение стилей непосредственно в рамках совместных импровизаций, и это впечатляло, несмотря на то, что огрехи и недостатки такой игры можно обнаружить, даже не будучи музыкальным критиком. (Трио де Лусия-ди Меола-Маклафлин репетировало до начала туров в основном не для того, чтобы разучить отдельные номера, а для того, чтобы подстроится для совместной импровизации - к примеру, Пако де Лусия привык к тому, что во фламенко импровизируют и звуками, и ритмом, тогда как последнее было нетипично для джаз-роковой школы).
К слову, Латинская Америка тоже (хотя и по своему) признала Пако де Лусия. В первый раз, когда он работал в Южной Америке, только 30 человек пришло на его концерт - заняв собой лишь два ряда! Теперь в Мексике и Аргентине он собирает полные залы на 6000 мест в каждый день гастролей.
ИНТЕРВЬЮ
Но Пако оказался неожиданно непреклонен по одному пункту. Он - фламенко-гитарист и точка, а не гитарист слияния фламенко и джаза.
На встрече с московской общественностью "в испанском подворье" (есть в Москве такой дом, построенный еще до революции одним богатым москвичом в форме португальского замка - там в наше время находится Дом дружбы между народами) ему задали два любопытных вопроса. Один из них был: "зачем вы играли с американскими гитаристами?". Ответ звучал приблизительно так - дескать, я никогда не смогу (и не успею) изучить современную музыку академическим путем, и поэтому могу сделать это только играя с представителями современной музыки.
Второй интересный вопрос был по поводу альбома "Paco de Lucia performs Manuel de Falla". Пако спрашивали, как он, будучи гитариристом-самородком, не знающим нот, смог сыграть произведения знаменитого испанского классика. На это Пако ответил, что он, конечно, может по слуху кое-что сыграть, но в данном случае это было бы неуважением к творчеству Мануэля Де Фальи. Поэтому ради такого дела он выучил, что означают эти нотные значки.
В своих зарубежных интервью Пако говорил по поводу этих двух тем гораздо подробнее - рассказывал о том, что он хочет попробовать другую музыку, и он чувствует, что может расширить искусство фламенко, взаимодействуя с другими музыкантами. Согласно его взглядам, это должно быть сделано с самими большими мерами предосторожности и вкуса; но через эти международные контакты, по его мнению, музыка фламенко может развиваться. "Но это не должно отрицать законное место flamenco puro, - говорит Пако, - оно также имеет жизненную роль. Ведь это - основа, на которой все фламенко-гитаристы должны учиться и которую все серьезные гитаристы должны испытать". Опыт фламенко, конечно, расширил горизонты и его партнеров по проектам трио. С этим соглашается в своих интервью даже Джон Маклафлин, который, судя по всему, не обладает южным латиноамериканским темпераментом, как его партнер ДиМеола.
"Я путешествую по всему миру, давая концерты, - говорит Пако, - и когда я встречаю музыкантов в какой-нибудь стране, я хочу знать то, что они делают, какую музыку они играют. Я играл со многими гитаристами, и этот опыт был полезен. Но музыка фламенко - мой путь жизни, и это - корень моих чувств музыки. Я не чувствую в себе способности полно изучить музыку другой культуры, даже если бы я этого захотел. И я должен быть очень осторожен относительно элементов, которые я привношу в свою музыку, потому что моя музыка должна оставаться фламенко… И вы должны понять, что жизнь цыгана - жизнь в анархии. В этом причина, почему путь музыки фламенко - путь без дисциплины. Мы не пробуем устроить организованный обмен мнениями, мы не идем в школу учиться фламенко. Мы только живем, и музыка - всюду в наших жизнях. Но когда я сделал альбом из музыки де Фалья, я заставил себя научиться читать примечания в нотах, делая некоторые упражнения. В течение того года моей жизни я изучал дисциплину музыки, и возможно я снова буду делать кое-что подобное. Но относительно моей музыки имеется много вещей, которых я не ощущаю; я играю аккорд, и кое-что внутри сообщает мне, что это является правильным".
ПРОФЕССИОНАЛ
В чем характерные особенности и новаторство Пако де Лусия?
Право, он оригинален даже в мелочах. Он привнес на эстрадную сцену посадку "нога на ногу". Во время игры он нередко притопывает своим черным ботинком.
Его отличает нетипичное для гитариста фламенко пренебрежение каподастром или сехильей. Вообще, тембр музыки фламенко таков, что чаще всего она играется в районе тональностей Hm или Cm, и у некоторых гитаристов фламенко сеха буквально так и стоит постоянно на втором ладу. Пако извлекает свою сехилью один раз за концерт и очень редко чаще.
Пако не использует традиционную (немного по-азиатски "гнусавую") гитару фламенко. Его гитары - с характеристиками фламенко и классической, так как он нуждается в более богатом звуке для игры со своей группой. На концертах и при записи Пако держит деку довольно далеко от микрофона, потому что, по его словам, ненавидит скрип и шуршание ногтей на струнах. "Кроме того, - говорит Пако, - когда вы слушаете гитару, вы не слушаете ее на расстоянии два дюйма. Звук, который вы слышите, более удаленный, и я предпочитаю именно такой звук". Звукорежиссеры говорят Пако, что сделают ему объемный звук передвижением нескольких ручек на пульте, но тот стоит на своем.
Пако играет, используя эффект эха для того, чтобы звук гитары угасал позже.
Всем средствам перкуссии он предпочитает бразильский ударник.
Пако сделал основным ритмом своих композиций фламенковый танец булериас, который гитаристы фламенко играют, когда хотят блеснуть - Пако блистает почти в каждой исполняемой теме.
Румба де Лусия под необычным названием "Между двух вод" стала такой же популярной, как "Бессамэ муче".
Но все не то, не то!!! Не в этом суть. Попробую сказать о главном.
Пако достиг того, что он стал сочинять не просто музыку в ритме танцев, но композиции - так, что даже стали интересны их названия. Например, на альбоме "Almoraima" в произведении "Пещера кота" в долгих тремоло слышатся звуки ручейков и капель, стекающих по стенам пещеры, а в испанской румбе "Широкая река" почти физически ощущается, как небольшой ручей, спотыкающийся о камешки и возвышенности, вырастает в широкое мощное течение большой реки.
Де Лусия сумел удачно выразить в манере игры фламенко классические произведения, начиная от двенадцати народных испанских песен из коллекции Федерико Гарсия Лорка и кончая "Аранхуэсским концертом" Хоакина Родриго.
Пако основал жанр, который в девяностых годах получил название New Flamenco (название, надо признать, неуклюжее, как "New Russian"). Жанр получил всеобщее мировое признание, хотя его последователи выступают некоторой общей массой - раскрученных в мировом масштабе имен среди них нет. (При этом сам де Лусия уже в восьмидесятые годы нарушил цельность созданного им жанра, выступая под аккомпанимент флейты и бас-гитары - но это обратная сторона деятельности всякого талантливого человека, который не может останавливаться на достигнутом).
CODA
Пако де Лусия стал для всего мира олицетворением гитары фламенко. Благодаря его творчеству этот жанр теперь начал развиваться в странах, где этого никогда не случалось прежде. Андреас Сеговия в свое время переменил отношение к классической гитаре, исполнив на ней пьесы Баха и другие выдающиеся произведения, для нее специально не предназначенные, придав ей солидности и уважения в глазах общества - в первую очередь испанского, как ни странно. Аналогично Пако де Лусия придал социальной допустимости и значимости гитаре фламенко: на эту музыку общество тоже перестало смотреть свысока.
В том, что эту перемену можно приписать заслугам Пако де Лусия, нет никакой "спортивной" справедливости. Скажем, немного более молодой Маноло Санлукар шел буквально за ним по пятам - также начав с аккомпанемента танцорам, он создает сначала эстрадные композиции фламенко для трех гитар, а позже и целый балет для симфонического оркестра и гитары фламенко. В конце семидесятых сам Пако де Лусия восхищался, к примеру, техникой Марио Эскудеро, а, скажем, я лично в начале восьмидесятых был поражен искусством игры и композиторским даром некого Нинье Мигеля, который одно время казался мне лучше, чем де Лусия. Я уже не говорю о самородном таланте Манитаса де Плата, чье имя в семидесятые-восьмидесятые годы стало в гитарных кругах Франции настоящей легендой.
Но все-таки Пако де Лусия стоит первым в списке гитаристов фламенко. И в этом есть какая-то другая справедливость. В одном из интервью он заявил, что 90 % своей жизни уделяет гитаре. Вместе с началом своего профессионального пути в пятилетнем возрасте это напоминает цельный жизненный путь каких-нибудь выдающихся мастеров боевых искусств Востока (с той лишь разницей, что Пако де Лусия не берет учеников). Именно такие люди основывают новые направления и открывают горизонты. И Пако - несомненно один из таких людей.
Перед приездом де Лусия в Советский Союз он был раскручен почти предельно, как это можно было тогда сделать - к тому времени (кроме упомянутой выше "снобистской" пластинки "Ночь в Сан-Франциско") на фирме "Мелодия" вышел также диск-гигант его лучших произведений, включая знаменитые "Фанданго" и "Между двух вод". Концерт секстета Пако де Лусия в зале "Россия" в 1986 году был показан по отечественному телевидению. И дальше всё. И тишина. В течении последнего десятилетия я не встречал ни единого его альбома в киосках звукозаписи нашей Родины.
Над Москвой конца девяностых разносится чистый звук испанской гитары Армика, который медиатором играет музыку, на две трети уходящую корнями в латинос, и лишь на треть условно относящуюся к жанру фламенко. Это тоже хорошо, но немного сбивает ориентиры. Ведь есть музыка фламенко, от которой не только быстрее бежит кровь по жилам, но и слушатель покрывается "гусиной кожей".
Избранная дискография Пако де Лусия
"Los Chiquitos de Algeciras" with Pepe de Lucia (1961)"Dos guitarras flamencas en stereo" with Ricardo Mondrego (1965)"Doce Exitos para dos guitarras flamencas" with Ricardo Mondrego (1965)"Musica Clasica transcrita para guitarra" with Ramon de Algeciras (1966)"Canciones andaluzas para dos guitarras" with Ramon de Algeciras (1966)"Dos guitarras flamencas in America Latina" with Ramon de Algeciras (1966)"La Fabulosa guitarra de Paco de Lucia" (1967)"Fantasia Flamenca de Paco de Lucia" (1969)"El duende фламенко de Paco de Lucia (1972)"Fuente y caudal" (entre dos Aguas) (1973)"Paco de Lucia en vivo desde el Teatro Real" (1975)"Almoraima" (1976)"Paco de Lucia performs Manuel de Falla" with the group Dolores (1978)"Solo Quiero Caminar" (1981)"Friday night in San Francisco (1981) with J. McLaughlin and Al Di Meola"Passion, Grace and Fire" (1983) with J. McLaughlin and Al Di Meola"La guitarra de oro de Paco de Lucia" (1982)"Live one Summer Night" (1984)"Paco de Lucia en Moscu" (1986)."Siroco" (1990)"Ziryab" (1990)"Concierto de Aranjuez" (1991)"Live in America" (1993)"The Guitar Trio (1996)
Существует ряд альбоbмов, где Пако де Лусия аккомпанирует Fosforito, Naranjito de Trina, El Lebrijano (with Nino Ricardo), El Sevillano, Carmen Moreno, Chato de la Isla, Manolo Vega and Camaron (1968-92).

