Откройте свой Мир!

«Если это чудо, то достаточно будет свидетеля, если же это факт — необходимы неопровержимые доказательства» (Марк Твен).

И вот они...

Оказывается такой вид искусства, как живопись на пауитне, появился в Тирольских Альпах, а точнее в долине Пустерия в южном Тироле, близ города Брунико, свыше 200 лет назад.


Его создатели, тирольские крестьяне, разработали технику рисунка на одном из самых непрочных материалов в природе — на паутине, которую они собирали с деревьев в своих садах или с потолков и углов домов. Кроме того, известно имя создателя. Им является некий Элиас Прюннер, который и «изобрел» живопись на паутине. Что сподвигло его на это необычное занятие, доселе не понятно, но... до настоящего времени сохранилось около 100 миниатюр, выполненных на паутине! Большинство из них находится в частных коллекциях, остальные картины — собственность монастырей (самые первые картины — «паутины» были со святыми) и музеев.


Живопись на паутине очень прозрачна. Обычно такие картины вывешивались в окне, чтобы можно было рассматривать их на свет с любой стороны. Иногда их заключали между двумя стеклами в красивую деревянную рамку.

Наряду с уникальностью «полотна» поражает и то, что техника выполнения этих миниатюр очень разнообразна! Некоторые из них написаны акварелью, другие отпечатаны на паутине, как обычные гравюры, третьи представляют собой тончайшие рисунки китайской тушью. Художники работали очень тонкими кисточками, сделанными из перьев бекаса, так как перо несомненно порвало бы паутину.

В качестве «полотна» использовалась либо паутина обычных пауков, либо шелковистые прозрачные нити, выделяемые гусеницами шелкопряда. В описаниях этих рисунков обе разновидности «полотен» называются просто паутиной. А некоторое различие между ними можно уловить разве только с помощью микроскопа. Средние габариты таких картин не превышали размеров современной почтовой открытки. Самая маленькая имела длину 10 см и ширину 7 см. Перед началом работы паутина подвергалась обработке: ее очищали и натягивали на картон, образуя некий тонкий холст. Иногда для большей прочности ее пропитывали молоком, разбавленным водой.

Большинство картин на паутине — это миниатюры, сделанные акварелью с примесью белка. Часть картины красками не покрывалась, а создавался только прозрачный фон, что подчеркивало необычность материала. Создавалось такое впечатление, будто фигуры плавают в невесомой дымке. Такие тонкие детали, как глаза, волосы, рисовались легкими мазками, а цветы, гирлянды и ленты, которыми чаще всего обрамляли само изображение, наносились густым слоем краски. В углу миниатюры художник обычно изображал маленького паучка. Такая эмблема символизировала то, что «полотно» изготовлено из паутины. Чаще всего художники изображали Мадонну или женские портреты.
 


Но, самое удивительное то, что паутина служила материалом даже для гравюр. Как такой тонкий материал мог выдержать сложный процесс печатания с металлических пластин?! Но тем не менее паутина натягивалась на плоскую поверхность и подвергалась давлению под прессом. По мере того как методы распространялись, картины-«паутины» стали встречаться в домах обывателей — их можно было купить на ярмарках. Эти картины уже стали вывозиться в Англию, Северную Америку и Германию. Тема сюжетов стала также более разнообразной. В XIX и начале XX века художники паутины Инсбрука рисовали пейзажи и сцены с участием местных крестьян, а также сцены войн независимости.

К сожалению, до нас не дошло ни одной картины, подписанной самим Элиасом Прюннером, да и известно о нем очень мало, кроме того, что он творил в середине XIII века. Многое в работе Прюннера остается тайной и по сей день. И хотя профессиональные художники называли его «посредственным» живописцем, его картины впоследствии очень тщательно разыскивались.