Инва Мула (Inva Mula) - албанская оперная певица, сопрано. Занимает значительное место в оперном мире, однако, вне оперной сцены больше всего известна за исполнении арии в фильме "Пятый элемент".

Инва Мула родилась 27 июня 1963 года в Тиране, Албания, её отец Авни Мула - известный албанский певец и композитор, имя дочери - Инва является обратным прочтением имени отца. Вокал и фортепиано изучала в своём родном городе сначала в музыкальной школе, затем в консерватории под руководством своей матери - Нины Мула. В 1987 году Инва победила на конкурсе "Певец Албании" в Тиране, в 1988 - на Международном конкурсе имени Джордже Энеску в Бухаресте. Дебют на оперной сцене состоялся в 1990 году в театра оперы и балета в Тиране с ролью Лейлы в "Искателях жемчуга" Ж.Бизе. Вскоре Инва Мула покинула Албанию и устроилась работать певицей в хоре Парижской национальной оперы (Опера Бастилии и Опера Гарнье). В 1992 году Инва Мула получила первую премию на конкурсе "Баттерфляй" в Барселоне.

Главным успехом, после которого к ней пришла известность, стало призовое место на первом конкурсе Пласидо Доминго "Опералия" в Париже в 1993 году. Финальный гала-концерт этого конкурса прошёл в Опере Гарнье, был выпущен диск и тенор Пласидо Доминго с победителями конкурса, в том числе с Инвой Мула повторили эту программу в Опере Бастилия, а так же в Брюсселе, Мюнхене и Осло. Этот тур привлек к ней внимание и певицу стали приглашать для выступлений в разные оперные театры мира.

Диапазон ролей Инвы Мула достаточно широк, она поет Вердиевских Джильду в "Риголетто", Нанетту в "Фальстафе" и Виолетту в "Травиате". Другими её ролями являются Микаэла в "Кармен", Антония в "Сказках Гофмана", Мюзетта и Мими в "Богеме", Розина в "Севильском цирюльнике", Недда в "Паяцах", Магда и Лизетта в "Ласточке" и многие другие.

Карьера Инвы Мула успешно продолжается, она регулярно выступает в европейских и мировых оперных театрах, включая Ла Скала в Милане, Венскую государственную оперу, Арена ди Верона, Лирическую оперу Чикаго, Метрополитен опера, Лос-Анжелесскую оперу, а также театры Токио, Барселоны, Торонто, Бильбао и других.