67 из 100 сохранившихся картин принадлежит кисти ученика Элиаса Прюннера — Иоганну Бургману. Его называют самым плодовитым художником паутины конца 1700-х начала 1800-х годов. Писал он в основном для южнотирольских церквей. Еще 4 гравюры принадлежат кисти родственника Элиаса Прюннера — Иоганну Прюннеру. Он первый предпринял попытку создать гравюру на паутине. Его тончайшая гравюра «Мадонна с младенцем» — самая старая из дошедших до нас.
 

«Мадонна с младенцем» — одна из первых гравюр на паутине. Честерский собор, Англия.
 



Картина на паутине, которой больше 100 лет
 




Из коллекции Библиотеки Северо-Западного университета (США), Слева — акварельный портрет Филиппинской Вельсер, жены эрцгерцога Фердинанда II, выполнен на сверхтонком полотне, сделанном из паутины
 

После смерти Бургмана в 1825 году техника живописи на паутине почти угасла. Но в конце 1890-х годов некая Энн Брэдшоу Клоптон (1878 — 1956) обнаружила это ремесло, прочитав о нём в журнале, когда ей было 11 лет. Она начала пробовать и, в конце концов, освоила секреты искусства. Десятилетиями Энн училась распознавать виды пауков, которые плели самые плотные паутины, и времена года, когда паутины становились наиболее сильными. Она разработала собственные смеси красок, которые сопротивлялись провисанию, растрескиванию или разрыву полотна. Краску она применяла в микроскопических дозах, используя увеличительное стекло и кисть с одним волосом, тщательно заполняя промежутки между отдельными точками. Даже самое маленькое произведение занимало много недель, потому что заполнить нужно было тысячи точек.

В 1926 году Энн и её семья переехали в новый дом, где рабочим кабинетом художницы стал шкаф. Впоследствии — туристическая достопримечательность под названием «Шкаф Леди Паутины». Художница могла написать около 20 картин в год и продавала их по 75$ за штуку. В 1939 году она даже выставляла свое искусство на Всемирной выставке в Нью-Йорке и была показана в кинохронике «Индустрия на параде». Но на выставке очень многие из картин были безнадежно испорчены, так как посетители хотели проверить их на подлинность и протыкали острыми предметами, вследствии чего большинство этих хрупких картин были попросту уничтожены. Некоторые из них после ее смерти были пожертвованы Национальному музею американской истории в Вашингтоне, округ Колумбия. Некоторые сохранились в её доме в Хантсвилле, штат Алабама. И здесь стоит отметить, что сохранялись они благодаря  Рону и Джеррин Грей, которые в 2007 году выкупили этот дом и превратили его в небольшой музей и магазин подарков New Age. «Мы знали о ней, когда купили дом, — сказал Рон. «У него была история, и мы хотели ее сохранить». Им удалось восстановить даже часть гардероба Энн, потратив на это целых три года.

Старый шкаф Энн и сейчас наполнен её оригинальными художественными принадлежностями: древними тюбиками с краской, крышками для бутылочек для смешивания, крошечными кисточками.



Художница за работой в шкафу
 



Версия паутины Президента Мак Кинли Энн Брэдшоу Клоптон, 1902 год.

Среди других полотен в музее выставлены: «Портрет женщины» (возможно самой Энн в молодом возрасте), картина одной из её кошек, её дома и внука Бобби
 



Старые художественные принадлежности Энн. На фото её внук Бобби.
 



Дом-музей Энн Брэдшоу Клоптон и магазинчик Рона и Джеррин Грей

В наше время известен пока лишь один мастер — австрийсикий художник Юстинус Содан. Его картины даже присутствовали на одной из выставок в Вене. Но, к сожалению, фото его работ мне найти не удалось, но если кому-то что-то известно о нем и его творчестве, напишите пожалуйста.
 © https://www.livemaster.ru/t...