Инва Мула выбрала своим домом Париж, и сейчас уже считается больше французской певицей, нежели албанской. Она постоянно выступает во французских театрах в Тулузе, Марселе, Лионе и, конечно, в Париже. В 2009/10 гг. Инва Мула открыла сезон Парижской оперы в "Опере Бастилия", в главной роли в редко исполняемой опере Шарля Гуно "Мирей" (Mireille).

Инва Мула выпустила несколько альбомов, а также телевизионных и видео-записей своих выступлений, вышедших на DVD, в том числе оперы "Богема", "Фальстаф" и "Риголетто". Запись оперы "Ласточка" с дирижером Антонио Паппано и Лондонским симфоническим оркестром в 1997 году получила премию Граммафон как "Лучшая запись года".

До середины 1990-х Инва Мула была замужем за албанским певцом и композитором Пирро Тчако и в начале карьеры использовала либо фамилию мужа, либо двойную фамилию Мула-Тчако, после развода стала использовать только своё имя - Инва Мула.

Инва Мула, за пределами оперной сцены, сделала себе имя, озвучив роль Дивы Плавалагуны (высокой голубокожей инопланетянки с восемью щупальцами) в фантастическом фильме Жан-Люка Бессона "Пятый элемент" с участием Брюса Уилисса и Милы Йовович. Певица исполнила арию "О, справедливое небо!.. Сладкий звук" (Oh, giusto cielo!.. Il dolce suono) из оперы "Лючия ди Ламмермур" Гаэтано Доницетти и песню "Танец Дивы", в которой, скорее всего, голос подвергся электронной обработке для достижения невозможной для человека высоты звучания, хотя создатели фильма утверждают обратное. Режисер Люк Бессон хотел, чтобы в фильме звучал голос его любимой певицы Марии Каллас, но качество доступных записей было не достаточно хорошим для использования в саундтреке фильма и для озвучания была приглашена Инва Мула.

Объявлены победители Международного оперного конкурса Operalia, прошедшего с 18 по 24 июля в Московском академическом музыкальном театре имени Станиславского и Немировича-Данченко. Об этом сообщает РИА Новости.

В России конкурс прошел впервые за почти 20-летнюю историю своего существования, в рамках перекрестного Года Россия – Испания.

Каждый из 13 финалистов исполнил по одному произведению, за исключением тех, кто претендовал на лучшее исполнение сарсуэлы. Пласидо Доминго находился за дирижерским пультом.
Первые места в номинациях «Мужской вокал» и «Женский вокал» и денежные премии в размере $30 тысяч были присуждены американцу Рене Барбера и Прети Йенде из Южной Африки.

Вторые места и по $20 тысяч долларов получили россиянин Константин Шушаков и Ольга Бусуеч из Молдавии. Третьей премии и приза в размере $10 тысяч удостоились Джаесиг Ли из Южной Кореи и россиянка Ольга Пудова.

Премию Пепиты Эмбил де Доминго, матери Пласидо Доминго, за лучшее исполнение сарсуэлы ($10 тысяч) также получил Барбера, а среди женщин приз за лучшее исполнение сарсуэлы поделили Бусуеч и Йенде.

Премия Culturarte ($10 тысяч) была присуждена баритону из Чили Хавьеру Аррею, а премия Биргит Нильсон за репертуар из опер Вагнера и Штрауса ($15 тысяч) досталась Джогмин Парку из Южной Кореи.

В этом году на участие в конкурсе было подано более 800 заявок, после отбора остался 41 конкурсант из 20 стран мира, в том числе девять участников от России.

Ежегодный международный оперный конкурс Operalia был основан Пласидо Доминго в 1993 году и послужил стартовой площадкой для многих певцов, впоследствии получивших всемирную известность.Operalia со штаб-квартирой в Париже ежегодно проводится в различных культурных столицах, от Гамбурга и Мадрида до Вашингтона и Токио.

В российскую столицу конкурс попал в том числе из-за дружбы Доминго с Галиной Вишневской. Центру оперного пения Галины Вишневской была поручена организация конкурса в столице, а сама Вишневская заняла почетное место в составе международного жюри.

В прошлом году победителями на конкурсе Operalia, который проходил в Милане, стали сопрано Соня Йончева (Болгария) и тенор Стефан Поп (Румыния).

3 августа в возрасте 68 лет в Москве скончался народный артист СССР, профессор Московской консерватории, пианист Николай Арнольдович Петров. 15 мая, находясь на гастролях в Минске, музыкант перенес инсульт. После этого он был госпитализирован и долгое время находился в тяжелом состоянии. Пианист пришел в сознание только 25 мая. Из Белоруссии в Москву Николая Петрова перевезли 7 июня специальным рейсом МЧС России. Тогда его состояние было признано удовлетворительным.

Родилась 15 марта 1918 года в Москве. Отец - Макарьян Агаси Маркович. Мать - Макарьян Елена Гайковна. Сестра - Дагмара Александровна. Сыновья: Долуханян Михаил, Ядров Сергей. Внуки: Александр, Игорь.

Мать Зары обладала редким по красоте голосом. Она занималась пением у А.В.Юрьевой, известной в прошлом солистки, соратницы и друга А.В.Неждановой, а фортепианному искусству ее обучала совсем юная в те годы В.В.Барсова, в будущем примадонна Большого театра. Отец был инженером-механиком, обожал музыку, самостоятельно овладел игрой на скрипке и фортепиано, был флейтистом любительского симфонического оркестра. Таким образом, обе дочери талантливых родителей, Дагмара и Зара, с первых дней жизни существовали в атмосфере, насыщенной музыкой, с ранних лет приобщались к подлинной музыкальной культуре. С пяти лет маленькая Зара стала брать уроки игры на фортепиано у О.Н.Карандашевой-Яковлевой, а в десятилетнем возрасте поступила в детскую музыкальную школу имени К.Н.Игумнова. Уже на третьем году обучения под руководством своего педагога С.Н.Никифоровой играла сонаты Гайдна, Моцарта, Бетховена, прелюдии и фуги Баха. Вскоре Зара перешла в скрипичный класс и через год стала студенткой музыкального техникума имени Гнесиных, в котором проучилась с 1933 по 1938 год.

В музыкальном техникуме ее наставником стал незаурядный мастер, воспитавший целую плеяду известных скрипачей-лауреатов, Петр Абрамович Бондаренко, профессор института имени Гнесиных и консерватории. Наконец, шестнадцатилетняя Зара, приобщившись сначала к двум инструментальным профессиям, нашла свою главную стезю. Заслуга в этом камерной певицы и педагога В.М.Беляевой-Тарасевич. Педагог, опираясь на естественно и красиво звучавшие грудные ноты, определила ее голос как меццо-сопрано. Занятия с Верой Мануиловной помогли голосу будущей певицы окрепнуть, заложили прочную основу для дальнейшего интенсивного развития.