Сын морского инженера и заядлого яхтсмена, внук известного художника- мариниста Генри Доусона ( 1811-1878 гг. ), будущий легендарный художник- маринист Монтегю Доусон родился в Лондоне в 1895 году. После Первой Мировой войны Монтегю Доусон уже вполне состоялся, как профессиональный художник- маринист со своим стилем, почерком и пристрастиями. Он вполне "нашёл себя" в изображении известных парусников и чайных клиперов в открытом море. Глядя на живопись Доусона старые морские волки- парусники могли безошибочно определить на какой широте, какого океана, в какое время года изображено то или иное судно,- вот с какой скрупулёзной точностью художник изображал цвет неба и воды, присущие данному конкретному месту.




❤...ڪے... ❤...ڪے... ❤...ڪے... ❤...ڪے... 

В дозоре.
 
От брызг и ветра
                        губы были солоны, 
Была усталость в мускулах остра, 
На палубах,
                вытягиваясь,
                                   волны 
Перелетали
                через леера. 
Казался сон короче вспышки залповой, 
И обострённость чувств такой была, 
Что резкие звонки тревог внезапных 
В ушах гремели,
                        как колокола! 
Но шёл корабль, отбрасывая волны, 
С сердитым воем мачты наклоня, 
И в хлопьях пены, взмыленная словно, 
Лишь закалялась тяжкая броня. 
И понял я – 
                    сумей вначале выстоять! 
И ты разлюбишь кров над головой, 
Цветами пусть
                    тебе дорогу выстелют, 
Но ты пойдёшь
                      по этой,
                                 штормовой!..

*** Николай Рубцов.

❤...ڪے... ❤...ڪے... ❤...ڪے... ❤...ڪے... 





Доусон умел изображать парусники, как никто другой. Он один, казалось, достиг способности написать судно под прессом надутых ветром парусов и с потрясающей точностью и непринужденностью поместить его в воду. Конечно, и в последние годы его жизни, и особенно после его смерти у него появлялись и появляются подражатели, которые стараются писать свои картины "под Доусона". Кому то это удаётся лучше, кому то- хуже, но всё это, конечно же, не Доусон...







Своей неподражаемой манеры письма художник достиг не внезапно. В течении десяти лет после Первой Мировой Доусон скрупулёзно оттачивал свою технику. Он поставил своей целью писать море так, как до него не удавалось ни одному художнику: четко и правдиво. Он хотел показать все оттенки света на воде в данное время суток и на данной географической широте, и в то же время показать небо и свет- через воду. Благодаря своим неустанным поискам Доусон достиг желаемого. Появились заказы, как от серьёзных коллекционеров живописи, так и от энтузиастов парусного мореплавания.
Обладатель многочисленных наград и званий, почётный член самых престижных художественных сообществ Великобритании, Монтегю Доусон честно заслужил своё звание "Самого знаменитого морского живописца двадцатого столетия".
Умер художник в 1973 году.

❤...ڪے... ❤...ڪے... ❤...ڪے... ❤...ڪے... 


❤...ڪے... ❤...ڪے... ❤...ڪے... ❤...ڪے... 

❤...ڪے... ❤...ڪے... ❤...ڪے... ❤...ڪے... 

❤...ڪے... ❤...ڪے... ❤...ڪے... ❤...ڪے... 

❤...ڪے... ❤...ڪے... ❤...ڪے... ❤...ڪے... 

❤...ڪے... ❤...ڪے... ❤...ڪے... ❤...ڪے... 

Ист. http://nevsepic.com.ua/art-...

В мой дом постучали. Сказал я: «Войдите».
Старик на пороге - в лохмотья одетый.
- Ты кто? – говорю.
- Я твой ангел-хранитель.
Я слыхивал много про все твои беды.

- Проваливай к черту! Плевать, что ты босый!
Я не подаю ни на хлеб, ни на воду!
А он мне в ответ: «Да, вернется, не бойся,
Сама прибежит, не пройдет и полгода».

Я замер, кольнуло у левого бока:
«Откуда ты знаешь об этом, убогий?
А он подмигнул мне: «Убогий – от Бога!
А Богу известны все наши дороги. 