Годы учебы Зары в музыкальном техникуме совпали с расцветом отечественной композиторской и исполнительской школы. В консерватории и Колонном зале Дома союзов наряду с отечественными артистами выступали зарубежные знаменитости, мастеров старшего поколения сменяли юные лауреаты, в будущем соратники певицы. Но пока, в 30-е годы, она и не помышляла о профессиональной сцене и отличалась от своих коллег - начинающих студентов разве что большей работоспособностью и серьезностью, неуемной жаждой новых впечатлений. Из отечественных певцов Заре в те годы были ближе всего Н.А.Обухова, М.П.Максакова, В.А.Давыдова, Н.Д.Шпиллер, С.Я.Лемешев. Недавняя инструменталистка, юная Зара черпала богатые эмоциональные впечатления и на концертах скрипачей, пианистов, камерных ансамблей.

Профессиональное становление Зары Александровны, рост и совершенствование ее мастерства были связаны уже не с учебным заведением. Не окончив техникума, она уехала в Ереван по причинам личного характера - встреча с Александром Павловичем Долуханяном, молодым, красивым, талантливым, любовь и замужество резко изменили привычный жизненный ритм аккуратной, старательной студентки. Учеба была прервана незадолго до выпускных экзаменов. Долуханян взял на себя функции педагога-вокалиста и убедил супругу в предпочтительности семейного варианта "консерватории", тем более, что он был человек в высшей степени компетентный в вокально-технологических вопросах, умевший и любивший заниматься с певцами, да к тому же эрудит, музыкант крупного масштаба, всегда убежденный в своей правоте. Он окончил как пианист Ленинградскую консерваторию, а в 1935 году еще и аспирантуру у С.И.Савшинского, авторитетнейшего профессора, руководителя кафедры, а вскоре после женитьбы стал совершенствоваться по композиции у Н.Я.Мясковского. Уже в Ереване, ведя в консерватории фортепианный и камерный классы, Долуханян много концертировал в ансамбле с молодым Павлом Лисицианом. Зара Александровна вспоминает этот период жизни, отданный творчеству, накоплению мастерства, как счастливый и плодотворный.

С осени 1938 года в Ереване певица невольно приобщилась к театральной жизни и ощутила лихорадочную атмосферу подготовки к декаде армянского искусства в Москве, переживая за своих родственников - участников форума: ведь на год раньше ее брака с Долуханяном замуж за восходящую звезду армянской сцены - баритона Павла Лисициана - вышла старшая сестра Дагмара. Обе семьи в полном составе в октябре 1939 года отправились в Москву на декаду. А вскоре и сама Зара стала солисткой Ереванского театра.

Долуханова выступала в роли Дуняши в "Царской невесте", Полины в "Пиковой даме". Обе оперы шли под руководством дирижера М.А.Тавризиана, художника строгого и взыскательного. Участие в его постановках - серьезное испытание, первый экзамен на зрелость. После небольшого перерыва, связанного с рождением ребенка и проведенного с мужем в Москве, Зара Александровна вернулась в Ереванский театр, это было в самом начале войны, и продолжила работу над оперными партиями меццо-сопранового репертуара. Музыкальная жизнь столицы Армении в то время протекала с большой интенсивностью за счет выдающихся музыкантов, эвакуированных в Ереван. Молодой певице было у кого учиться, не замедляя своего творческого роста. За несколько сезонов работы в Ереване Зара Долуханова подготовила и исполнила партию Графини де Чепрано и Пажа в "Риголетто", Эмилии в "Отелло", Второй девушки в "Ануш", Гаянэ в "Алмаст", Ольги в "Евгении Онегине". И вдруг в возрасте двадцати шести лет - прощание с театром! Почему? На этот загадочный вопрос первым ответил, почувствовав грядущую перемену, тогдашний главный дирижер Ереванской оперы Микаэл Тавризиан. В конце 1943 года он явственно ощутил качественный скачок, сделанный молодой артисткой в освоении исполнительской техники, отметил особый блеск колоратур, новые краски тембра. Стало ясно, что поет уже сформировавшийся мастер, которого ждет блестящее будущее, но вряд ли связанное с театром, скорее с концертной деятельностью. По мнению самой певицы, камерное пение давало простор ее тяге к индивидуальной интерпретации и свободной, нестесненной работе над голосовым совершенством.

Стремление к вокальному совершенству - одна из главных забот певицы. Этого она достигла в первую очередь при исполнении произведений А. и Д. Скарлатти, А.Кальдара, Б.Марчелло, Дж. Перголези и др. Записи этих произведений могут стать незаменимым учебным пособием для певцов. Явственнее всего класс певицы выявился в исполнении произведений Баха и Генделя. В концертах Зары Долухановой звучали вокальные циклы и произведения Ф.Шуберта, Р.Шумана, Ф.Листа, И.Брамса, Р.Штрауса, а также Моцарта, Бетховена, Стравинского, Прокофьева, Шостаковича, Свиридова и др. Русской камерной музыке в репертуаре певицы посвящались целые развернутые программы. Из современных композиторов Зара Александровна исполняла еще произведения Ю.Шапорина, Р.Щедрина, С.Прокофьева, А.Долуханяна, М.Таривердиева, В.Гаврилина, Д.Кабалевского и др.

Артистическая деятельность Долухановой охватывает сорокалетний период. Она пела в лучших концертных залах Европы, Северной и Южной Америки, Азии, Австралии и Новой Зеландии. В большинстве крупнейших музыкальных центров мира певица концертировала регулярно и с большим успехом.

Искусство З.А.Долухановой высоко оценено в стране и за рубежом. В 1951 году она удостоена Государственной премии за выдающуюся концертно-исполнительскую деятельность. В 1952 году ей присвоили звание Заслуженной артистки Армении, а затем, в 1955 году, - Народной артистки Армении. В 1956 году З.А.Долуханова - Народная артистка РСФСР. 6 февраля Поль Робсон вручил Долухановой Почетную грамоту, присужденную ей Всемирным советом мира в связи с десятилетием всемирного движения сторонников мира "За выдающийся вклад в дело укрепления мира и дружбы между народами". В 1966 году первой из советских певиц З.Долуханова была удостоена Ленинской премии. В 1990 году певица получила почетное звание Народной артистки СССР. О неугасаемом интересе к ее творчеству говорит и то, что, например, только за период с 1990 по 1995 год фирмами "Мелодия", "Monitor", "Austro Mechana" и "Russian Disc" в свет были выпущены восемь компакт-дисков.

З.А. Долуханова являлась профессором Российской академии музыки имени Гнесиных и вела класс в Институте имени Гнесиных, активно участвовала в жюри музыкальных конкурсов. У нее более 30 учеников, многие из них уже сами стали педагогами.

Скончалась 4 декабря 2007 года в Москве.

По национальности итальянка. Выступала в кабаре вместе с сестрой. По приглашению Карузо дебютировала в Метрополитен Опера в 1918 (партия Леоноры в "Силе судьбы" Верди), пела здесь до 1936 (среди партий Рашель в "Жидовке" Галеви, Елизавета в "Дон Карлосе", Норма, Луиза Миллер в одноимённой опере Верди, Юлия в "Весталке" Спонтини и другие). В 1929-31 выступала в Ковент Гардене, гастролировала на других крупнейших сценах мира (Флоренция, Чикаго).
Понсель - одна из крупнейших певиц первой половины XX века. В 1937 году покинула сцену. Вела педагогическую деятельность (среди учеников Силс, Милнс, Моррис). После её смерти были опубликованы мемуары певицы (1982). Среди записей партия Виолетты (дирижёр Паниса, Pearl) и другие.

Ди Стефано принадлежит к замечательной плеяде певцов, выдвинувшихся в послевоенный период и ставших гордостью итальянского вокального искусства. В.В. Тимохин отмечает: "Созданные Ди Стефано образы Эдгара («Лючия ди Ламмермур» Доницетти), Артура и Эльвино («Пуритане» и «Сомнамбула» Беллини) снискали ему мировую известность. Здесь певец предстает во всеоружии своего мастерства: поразительно его певучее, плавное легато, выразительная скульптурная фразировка и кантилена, полная страстного чувства, спетая «темным», необычайно насыщенным, густым, бархатистым звуком.

Многие историки вокального искусства находят Ди Стефано-вокалиста, например в роли Эдгара, достойным наследником великого тенора прошлого века Джованни Баттиста Рубини, создавшего незабываемый образ возлюбленного Лючии в опере Доницетти.

Один из критиков в отзыве на запись «Лючии» (с Каллас и Ди Стефано) прямо писал, что, хотя имя лучшего исполнителя роли Эдгара в прошлом столетии окружено сейчас легендарной славой, как-то трудно себе представить, чтобы он мог производить на слушателей большее впечатление, чем Ди Стефано в этой записи. Нельзя не согласиться с мнением рецензента: Эдгар — Ди Стефано действительно одна из самых замечательных страниц вокального искусства наших дней. Пожалуй, если бы артист оставил только одну эту запись, то и тогда его имя стояло бы в ряду крупнейших певцов современности.

Джузеппе Ди Стефано родился в Катании 24 июля 1921 года в семье кадрового военного. Мальчик первоначально также собирался стать офицером, в то время ничто не предвещало его оперной карьеры.

Лишь в Милане, где он учился в семинарии, один из товарищей, большой любитель вокального искусства, настоял, чтобы Джузеппе обратился к опытным педагогам за советом. По их рекомендации юноша, оставив семинарию, стал заниматься вокалом. Родители поддержали сына и даже перебрались в Милан.

Ди Стефано занимался у Луиджи Монтезанто, когда началась Вторая мировая война. Его призвали в армию, но на передовую он не попал. Ему помог один из офицеров, которому очень нравился голос молодого солдата. А осенью 1943 года, когда части Ди Стефано предстояло отправиться в Германию, он бежит в Швейцарию. Здесь и дал певец свои первые концерты, в программу которых вошли популярные оперные арии и итальянские песни.

После окончания войны, возвратившись на родину, он продолжил учебу у Монтезанто. Двадцать первого апреля 1946 года в муниципальном театре города Реджио-Эмилия состоялся дебют Джузеппе с партией де Грие в опере Массне «Манон». В конце года артист выступает в Швейцарии, а в марте 1947 года впервые выступает на сцене легендарного «Ла Скала».

Осенью 1947 года Ди Стефано прослушал директор нью-йоркского «Метрополитен-опера» Эдуард Джонсон, отдыхавший в Италии. С первых же фраз, спетых певцом, директор понял, что перед ним лирический тенор, каких уже давно не было. «Он должен петь в „Метрополитен“, и непременно в этом же сезоне!» — решил Джонсон.

В феврале 1948 года Ди Стефано дебютирует в «Метрополитен-опера» в партии Герцога в «Риголетто» и становится солистом этого театра. Искусство певца отметили не только зрители, но и музыкальные критики.

Пять сезонов подряд Ди Стефано пел в Нью-Йорке, главным образом лирические партии, такие как Неморино («Любовный напиток»), де Грие («Манон» Массне), Альфреда («Травиата»), Вильгельма («Миньон» Тома), Ринуччо («Джанни Скикки» Пуччини).

Известная певица Тоти Даль Монте вспоминала, что не могла удержаться от слез, когда слушала Ди Стефано на сцене «Ла Скала» в «Миньон», — настолько трогательным и одухотворенным было исполнение артиста.

Как солист «Метрополитен» певец выступал в странах Центральной и Южной Америки — с полным успехом. Только один факт: в театре Рио-де-Жанейро впервые за многие годы нарушено правило, запрещавшее бисирование по ходу спектакля.

Начиная с сезона 1952/53 года Ди Стефано снова поет в «Ла Скала», где с блеском исполняет партии Рудольфа и Энцо («Джоконда» Понкьелли). В сезоне 1954/55 года он исполнил шесть центральных теноровых партий, в то время наиболее полно отражавших его возможности и характер репертуарных поисков: Альваро, Туридду, Неморино, Хозе, Рудольфа и Альфреда.

«В операх Верди и композиторов-веристов, — пишет В.В. Тимохин, — Ди Стефано предстает перед слушателями певцом яркого темперамента, живо чувствующим и мастерски передающим все перипетии вердиевско-веристской лирической драмы, покоряющим насыщенным, массивным, свободно „парящим“ звуком, тонким разнообразием динамических оттенков, мощными кульминациями и „взрывами“ эмоций, богатством тембровых красок. Певец славится замечательно выразительной „лепкой“ фразы, вокальной линии в операх Верди и веристов, будь то раскаленная жаром страсти лава или легкое, сладостное дуновение ветерка. Даже в таких широко популярных оперных отрывках, как, например, „Сцена у корабля“ („Манон Леско“ Пуччини), арии Калафа („Турандот“), заключительный дуэт с Мими из „Богемы“, „Прощание с матерью“ („Сельская честь“), арии Каварадосси из первого и третьего действий „Тоски“, артист добивается удивительной „первозданной“ свежести и взволнованности, открытости эмоций».

С середины 50-х годов продолжились успешные гастрольные поездки Ди Стефано по городам Европы и США. В 1955 году на сцене западноберлинской Городской оперы он участвует в постановке оперы Доницетти «Лючия ди Ламмермур». Начиная с 1954 года певец регулярно в течение шести лет выступает в чикагском Лирическом театре.

В сезоне 1955/56 года Ди Стефано возвращается на сцену «Метрополитен-опера», где поет в «Кармен», «Риголетто» и «Тоске». Часто выступает певец и на сцене Римского оперного театра.

Стремясь расширить свой творческий диапазон, к партиям лирического плана певец добавляет роли драматического тенора. На открытии в «Ла Скала» сезона 1956/57 года Ди Стефано спел Радамеса в «Аиде», а в следующем сезоне в опере «Бал-маскарад» исполнил партию Ричарда.

И в ролях драматического плана артист имел огромный успех у слушателей. В опере «Кармен» в конце 50-х годов Ди Стефано ожидал подлинный триумф на сцене Венской государственной оперы. Один из критиков даже писал: ему представляется невероятным, как Кармен могла отвергнуть такого пламенного, нежного, пылкого и трогательного Хозе.

В дальнейшем на протяжении более десяти лет Ди Стефано регулярно пел в Венской государственной опере. Например, только в 1964 году он пел здесь в семи операх: «Бал-маскарад», «Кармен», «Паяцы», «Мадам Баттерфляй», «Андре Шенье», «Травиата» и «Любовный напиток».