Ты матери чаще звонил бы, а то ведь,
Она до весны не дотянет двух суток.
И надо бы как-то отца подготовить
К тому, чтобы он не лишился рассудка.

Впервые в коленях почувствовал дрожь я,
Схватил старика за грудки, обезумев.
«Нельзя изменить, есть на все воля Божья, -
Хрипел он чуть слышно сквозь черные зубы. 

Я сел у камина, налил ему выпить
И хлеб покромсал и кусок буженины.
Он ел, не спеша, а потом руки вытер
О черные с блеском от грязи штанины.

И вышел за дверь, но я вслед ему крикнул:
«Я думал, что ангелов делают белых!
И, если ты ангел, то где твои крылья?»
Старик усмехнулся: «Я отдал тебе их».


© Copyright: Слава Иванов, 2015

**********************************************************
Михаил Астальцов: Художник – это человек, рвущий логику.


Всегда интересно пообщаться с людьми энергичными, увлеченными, успешными - что в бизнесе, что в политике, что в искусстве. Сегодня наш собеседник - один из таких людей. Это художник, член правления посадского отделения Союза художников России Михаил Астальцов. Мы встретились с ним в его мастерской на Клементьевском поселке...
Академические правила - не догма
- Михаил, вы местный?
- Нет, я калужский паренек. Родился в городе Юхнове Калужской губернии, в двухстах километрах от Москвы.
- Тяга к художественному творчеству - это наследственное?
- Первые художественные навыки я получил в Обнинской художественной школе и, конечно, от общения с отцом. Он у меня тоже художник. Поэтому для меня никогда не стоял вопрос кем быть. То, что моя жизнь будет связана с изобразительным творчеством - это я знал точно.
- То есть, одноклассники бегали во дворе, играли в футбол, а вы рисовали?
- Нет. Папа отвозил меня к бабушке и давал мне задание на неделю, требуя к концу недели неких творческих результатов. Всю эту неделю я играл с пацанами в футбол, ходил на рыбалку, а в последний день, в пятницу, судорожно выполнял отцовское задание. Вот тогда, наверное, я и впервые врать научился (смеется).
- А творчеству можно научиться или это врожденное?
- На мой взгляд, любой человек с активной жизненной позицией занимается творчеством, независимо от профессии. Даже бизнесмен.
- Как называются те стили, в которых вы работаете?
- Пусть об этом заботится Русский музей! Это шутка, но называть и классифицировать свою работу - это не мое. Я не успеваю преображать свои мысли, свои задумки в изобразительные формы, во что-то новое. А оно рождается из твоей творческой практики и человеческой искренности. А если думать о конъюнктуре рынка, о классификации, некогда будет рождать это новое...
- Вы с отличием окончили и Абрамцевское училище и Строгановское. Чем обогащает художника образование?
- Одно дело, когда ты пользуешься некими правилами академического рисования - другое дело, когда ты начинаешь сам соображать (пусть и с помощью педагогов, которые дают тебе этот импульс), что эти правила - они не есть догма, что диалектически их можно развивать. А художник - это тот человек, который где-то рвет логику и добивается в своих работах большей образности и большего пластического воплощения - посредством только ему присущего видения мира.
- Вы попали в Сергиев Посад по распределению после окончания Строгановки. Как вас приняли будущие коллеги?
- Так получилось, что я сразу попал за стол к большим художникам, один из которых при знакомстве со мной, сопляком, встал, протянул руку и представился: «Слава».





 «Ангел - Хранитель»

Я говорю: «Извините, а отчество ваше?»
- «У художника не может быть отчества. Мы - братство...» Это был один из старейших загорских художников, Владислав Васильевич Крылов. Так я познакомился со всеми теми людьми, с которыми дружу уже почти два десятка лет. Юрий Иванович Сенников, Вячеслав Евгеньевич Саблин - вот мой круг, это мои друзья, с которыми меня столкнула жизнь. И я благодарен ей за эту встречу.