В январе 1965 года, спустя десять лет, Ди Стефано вновь поет в «Метрополитен-опера». Выступив в роли Гофмана в «Сказках Гофмана» Оффенбаха, преодолеть трудностей этой партии он уже не смог.

Продолжение последовало в том же году в буэнос-айресском театре «Колон». Ди Стефано выступил только в «Тоске», а спектакли «Бала-маскарада» пришлось отменить. И хотя, как писали критики, в отдельных эпизодах голос певца звучал превосходно, а его волшебные пианиссимо в дуэте Марио и Тоски из третьего действия и вовсе вызвали восторг слушателей, стало ясно — лучшие годы певца позади.

На Всемирной выставке в Монреале «ЭКСПО-67» состоялась серия спектаклей «Страны улыбок» Легара с участием Ди Стефано. Обращение артиста к оперетте оказалось успешным. Певец легко и естественно справился со своей партией. В ноябре 1967 года в этой же оперетте он выступил на сцене венского «Театра ан дер Вин». В мае 1971 года Ди Стефано на сцене Римской оперы спел партию Орфея в оперетте Оффенбаха «Орфей в аду».

Артист все же вернулся на оперную сцену. В начале 1970 года он исполнил партию Лориса в «Федоре» в барселонском театре «Лисео» и Рудольфа в «Богеме» в Мюнхенском национальном театре.

Одно из последних выступлений Ди Стефано состоялось в сезоне 1970/71 года в «Ла Скала». Знаменитый тенор пел партию Рудольфа. Голос певца, по отзывам критиков, звучал достаточно ровно во всем диапазоне, мягко и проникновенно, но порой он терял контроль над голосом и в последнем действии выглядел значительно уставшим.

Дебютировал в 1946 (Реджо-нель-Эмилия, партия Де Грие в "Манон" Массне). С 1947 в Ла Скала. В 1948-65 пел в Метрополитен Опера (дебют в партии Герцога). В 1950 исполнял на фестивале "Арена ди Верона" партию Надира в "Искателях жемчуга" Бизе. В 1954 на сцене Гранд-Опера выступил в партии Фауста. Пел на фестивале в Эдинбурге (1957) партию Неморино ("Любовный напиток" Доницетти). В Ковент Гардене в 1961 партию Каварадосси. Частой партнёршей Ди Стефано на сцене и в записях была Мария Каллас. С ней он предпринял в 1973 большое концертное турне. Ди Стефано - выдающийся певец второй половины XX века. В его обширном репертуаре были партии Альфреда, Хозе, Канио, Калафа, Вертера, Рудольфа, Радамеса, Ричарда в "Бале-маскараде", Ленского и другие. Среди записей певца выделяется целый цикл опер, записанных на EMI вместе с Каллас: "Пуритане" Беллини (Артур), "Лючия ди Ламмермур" (Эдгар), "Любовный напиток" (Неморино), "Богема" (Рудольф), "Тоска" (Каварадосси), "Трубадур" (Манрико) и другие. Снимался в кино.

Возникший в конце XVIII и в начале XIX века, старинный русский романс и сегодня украшает концертный репертуар исполнителей. Его любят за мелодичность, эмоциональную взволнованность, задушевность, которые всегда находят путь к человеческому сердцу.

В развитии и формировании старинного русского романса сыграли важную роль русская народная песня и цыганская песня, получившая в начале XIX века широкое распространение. Большую дань этому вокальному жанру отдали многие русские композиторы. Одними из первых авторов романсов были Теплов, Козловский, Жилин, а несколько позднее — Фомин, Алябьев, Варламов, Гурилев, Булахов и другие.

Сюжет и тематика старинного романса (часто написанного на тексты русских поэтов-классиков) определили жанровое его своеобразие. Чаще преобладают среди них романсы-элегии и романсы-монологи. Таковы романсы «Я вас любил» (музыка Б. Шереметьева на слова А. Пушкина), «Выхожу один я на дорогу» (музыка Е. Шашиной, слова М. Лермонтова), «Я встретил вас» (музыка неизвестного автора, слова Ф. Тютчева), пленяющие слушателей интимно лирическим настроением, красотой мелодии, правдой передаваемых чувств, доступностью музыкального языка, незатейливостью аккомпанемента.

Тенор Клаудио Вилла (настоящее имя - Клаудио Пика) родился в Риме в 1926 году.

Вместе с Доменико Модуньо он участвовал в Фестивале Сан-Ремо и был признан победителем в 1955, 1957, 1962 и 1967 годах. Он также принимал участие в телевизионном итальянском музыкальном конкурсе под названием Канцониссима, в котором побеждал в 1964 и 1966 годах. Он принимал участие в конкурсе Евровидение в 1962 году (его песня была девятой) и в 1967 году (песня была одиннадцатой). Вилла ушел из жизни в 1987 году в результате сердечного приступа на Фестивале Сан-Ремо. На его могильном камне высечены слова: "Жизнь - ты прекрасна. Смерть - ты отвратительна".

(Карло Бути - Итальянский тенорино)



14 Novembre 1902 - 16 Novembre 1963

Италия - это такое пиршество, такая роскошь, такое несметное богатство музыки, танцев, песен, голосов, жанров и стилей, что говорить об одном из итальянских певцов или композиторов и умолчать об остальных - дело неблагодарное и даже опасное. Можно навлечь на себя гнев множества поклонников тех блестящих представителей итальянской музыкальной культуры, о которых еще не сказано на сайте.

Невольно вызывая "огонь на себя", рискую рассказать об одном, мало знакомом и незаслуженно забытом. Чудный голос, к которому легко подобрать эпитеты: хочется назвать его и нежным, и сладким, и мягким, и ласковым, и бархатным, и шелковистым одновременно. Его прозвали "тенорино", что означает "мальнький тенор" или "тенорок". В Италии он был так же безмерно популярен, как Тино Росси во Франции, Мечислав Фогг в Польше или Георгий Виноградов в Советской России. Это был сладкоголосый исполнитель меланхолической любовной лирики.

Карло Бути родился 14 ноября 1902 года недалеко от города Флоренция (Италия) под именем Карло Джузеппе Еугенио Бути. За свое творчество он получил прозвище "Золотой голос Италии".

Мальчишкой он обучался технике исполнения тосканских народных песен, известной как "сторнелло" (stornello). Вскоре его стали нанимать местные мужчины для исполнения серенад своим возлюбленным. Бути немного учился пению у Рауля Фрацци и Джино Беки. Начиная с 1930 г., он стал записываться на итальянском радио и на студии Эдисон Рекордс (Edison Records), но с 1934 года его пригласили делать записи на студии Коламбия Рекордс (Columbia Records).






В отличие от большинства певцов той эпохи, Бути начал петь в стиле, который объединил все богатство популярной эстрадной песни с достижениями классической и лирической опер. Этот особый стиль не только позволил ему сделать блестящую карьеру, но и принес международную славу одного из величайших шансонье своего времени. Ко времени окончания своей карьеры в 1956 году он записал более 1,5 тысяч песен.

Его сравнивали с Бингом Кросби и называли итальянским Фрэнком Синатрой за его предпочтение исполнения популярных песен перед классикой. В свое время он стал самым записываемым певцом в истории итальянской музыки. Его уникальный теплый и мелодичный "тенорино", высокий квази-фальцет, звучащий вполголоса, принес ему международный успех. Бути также снялся в нескольких итальянских фильмах. Он ушел из жизни в своем доме в Монтелупо Фьорентино, в Тоскане, в возрасте 61 год.

Каждый любитель классической музыки может назвать своего фаворита.

Альфред Брендель не был вундеркиндом, а его родители не имели никакого отношения к музыке. Его карьера началась без особого шума и развивалась не спеша. Быть может, именно в этом секрет его доголетия? В начале нынешнего года Бренделю исполнилось 77, тем не менее его концертное расписание включает в себя иной раз по 8-10 выступлений в месяц.

На 30 июня объявлено сольное выступление Альфреда Бренделя в концертном зале Мариинского театра. На официальном сайте пианиста этого концерта обнаружить не удалось. Зато есть дата предстоящего московского концерта, который состоится 14 ноября. Впрочем, Гергиев отличается умением решать неразрешимые проблемы.


Еще один претендент на первое место в импровизированном рейтинге — Григорий Соколов. По крайней мере, так скажут в Петербурге. Как правило, раз в году Соколов приезжает в родной город и дает концерт в Большом зале Санкт-Петербургской филармонии (последний был в марте нынешнего года), Москву столь же регулярно игнорирует. Нынешним летом Соколов играет в Италии, Германии, Швейцарии, Австрии, Франции, Португалии и Польше. В программе — сонаты Моцарта и прелюдии Шопена. Ближними к России точками маршрута станут Краков и Варшава, куда Соколов доберется в августе.


Стоит назвать Марту Аргерих лучшей пианисткой среди женщин, непременно кто-нибудь возразит: и среди мужчин тоже. Поклонников темпераментной чилийки не смущают ни резкие перепады настроения пианистки, ни частые отмены концертов. Фраза «концерт запланирован, но не гарантирован» — это как раз о ней.

Нынешний июнь Марта Аргерих проведет, как обычно, в швейцарском городе Лугано, где состоится ее собственный музыкальный фестиваль. Меняются программы и участники, неизменным остается одно: каждый вечер в исполнении одного из произведений участвует сама Аргерих. В июле Аргерих также выступает в Европе


Канадца Марка-Андре Амлена часто именуют наследником Глена Гульда. Сравнение хромает на обе ноги: Гульд был затворником, Амлен активно гастролирует, Гульд знаменит своими математически просчитанными интерпретациями Баха, Амлен знаменует возвращение романтического виртуозного стиля.

В Москве Марк-Андре Амлен выступал не далее как в марте нынешнего года в рамках того же абонемента, что и Маурицио Поллини. В июне Амлен гастролирует в Европе. Его расписание включает в себя сольные концерты в Копенгагене и Бонне и выступление на фестивале в Норвегии


Если кто-то увидит Михаила Плетнева играющим на фортепиано, срочно сообщите в информационные агентства, и вы станете автором мировой сенсации. Причину, по которой один из лучших пианистов России закончил исполнительскую карьеру, обычным умом не понять — его последние концерты были столь же великолепны, как обычно. Сегодня имя Плетнева можно встретить на афишах только в качестве дирижера. Но мы все-таки будем надеяться


Не по годам серьезный мальчик в пионерском галстуке — таким Евгений Кисин помнится до сих пор, хотя ни пионеров, ни того мальчика давно нет в помине. Сегодня он один из самых популярных классических музыкантов мира. Именно его Поллини как-то назвал самым ярким из музыкантов нового поколения. Его техника великолепна, но часто холодна — словно вместе с детством музыкант потерял и никак не найдет что-то очень важное.

В июне Евгений Кисин гастролирует по Швейцарии, Австрии и Германии с оркестром «Кремерата Балтика», играя 20-й и 27-й концерты Моцарта. Следующая гастрольная поездка намечена на октябрь: во Франкфурте, Мюнхене, Париже и Лондоне Кисин будет аккомпанировать Дмитрию Хворостовскому


Аркадий Володось — еще один из тех «рассерженных молодых людей» нынешнего пианизма, который принципиально отвергает конкурсы. Он настоящий гражданин мира: родился в Петербурге, учился в родном городе, затем в Москве, Париже и Мадриде. Сначала в Москву пришли записи молодого пианиста, выпущенные компанией Sony, и лишь затем появился он сам. Кажется, его ежегодные концерты в столице становятся правилом.

Июнь Аркадий Володось начал выступлением в Париже, летом его можно будет услышать в Зальцбурге, Рейнгау, Бад-Киссингене и Осло, а также в небольшом польском городке Душники на традиционном шопеновском фестивале

Иво Погорелич побеждал на международных конкурсах, однако мировую славу ему принесло поражение: в 1980 году пианиста из Югославии не пропустили на третий тур конкурса имени Шопена в Варшаве. В результате Марта Аргерих вышла из состава жюри, а на молодого пианиста обрушилась слава.

В 1999 году Погорелич прекратил выступления. Говорят, что причиной тому стала обструкция, которой подвергли пианиста в Филадельфии и Лондоне недовольные слушатели. По другой версии, причиной депрессии музыканта стала смерть жены. Недавно Погорелич вернулся на концертную сцену, но выступает мало.

Последнюю позицию в списке заполнить труднее всего. Ведь осталось еще так много превосходных пианистов: уроженец Польши Кристиан Циммерман, амерканец Мюррей Перайя, японка Мицуко Ушида, кореец Кун Ву Пек или китаец Ланг Ланг. Продолжают карьеру Владимир Ашкенази и Даниэль Баренбойм. Любой любитель музыки назовет своего фаворита. Так что пусть одно место в десятке останется вакантным.

Пресловутая убежденность в том, что природа всегда отдыхает на детях гениев, бывает необоснованной. Яркий пример - наш современник, скрипач Игорь Давидович Ойстрах которому 27 апреля исполняется 80 лет.

Музыкант является сыном виртуоза Давида Ойстраха, происходящего из зажиточной купеческой семьи. Игорь сначала обучался в Центральной музыкальной школе у своего отца, а затем поступил в Московскую консерваторию, которую закончил в 1955 году по классу скрипки. Три года спустя завершил обучение в аспирантуре. В 1951 году перспективный скрипач стал лауреатом Международного конкурса им. Г. Венявского в Познани.

Игорю Ойстраху неоднократно доводилось выступать в дуэте со своим отцом. «Мы не ощущаем различия или сходства, которые видят в нашей игре другие. Когда мы играем вместе, мы – не отец и сын, мы — музыканты, - вспоминал Игорь Ойстрах. - Отец впервые поверил в меня как скрипача в 1945 году. Признаюсь, что обычно, когда он возвращался из дальних поездок, я интересовался, главным образом, подарками. На этот раз, буквально не дав ему раздеться с дороги, я упросил его послушать мою игру. Отец не ожидал от меня ничего особенного и тем более удивился, когда, настояв на своем, я заиграл Концерт Липиньского. Помню, он даже прослезился.