 «Озябший ангел»

- Ваше основное место творчества - Сергиев Посад?
- Скорее здесь пункт приписки. А творчество - оно настолько обширно, что приходится много ездить и по России, и по миру...
Художник - человек мира
- Насколько я знаю, вы подолгу живете за границей...
- Западную Европу я проехал почти всю.
- Это, в первую очередь, заработок или желание новых впечатлений?
- Да, пожалуй, совокупность всех этих вещей. Первый мой выезд за границу был в 1979 году в ГДР, в Потсдам, а затем были поездки  и в 80-е годы, и в 90-е. Я начал сотрудничать с различными художественными галереями в Австрии, в Германии, в Италии (Венеция), во Франции (Страсбург), в Чехии...
- Мне говорили знакомые художники, что иностранцы покупают преимущественно свои ландшафты. Им не нужны посадские пейзажи. Вы об этом знали?
- Конечно, я слышал нечто подобное от людей опытных, уже побывавших на Западе. Но я нашел выход. Еще в 80-х годах, будучи студентом, я приезжал туда совершенно без денег. И чтобы их заработать, где-то найти кров над головой и как-то обустроить свое пребывание за границей, я садился перед какой-нибудь респектабельной гостиницей и рисовал некий ландшафтный вид этого отеля. И обязательно выходил либо управляющий, либо хозяин этой гостиницы, тут же меня селили в номер и заказывали рисовать еще и еще (смеется). Это тот козырь, который всегда действует за границей.
- Отлично. А наши, русские, художники отличаются сегодня чем-то от австрийских, французских? Или художники не имеют национальных различий?
- Существует некий творческий космополитизм: художник - это человек Мира. Это раньше у меня было стойкое убеждение, что мы самобытны в творческом плане, но когда я увидел работы немецких и австрийских коллег, то понял, что широтой души они могут с нами посоревноваться.
- Да что вы?!
- Абсолютно. И количеством выпитого также. Все эти байки, что все они жадные, что мы их перепьем, не выдерживают в реальности никакой критики. Я это знаю. И на таком же высоком эмоциональном уровне они пишут и свои работы. Хотя каждый художник там, как и у нас, индивидуален.

«Бытие»

- Я знаю, что вы плодотворно сотрудничаете с такими промышленными гигантами как LG и BMW. А в Австрии вы работали во благо наших братьев сербов, соорудив огромную картину из овощей и попав одновременно в рекорд Гиннеса. Чья это была идея?
- Идея принадлежала известным австрийским компаниям: пивной фирме «Гёссер» и штемпельной «Тродет». С одной стороны, они хотели сделать себе небанальную имиджевую рекламу, а с другой - помочь сербам в их борьбе за национальное единство.
- И что же вы для них сотворили?
- Из многих предложений и вариантов они выбрали мозаичный портрет из овощей и фруктов кайзера Максимилиана, последнего австрийского рыцаря, почитаемого там не менее Сергия Радонежского. Портрет был с трехэтажный дом...
- Ого!
- Порядка трех тонн весом, и в нем я использовал все: помидоры, огурцы, яблоки, картофель, цукини, баклажаны, редис и так далее.
- И каков был результат?
- Собралась толпа зевак. Были приглашены представители Книги рекордов Гиннеса и бизнесменов Верхней Австрии, которые тоже захотели поучаствовать в этой акции. В итоге этот портрет был по кусочкам распродан с аукциона, причем обладателям тут же выдавали сертификаты Книги рекордов Гиннеса, ну а собранные средства пошли на покупку целого поезда медикаментов, одежды и продовольствия для Сербии. Австрия тогда была единственной из нейтральных стран, которая помогала сербам. Ну и я тоже приложил к этому руку...