Я получал, как правило, не большее, а меньшее количество уроков, чем другие воспитанники отца. Я не помню, чтобы к кому-нибудь из своих многочисленных учеников отец относился с большей требовательностью, чем ко мне. Никогда не забуду, как в 1949 году, за неделю до моего отъезда в Будапешт на первый в моей жизни международный конкурс, отец возвратился из очередной гастрольной поездки, прослушал меня, а затем раскритиковал и интонацию, и ритм, и трактовку. Неделя занятий под его пристальным надзором дала, однако, на конкурсе свои плоды — я получил там первую премию. Мера требовательности отца ко мне не изменилась и тогда, когда я стал лауреатом, и тогда, когда уже много играл в СССР и за рубежом. Я нередко обижался на отца, но теперь безмерно признателен ему за былую строгость».

По окончании аспирантуры Игорь Ойстрах был принят в 1958 году в штат Московской консерватории. Впоследствии часто гастролировал за границей, выступал и как дирижер. Его дебют на Западе состоялся в Лондоне, в Королевском Альберт-Холле. Затем последовали гастроли в США, Европе (Австрия, Дания, Франция, Великобритания, ГДР, Чехословакия), Канаде, Южной Америке, Японии и Австралии. C 1996 года Игорь Ойстрах является профессором Королевской консерватории в Брюсселе.

В 1978 году Игорю Ойстраху присвоено звание «Народный артист РСФСР», а в 1989-м он становится народным артистом СССР. Кроме того, он – почетный член общества Людвига Ван Бетховена в Бонне, почетный профессор Музыкального королевского колледжа в Лондоне, профессор Моцартовского общества в Вене.

Индивидуальный стиль Игоря Ойстраха характеризуется неповторимым сочетанием просчитанности и техничности исполнения с удивительной теплотой, эмоциональностью и артистизмом трактовок. Ряд критиков отмечал выразительность, строгий стиль, благородство и виртуозную технику скрипача.

Вместе со своей женой – пианисткой Натальей Зерцаловой Игорь Ойстрах исполнил и записал полные собрания сонат Бетховена и Моцарта. Их дуэт награжден премией «Weiner Flotenuhr» Венской академией Моцарта и является Почетным членом общества Бетховена в Бонне. Творческие традиции семьи Ойстрахов продолжает сын Игоря – Валерий, победитель многих скрипичных конкурсов, профессор Королевской консерватории в Брюсселе.

Игорь Ойстрах сотрудничал с такими звукозаписывающими компаниями, как: EMI, Deutsche Grammophon, Decca, RCA, Коллинз, «Мелодия», «Искусство и Электроника». Среди его записей – Второй скрипичный концерт Бартока, сонаты И. С. Баха для скрипки и клавесина (вместе с женой Натальей Зерцаловой), поэма Евгения Светланова памяти Давида Ойстраха.

Il Divo — интернациональный квартет поп-исполнителей с консерваторской подготовкой и оперными голосами, занесённый в книгу рекордов Гиннесса (в 2006 году) как самый коммерчески успешный международный поп-проект.
Инициатором создания квартета был Саймон Ковелл — британский музыкальный продюсер, известный благодаря работе с командой «Westlife» и участием в создании телешоу «American Idol». Вдохновлённый совместной записью Андреа Бочелли и Сары Брайтман, он решил создать интернациональный поп-квартет, участники которого пели бы как «три тенора», а выглядели как модели «Armani». Кастинг проводился в продолжение двух лет в Испании, Швейцарии, Франции и США — в каждой стране было выбрано по участнику: испанский баритон Карлос Марин, швейцарский тенор Урс Бюлер, французский поп-певец Себастьен Изамбар и американский тенор Дэвид Миллер.
Дебютный альбом Il Divo поступил в продажу в 2004 году и отметился на первом месте во многих национальных чартах. В следующем году последовал диск Ancora (1-е место в Великобритании, 1-е место в США). Группа записывается на английском, испанском, итальянском, латинском и французском языках. Их стиль можно определить как гибрид традиционной поп-музыки с оперой. Они записывались в дуэте с Селин Дион и Тони Брэкстон (с которой исполнили официальный гимн Чемпионата мира по футболу 2006). В том же году приняли участие в североамериканском турне Барбары Стрейзанд в качестве специальных гостей. Турне принесло рекордные сборы в размере $ 92,5 млн.
Состав
Дэвид Миллер
Дэвид Миллер — тенор из США, выпускник Оберлинской консерватории в Огайо, где он получил степень бакалавра по специальности «вокал» и степень магистра по специальности «оперный театр». Последние 10 лет жил в Нью-Йорке и исполнил за это время более 45 главных ролей в различных оперных и музыкальных постановках в театрах Южной и Северной Америки, Австралии и Европы, в том числе роль Тони в «Вестсайдской истории» в миланском театре «Ла Скала». Последней его ролью была роль Родолфо в нашумевшей постановке База Лурмана «Богемы» Джакомо Пуччини .
Себастьян Изамбар
Себастьен Изамбар — родом из Франции, единственный без вокального образования в группе. Он также является состоявшимся автором, играющим на гитаре и пианино. Он жил в Париже и работал со многими французскими артистами. В 2001 году он выступил на концертах Джонни Холлидея в качестве гостя в концертном зале «Олимпия» при полных аншлагах. В 2002 году Себастьян сыграл одну из главных ролей в мюзикле Рикардо Коччанте «Маленький принц». Он работал над сольным альбомом, когда стал членом группы в 2003 году, и планирует привнести оригинальный материал в репертуар группы.
Урс Бюлер
Урс Бюлер — тенор из Швейцарии, начал петь на публике в 17 лет, будучи в составе группы Conspiracy, игравшей хард-рок в его родном городе Люцерне, где он посещал Академию церковной музыки (англ. Academy for School and Church Music). Позже он переехал в Амстердам, где под руководством Удо Райнеманна занимался вокалом в Амстердамской консерватории. Также Урс брал частные уроки у швейцарского тенора Гёста Уинберга и французского тенора Кристиана Паписа. В дополнение к сезону на Зальцбургском фестивале, где он пел в хоре под руководством Клаудио Аббадо, Урс провел последние 7 лет в Голландии, принимая участие в ораториях и выступая в Нидерландской Опере.
Карлос Марин
Карлос Марин — баритон из Испании, проживающий в Мадриде, он завоевал значительную репутацию, исполняя главные роли в испанских версиях мюзиклов «Отверженные», «Человек из Ла Манчи» и «Красавица и Чудовище». После мастер-классов по вокалу Альфредо Крауса, Монсеррат Кабалье и Джакомо Арагалля. Карлос покорил публику в других странах мира и получил признание критиков как прима-баритон во многих операх, в том числе, в таких известных произведениях, как «Травиата», «Севильский цирюльник», «Богема» и «Мадам Баттерфляй».