Художники и великие пиарщики
- В творчестве художника должна присутствовать идеология?
- Сейчас по ряду причин в изобразительном искусстве упадок. На выставках и вернисажах очень много беззубых работ. Есть салонно-коммерческие работы, а есть абсолютно беззубые, где непонятно, что хочет сказать человек. Как акын, что вижу - про то пою, куда еду - не знаю, что хочу - еще не придумал. 
А мне бы хотелось выражать свои мысли, эмоции посредством метафоричного языка...



- Но вы чему-то хотите научить зрителя?
- На мой взгляд, учить искусство не должно. Оно должно заставить тебя думать, сопереживать - в этом должна быть цель искусства. 


«Трапеза»

- Кто из классиков или современников вам близок по духу?
- Из классиков - Рембрандт, а из современников - академик, народный художник России Коржев, бывший преподаватель Строгановки.
- В стране есть ряд деятелей искусств, которые все время на слуху - это Шилов, Глазунов, Шемякин, скульпторы Эрнст Неизвестный и друг мэра Москвы Зураб Церетели. Как вы относитесь к их творчеству? Их популярность - дань таланту или их пробивной силе, пиару?
- Отношусь диференцированно. Из этой когорты я выделю Шемякина, так как его я, субъективно, считаю художником. Всех остальных (к ним я бы еще добавил Никоса Сафронова) я бы назвал великими пиарщиками, которые, обладая довольно средними художественными способностями,  ставят перед собой другие, часто коммерческие, цели - и успешно их достигают.






- А вообще в среде художников присутствует какая-то зависть?
- Очень-очень много тщеславия и зависти! Нигде нет больше такого биения себя в грудь с криком «Я - гений!» как у живописцев!.. Не знаю, с чем это связано, но вот у скульпторов этого гораздо меньше...
- Интересно. А вам лично нравится творчество кого-нибудь из ваших сергиево-посадских коллег?
- Да! Евгения Захарова, Валерия Секрета, графика Татьяны Киселевой...
- Кого из известных людей вы рисовали?
- Были такие, но мне бы не хотелось заострять на этом внимание...
- Но все же?
- Я рисовал семью испанского короля Хуана Карлоса, германского канцлера Гельмута Коля, президента Ингушетии Аушева...
- Круто! А в Сергиевом Посаде?
- Депутата Московской областной думы Валерия Липатова, директора сети ювелирных салонов Виталия Макрушина, директора фирмы «Спорт СП» Валентина Новикова и многих других. Но для меня портрет деревенской бабушки не менее ценен, чем изображение любой VIP-персоны.
- И это правильно. А теперь ответьте, пожалуйста, на вопросы наших постоянных читательниц:
- Светлана: А зачем вы вообще занимаетесь тем, чем занимаетесь?
- Мне трудно представить, как можно жить, не занимаясь живописью, творчеством. Я просто чувствую удовлетворение от своей работы.
- Наталья: В чем вы черпаете свое вдохновение?
- В жизни. В людях.
- Олеся: Рисуете ли вы обнаженных женщин? И вообще находит ли отражение в вашем творчестве секс?
- Да, рисую. Без этого я не мыслю жизнь художника, ибо то, что создано Богом - это совершенно. А женское тело во все века давало и дает людям искусства и силы, и вдохновение, и возможность посредством искусства выразить свое стремление к радости и совершенству жизни.
- Ирина: Как вы относитесь к компьютерной графике? Считаете ли ее искусством?
- Да. Но пока только прикладным искусством. Но за авторами, работающими в этом жанре, огромное будущее.
- Трудно ли вам расставаться с вашими работами?
- Нет. Пока я работаю над картиной, пока она не завершена, пока не произошло ее рождение, это мое детище. А как только она закончена и подписана, у нее наступает своя жизнь, и подчас я не могу повлиять на ее дальнейшую судьбу.
- И последний вопрос. Скажите честно, художнику живется легко?
- Кому сейчас легко?!
Беседовал Вячеслав Шатков
Источник - журнал КСТАТИ №2/2008


«По тонкому льду»